12. Los Años 2000- 2013. Arquitectura y Cine

Heydar Aliyev Center, en Bakú, Azerbaiyán.  Zaha Hadid.

ARQUITECTURA

• Arquitectura y Barroquismo: Frank Gehry.
• Espectacularidad y polémica: Santiago Calatrava.
• El concepto «High Tech». La obra de Norman Foster.
• La obra de Zaha Hadid.

CINE Y TELEVISIÓN

• El género documental y ecologismo  en el cine: Félix Rodríguez de la Fuente y National Geograpic.
• La tecnología digital. El cine de animación de las Productoras “Pixar y DreamWorks”

10. Hiperrealismo. Años 60-70

• 

  Richard Estes. Cabinas telefónicas. 1967 Acrílico sobre masonita. 122 x 175,3 cm Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

El Hiperrealismo es un movimiento artístico que surge en EEUU, en 1968 como respuesta a la frialdad del minimalismo y del arte conceptual. Alcanza la plenitud en los años 70 pero este estilo pictórico sigue vigente en la actualidad.

A finales de los sesenta, en  Estados Unidos un grupo de artistas  pintaban con gran realismo objetos y escenas de la vida cotidiana utilizando la fotografía como base para la realización de sus obras. La consagración del movimiento, que hoy conocemos con el nombre de hiperrealismo, tuvo lugar en 1972 en la exposición titulada»Fotorrealismo, cuestionando la realidad», celebrada en la V Documenta de Kassel.

Paisaje urbano. Richard Estes, Hiperrealismo

Los grandes maestros norteamericanos de la primera generación fueron Chuck Close,   Richard Estes, Robert Cottingham,  John Baeder, Robert Bechtle, Tom Blackwell, etc.

Don Eddy. 1971. Acrílico sobre lienzo. Hiperrealismo

En la actualidad  nuevos artistas utilizan la técnica fotorrealista en sus creaciones. Las herramientas y los motivos han podido evolucionar o cambiar con el tiempo pero las obras continúan fascinando al público por su increíble definición, nitidez y detallismo.

Serina. 1972. John Kacere. Hiperrealismo

Audrey Flack (Nueva York, 1931) es una famosa artista, pintura y escultora. Forma parte de los pioneros del fotorrealismo, la única mujer de la primera generación del movimiento. Aquellos creadores que en los años 60, cada uno por su lado y sin conocerse, se dedicaron a fotografiar y retratar el mundo que los rodeaba. Los primeros indicios del hiperrealismo se dieron en Nueva York y California.

Hiperrealismo años 70. Audrey Flack (Nueva York, 1931)

En España esta tendencia fue seguida por Antonio López pero a diferencia de los artistas norteamericanos no utiliza la cámara, se aproxima a la realidad lentamente, por lo que sus obras no son tan frías.

Antonio López. Madrid. Hiperrealismo

Recursos.

• Museo Thyssem. Exposición Hiperrealismo 1967-2012
•  Blog Algargos, Arte e Historia
• La pintura Hiperrealista (pablogui)

Publicidad. Robert Cottingham. Hiperrealismo

1. Temática.  Los espacios y objetos de la vida cotidiana. Instantes de realidad congelados en el tiempo.  Paisajes urbanos, escenas banales y artículos de consumo, fragmentos de la vida cotidiana en los Estados Unidos: Acristalados escaparates, restaurantes de comida rápida, relucientes motocicletas y coches,  juguetes de hojalata, pinballs o frascos de especias, caramelos y salsas se convierten en tema pictórico. . Iconos especialmente significativos del hiperrealismo son los vehículos de todo tipo: automóviles, motocicletas, camiones, auto‐caravanas, trenes e incluso avionetas. Los vehículos significan movilidad, libertad y, por tanto, son una parte muy representativa de la sociedad estadounidense y de cómo se ve a sí misma. Además, los materiales utilizados en carrocerías, llantas o parachoques y los reflejos que se producen al recibir la luz les resultan fascinantes.

Motos, David Parrish

T

Estos motivos se captan primero a través de la fotografía y después se trasladan al lienzo mediante un laborioso proceso, utilizando recursos como la proyección de diapositivas o el sistema de trama.

• Son obras generalmente de gran formato,
• Pintadas con tal precisión, detallismo y exactitud que los lienzos parecen superar la realidad fotográfica.
• Usaron la fotografía sin reparos, convirtiéndola así en un instrumento «legítimo». Considerada como una forma objetiva de documentar el mundo,   Partían a veces de fotos de revistas o periódicos pero pronto empezaron a captar ellos mismos las imágenes, una o varias que luego fusionaban en el cuadro. Hoy en día, son los programas informáticos y de arreglo fotográfico lo que les permite llegar hasta la minuciosidad propia de los maestros flamencos.
• Los pintores hiperrealistas realizan un trabajo limpio, ya que no dejan marcas de pinceladas sobre el lienzo
• Aplican color por medio de veladuras y empastes con una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo que permiten apreciar una imagen poética.
• Les fascinan  las superficies metálicas de cristales y espejos que le permite recrearse en las imágenes deformadas de sus reflejos.
• La figura humana es  escasa.
• Manipulan el encuadre, los colores, luces y reflejos para lograr una nueva realidad pictórica, que el artista la transforma en algo suyo.
• Utilizan el óleo, pero también la pintura acrílica por su secado rápido y su limpieza.

Significado. Recrea la realidad apelando al sentimiento y la sensibilidad de las personas que ven la obra. El pintor hiperrealista no aspira a competir con la fotografía, sino que se vale de ella para representar una nueva realidad. Ausencia de denuncia y crítica

Precedentes. El hiperrealismo se desarrolló a partir de dos tradiciones artísticas: la pintura trompe l’oeil o Trampatojo (técnica de engañar al ojo) y la técnica meticulosa de superficies delicadamente acabadas de la pintura flamenca y holandesa desde los siglos XV al XVII. Pintores como Van Eyck o Vermeer han ejercido gran influencia sobre todos ellos, con su observación detallada de la realidad y y en los pintores americanos de los años 1930.

Principales artistas. 1ª generación norteamericana (sigue leyendo en Algargos, Arte. Hiperrealismo)

http://s1232.photobucket.com/user/algargos/embed/slideshow/Hiperrrealismo%201967-2012

10. Francis Bacon. Expresionismo Figurativo

El papa Inocencio X según Francis Bacon

Todos los Colores coincidirán en la oscuridad. Francis Bacon.

Francis Bacon. Pintor

Autorretrato. Francis Bacon. 1979

Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909-Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor británico, nacido en Irlanda, de estilo figurativo, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional. Tuvo una infancia difícil, debilitado por continuos ataques de asma, no se sintió querido y su padre le menospreciaba.  En la adolescencia le pilló vestido con la ropa de su madre, declaró su homosexualidad y le echó de casa.  Es autodidacta. Pinta directamente sobre los lienzos, no realiza bocetos. Viajó por Europa y en París descubrió a Picasso, decidió ser pintor. El éxito no le llega hasta la década de los 40 con «Tres estudios sobre la Crucifixión»

Tres estudios para una crucifixión. Bacon. 1962

No le gustó el encasillamiento. Recurrió al Informalismo, al Expresionismo y al Surrealismo. Sus cuadros son racionalistas. Se trata de una pintura expresionista muy dificil de encasillar, no perteneció a ninguna escuela. Él decía que seguía una corriente pospicassiana, siguiendo la vía abierta sobre la figuración y el cuerpo humano. Bacon, entre la  figuración y la abstracción  plasma en su pintura la terrible angustia que el hombre vive al acabar la 2ª Guerra Mundial.

• Temática. Siempre versará sobre el hombre, despojado y encerrado, ya sea en arquitecturas lineales que recrean espacios o en grandes fondos casi planos.
  • Bacon expresa el drama del hombre liberándolo de toda anécdota accesoria, pintándole sin sutilezas que lo atenúen y sometiéndole a deformaciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del arte. Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos, los cuerpos aparecen mutilados o atrofiados. Representa a seres en movimiento, preferentemente hombres,  encerrados en espacios angustiosos y en habitaciones oscuras con fuerte carga emocional. Deformados. Gritando.
  • La vida, la sexualidad, la carne putrefacta (como símbolo del ciclo de la vida), el sufrimiento, la muerte (sobre todo a partir del suicidio de su pareja en 1972), son constantes, obsesivas. Las escenas son opresivas, viciosas y a la vez dolorosamente verdaderas.
  • El chillido de un mono, un cuerpo retorcido en el cuarto de baño, un terrorífico hombre encorbatado que sonríe en una penumbra azul… Las feroces imágenes de Bacon contrastan con su aspecto de dandy.
• El lenguaje estilístico, inicialmente se inicia bajo la influencia del surrealismo, aunque observará distintas tendencias a lo largo de su vida. No formará grupo con nadie y el mismo se definía como «huérfano en el arte». Sin abandonar la exploración de aspectos irracionales, su expresionismo agresivo golpea en nuestra mente para hablarnos de aspectos escondidos de nosotros mismos. Rostros y cuerpos transformados por tensiones insuperables se agitan en una habitación vacía donde cuelga una bombilla, o, agazapados, indolentes, permanecen tumbados cual carne amorfa. La anatomía, voluble y elástica, toma actitudes confusas y de un torso desnudo brota la sangre. Miembros descuartizados, carnes corrompidas, bocas dislocadas y cuerpos convulsos; seres deformes y atormentados que reflejan su pesimista visión de lo que intuye como implacable futuro que espera al hombre.
• El formato. Aunque tiene obra en todo tipo de formato, tamaño y materiales, sus grandes obras las prefiere en óleo sobre lienzo y, si es posible, enfrentar a sus figuras en tríos o trípticos. Los grandes trípticos ya había aparecido desde 1944, pero desde los años 60 ganan protagonismo. El tríptico es el formato ideal para conseguir movimiento, pues obliga al espectador a rebotar la vista en cada imagen. Utiliza, además, el tríptico para romper con una composición coherente o unitaria y para que lo primero nos llegue sean imágenes desde distintos puntos de vista que golpeen nuestro subconsciente antes de que podamos racionalizar y entender lo que vemos.
• El color. Bacon, desde los años 60, se convierte en un maestro del color y experimenta con todas las tonalidades que puede conseguir un artista. No se queda con ningún color en exclusiva: rojos, naranjas, amarillos, verdes, azules, violetas… Los fondos uniformes de un colorido fuerte y unitario sirven para proyectar sus figuras.
• Utiliza la fotografía como medio. Coge de los periódicos fotografías de catástrofes y para modelos de sus retratos le es suficiente con instantáneas de un fotomatón. Las secuencias fotográficas de Edward Muybridge también le influyen en su deseo de captar movimiento. Los clichés que utiliza se desparraman desordenadamente por el suelo del estudio, se manchan con pinturas, y él interpreta estos casuales restos patéticos y los plasma tal cual en sus cuadros. El parecido con objetos o personas no le preocupa. También le influye el cine como el Acorazado Potenkin
• La técnica. Contaba lo siguiente Bacon en una entrevista a Marguerite Duras en 1971 a cerca de su técnica pictórica: “No dibujo. Empiezo haciendo todo tipo de manchas. Espero lo que llamo “el accidente”: la mancha desde la cual saldrá el cuadro. La mancha es el accidente. No hace bocetos, se basa en una aparente improvisación.
• Estructuras y composiciones. En los cuadros Bacon contrapone estructuras opuestas; a lo riguroso contrapone lo deforme. Sus visiones se sitúan en un espacio geométrico y abstracto mediante el que consigue una sensación de dinamismo. El movimiento fluye por entre los planos extrañamente superpuestos, y elipses cuboides, círculos o flechas acentúan un detalle preciso. Los fondos compactos dan coherencia a un conjunto que se convierte en algo unitario. Un color intenso y puro desgarra el lienzo. Sus figuras habitan en unas «jaulas» abstractas en las que palpita un cuerpo abandonado a su propio destino. Son habitaciones impersonales en las que el hombre, desolado, vive una soledad intolerable.
• Influencias. Bacon admiró a pintores contemporáneos como Picasso, Cezanne, Van Gogh o Soutin, pero también a los grandes maestros como Velázquez, Goya, Rembrandt o Ingres y tenía muy presente la mitología griega. En su estudio se hacía rodear de láminas y fotografías de la historia del arte que más le impresionaban. Por esta actitud hacia la pintura del pasado y el mundo clásico, era un pintor contracorriente en la posguerra, donde la abstracción dominaba el panorama artístico. La forma más profunda en que podía plasmar su admiración hacia ellos era tomar alguna de las obras emblemáticas de estos pintores y reinterpretarlas.
  • Bacon admiraba profundamente los retratos de Diego Velázquez. Le obsesionaba especialmente el Retrato del Papa Inocencio X al que regresará una y otra vez versionándolo (hasta 53 retratos) durante las décadas de los años 50 y 60. Le atraían tanto los aspectos técnicos del color lujoso y el virtuosismo en el tratamiento de la tela y la carne, como la maestría de Velázquez para capturar la personalidad del retratado. Bacon orientó la obra siempre a hacer salir del Papa otras sensaciones que veía palpitar en el cuadro como la agonía, la amenaza y el aislamiento. No se trata de una relación puramente formal sino de un proyecto de descomposición que actúa como si fuese una radiografía del cuadro original.
  • De Rembrandt, otro gran retratista, toma el uso audaz de la luz y de las sombras (claroscuro) sobre fondos vacíos. Debe también al maestro holandés su serialización de autorretratos de sí mismo y de sus seres cercanos.
  • En Bacon hay algo de la violencia y de la angustia que reflejan las figuras de Goya: de los “desastres”, de los cuadros de la Guerra de la Independencia, de las “pinturas negras” y de los retratos.

CONCLUSIÓN

Francis Bacon (Dublín, 1909- Madrid, 1992) es un claro ejemplo de pintor de la segunda mitad del siglo XX atípico, autodidacta y tardío, pero con un lenguaje inimitable, lo que quiere decir que cuando contemplamos uno de sus lienzos inmediatamente comprendemos que sólo puede ser suyo. Es un artista de su tiempo y, por tanto, influido por los hechos históricos y artísticos en los que le tocó vivir, pero a la vez con un lenguaje artístico muy personal que refleja sus angustias y sus sueños. Nos guste o no su «idioma artístico», su estilo, Bacon nos conmueve, es decir, inquieta nuestro espíritu, no nos deja indiferente.

El taller de Bacon

“Solo puedo pintar aquí, en mi estudio. He tenido otros muchos, pero llevo aquí casi treinta años y resulta ideal para mí. No puedo trabajar en sitios que estén demasiado ordenados. Me resulta más fácil pintar en un sitio como este, que está hecho un desastre. No sé por qué, pero me ayuda” –Francis Bacon

OBRAS

Tríptico. Tres estudios para la base de una crucifixión. 1944. 1ª obra madura de Bacon

Las figuras en la base de 
la crucifixión de 
Grünewald ‘s 
Retablo de Isenheim eran una influencia en la de Bacon 
Tres estudios

George Dyer ante un espejo. Francis Bacon. 1968

Estudios del papa Inocencio X de Velázquez. Bacon

Cabeza rodeada de carne de vaca. 1946. Bacon

La pintura es una muestra de la visión que el pintor tenía de la vida: un accidente, un espasmo de brutalidad y sufrimiento que no puede ser explicada porque no tiene significado. Para algunos representa al Goebbels, ministro de propaganda de Hitler, para otros representa las múltiples personalidades del artista.

Niño paralítico gateando. Bacon

Triptych. 1973. F Bacon

Su pareja, George Dyer, 25 años más joven que Bacon, se suicidó en 1971 con una sobredosis de barbitúricos. Lo encontraron en el cuarto de baño del hotel de París donde la pareja se hospedaba, dos días antes de que Bacon inaugurara una gran exposición en la capital francesa y a la que aún después de la tragedia asistió con estoicismo. El pintor creó dos años después un tríptico dedicado al momento de la muerte de su amante, tres descarnadas pinturas que muestran la escena del cadáver sentado en el retrete.

Sugerencias:

• Francis Bacon: A Brush with Violencia (2017). Vídeo en Youtube de la BBC

Francis bacon from Gilma Betancourt Maradiaga

10. El arte en los Años 60 y 70. 2ª Vanguardias

Expresionismo Abstracto. 1951. Mark Rothko

• Arte abstracto. Concepto. Tendencias
• Expresionismo. Concepto. Origen. Tendencias.
• Pintura y Escultura. 2ª Vanguardias
  • Expresionismo figurativo y expresionismo abstracto.
    • Expresionismo abstracto: Jackson Pollock.
    • Expresionismo figurativo: Francis Bacon.
  • La pintura hiperrealista.Características del Hiperrealismo.
    •  Antonio López.
  • El expresionismo en la escultura española.
    • Escultores vascos: Jorge Oteiza. Eduardo Chillida.

• Música
  • El sonido estéreo. La música Pop. The Beatles. Preguntas semiabiertas
  • El jazz alcanza un público de masas: Chet Baker, Miles Davis. Preguntas semiabiertas
  • La internacionalización del flamenco. Paco de Lucía y Camarón de la Isla. Preguntas semiabiertas
• El baile flamenco: Antonio. Carmen Amaya. La compañía de Antonio Gades. (no)
• Cine
  • El nuevo cine español. El cine de la transición.
    • Pilar Miró y Luis García Berlanga.
  • El nuevo impulso norteamericano: Francis Ford Coppola.

Madrid, Torres Blancas. Antonio López. Hiperrealismo

Criterios de aprendizaje y porcentaje –20%.

• Comentar las claves del expresionismo figurativo, desde el expresionismo alemán hasta la obra de Francis Bacon y de Lucian Freud.
• Explicar la obra pictórica de Jackson Pollock y de Mark Rothko.
• Identificar las claves de la pintura hiperrealista y/o pop art, comparando las obras de David Hockney y de los españoles Antonio López, entre otros posibles.
• Describir la importancia de la escultura vasca, indica las obras de Jorge Oteiza, Eduardo Chillida y Agustín Ibarrola.
• Analizar las claves de la música Pop. Los Beatles
• Comentar la aceptación mayoritaria del Jazz.
• Describir la evolución del cine español en el periodo de la transición.
• Comentar el resurgimiento del gran cine norteamericano con la obra cinematográfica de Francis Ford Coppola.
• Explicar las claves del éxito internacional del flamenco.

La comedia ácida. Ernst Lubitsch «To be or not to be»

To Be Or Not To Be (1942) de Ernst Lubitsch

 «To be or not to be” Ernst Lubitsch. Ser o no ser (1942) es, junto a El gran dictador (1940, Charles Chaplin), la parodia más divertida e inspirada que ha hecho el cine sobre Hitler y el nazismo.

Tuvo la valentía de abordar los conflictos de su tiempo desde el humor e ironizar sobre alguno de los rasgos más deleznables del ser humano. Todo eso sin perder de vista al público, confiando en su inteligencia y garantizando su disfrute.  Es una comedia sofisticada cuyo objetivo principal es la evasión y la sátira política.  Se desarrolla en un ambiente aristocrático, con un esmerado refinamiento estético, con diálogos brillantes, repleta de situaciones equívocas y todo tipo de confusiones que, a pesar de su cariz ingenuo o amable, destaca la hipocresía latente en la sociedad.

Argumento: En la Polonia ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de actores de teatro de recursos limitados realizan interpretaciones en las que ridiculizan a los nazis. Un espía les comunica una información, que de ser conocida por los nazis, resultaría muy perjudicial para Polonia. En vista de ello, el grupo decide movilizarse para evitar que esa información caiga en manos de los alemanes. En vez de la Gestapo, tendrá que ceder ante las presiones políticas y hacer, en su lugar, la representación del clásico de Shakespeare “Hamlet”.

El comienzo de la película es magistral: nos encontramos en Varsovia, capital de Polonia en Agosto de 1939. Una compañía teatral promociona una obra sobre el nazismo llamada “Gestapo” y uno de sus actores se pasea disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia, sembrando el desconcierto en la población. Lubitsch utiliza la comedia no como un género ligero sino como un arma magistral y afilada contra el apogeo nazi. A través de la caricaturización del opresor, consigue desautorizar sus actos, su ideología. A pesar de las innumerables críticas que recibió por este enfoque, su atrevimiento es indudable y sólo el paso del tiempo le dio el lugar que merecía. En España, por ejemplo, no se estrenó hasta 1971, casi treinta años después de ser filmada.

Vídeos con alguno de los momentos más memorables.

• El cinismo que emana del tratamiento del conflicto bélico contrasta con el humor blanco que empapa las relaciones entre los personajes.
• Lo más curioso de Ser o no ser es donde reside la ironía.
• Su obra se ha caracterizado por un modo irónico especial, el llamado «toque Lubitsch», que usaba no solo para saltarse la censura, sino también para complicar la trama, para divertirse, para hacer ambiguas las situaciones.
• A parte del contexto político, esta película es un homenaje al teatro, a sus actores y a su vital labor de entretenimiento en un mundo que, en demasiadas ocasiones, sólo deja paso al horror.
• Admiración  por Shakespeare –de gran influencia para Lubitsch–, en concreto ‘Hamlet’ y su célebre monólogo existencial, e intemporal.
• Confusión entre realidad y ficción, entre la representación y la autenticidad.
• Interpretación magistral de los actores.

La película, exhibida en su tiempo como propaganda anti-nazi, ataca con perspicacia y sutileza a todo tipo de totalitarismo ideológico y político. Sobrepasando el mero calificativo de producto propagandístico coyuntural y permaneciendo como uno de los mejores ejemplos de comedia (fresca, entretenida, ágil, chispeante, corrosiva, repleta de brillantes diálogos…) que jamás se hayan realizado en la historia del séptimo arte.

Temario y Temporalización. F. Arte II

La Lechera de Burdeos. Goya. 1827. Wikipedia

1ª Evaluación

Matriz de Bloques de contenidos Porcentaje asignado al bloque.

Bloque 1. El Romanticismo. 30%

• Características del Romanticismo y su relación con el arte
• Características de la pintura romántica y principales representantes: Friedrich, Turner, Géricault y Delacroix.
• Goya
• La música romántica – Beethoven.
• La ópera: Verdi y Wagner.
• Indumentaria, mobiliario y decoración: estilos Regency y Napoleón III

Bloque 2. El Romanticismo tardío. 1850-1900. 10 %

• Arquitectura
  • Los historicismos: neogótico y neomudéjar
  • Las exposiciones universales y su influencia en la arquitectura: los nuevos materiales. El Crystal Palace y la torre Eiffel
• Los inicios de la fotografía:
  • Niepce, Louis Daguerre y el comienzo del retrato fotográfico con Nadar.
• El surgimiento de la cinematografía
  • Pioneros europeos: Los hermanos Lumière y Georges Meliès
  • Las primeras aportaciones americanas: Edwin S. Porter, David Wark Griffith y la etapa muda de Charles Chaplin.

Bloque 3. Las Vanguardias. 30%

• Édouard Manet
• Características de la pintura impresionista y principales representantes: Monet, Pisarro, Sisley, Morisot y Mary Cassalt
• Escultura española de finales del XIX y comienzos del XX: Mariano Benlliure
• El posimpresionismo, principales representantes: Paul Cézanne y Vincent van Gogh
• Las claves del Fauvismo: Matisse
• Las claves del arte “Nabis”: Pierre Bonnard
• El cartel publicitario: Henri de Toulouse-Lautrec, Jules Chéret, Alfons Mucha y Leonetto Cappiello
• Las claves del cubismo: Características, periodización y principales representantes
• Pablo Picasso

Bloque 4. El Modernismo-Art Nouveau. 10%

• El modernismo.
• Características y manifestaciones (“Art Nouveau”, “Sezession”, etc.)
• La arquitectura modernista: Víctor Horta y Antonio Gaudí
• El diseño modernista – Mobiliario – Joyería: René Lalique

2ª EVALUACIÓN

Bloque 5. El Surrealismo y otras Vanguardias. 20%

• El dadaísmo: características generales
  • Marcel Duchamp
  • Hans Arp
• El surrealismo: características generales. El psicoanálisis de Sigmund Freud y su relación con las creaciones surrealistas
• Pintura:
  • La pintura metafísica de Giorgio de Chirico y su influencia sobre los artistas surrealistas
  • Joan Miró
  • Salvador Dalí
  • Características del Neoplasticismo – Piet Mondrian
• El cine en la época de las vanguardias
  • Claves del surrealismo cinematográfico: la obra de Luis Buñuel
  • Claves del expresionismo cinematográfico alemán: El gabinete del doctor Caligari
  • Claves del cine soviético: Eisenstein y la narrativa visual de El acorazado Potemkin
• El ballet ruso: Serguéi Diághilev y Nijinsky

Bloque 6. Los Felices Años Veinte. El Art Decó. 10%

• Art Decó
• Características y evolución a partir del Modernismo
• La pintura de Tamara de Lempicka
• El diseño en joyería (Cartier) y moda (Coco Chanel)
• La escultura de los años 20: Pablo Gargallo y Constantin Brancusi

Bloque 7. La Gran Depresión y el Arte de su época. 10%

• Fotografía
  • La fotografía social norteamericana: Dorothea Lange y Walker Evans
  • La fotografía esteticista europea: Cecil Beaton
• Cómic
  • Europa: Hergé
  • Estados Unidos: los superhéroes (“Superman”, “Batman” y “Capitán América”)
• El cine de animación: Walt Disney

Bloque 8. La Segunda Guerra Mundial. 10%

• La escultura de postguerra: Henry Moore y Antoine Pevsner
• Cine
  • El género de “suspense”: Alfred Hitchcock
  • La comedia ácida: Ernst Lubitsch (To be or not to be) y Charles Chaplin (El gran dictador)

3ª EVALUACIÓN

Bloque 9. El Funcionalismo y las Décadas 40-50. 10%

• Arquitectura de la primera mitad del siglo XX
  • Características y tendencias:
  • Racionalismo: Mies van der Rohe (Pabellón alemán), Le Corbusier (Villa Saboya, Unidad de habitación)
  • Organicismo: Frank Lloyd Wright (Casa de la cascada)
  • La “Bauhaus”
• Alta costura: Cristóbal Balenciaga

Bloque 10. Los Años 60-70. 20%

• Pintura
  • Características de los segundos expresionismos
  • Tendencia figurativa: Francis Bacon
  • Corriente abstracta: Jackson Pollock
  • Características del Hiperrealismo – Antonio López
• La escultura de Jorge Oteiza y Eduardo Chillida
• Música de los años 60 y 70
  • Claves de la música pop: los Beatles
  • La popularización del jazz: Miles Davis y Chet Baker
  • La internacionalización del flamenco: Paco de Lucía y Camarón de la Isla
• Cine
  • Cine español durante el periodo de la transición: Pilar Miró y Luis García Berlanga
  • El cine norteamericano: Francis Ford Coppola

Bloque 11. Los Años 80-90. 10%

• Diseño de moda: las aportaciones de Alexander McQueen, Valentino, Chanel (Lagerfeld), Dior (John Galliano), Armani, Versace, Calvin Klein, Tom Ford y Carolina Herrera
• Cine español: la obra de José Luis Garci, Fernando Trueba, Pedro Almodóvar, Alejandro Amenábar y Álex de la Iglesia

Bloque 12. Los Años 2000-2013. 10%

• Arquitectura de finales del siglo XX y comienzos del XXI: Zada Hadid, Frank Gehry, Santiago Calatrava y Norman Foster
• Cine documental y ecologismo: Félix Rodríguez de la Fuente y National Geographic
• La tecnología digital y el arte
• El cine de animación de las productoras “Pixar” y “DreamWorks”

12. Santiago Calatrava. Espectacularidad y polémica.

 

Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia, S. Calatrava. 1989-2005

« Si se entiende la Arquitectura como un arte, merece la pena dedicarle la vida entera »

 

«Siempre he ido en busca de la esencia poética del lenguaje arquitectónico. »

Santiago Calatrava, nació en 1951 en Valencia. Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Valencia, donde también realizó un curso de post-graduado en urbanismo. En Zurich realizó Ingeniería superior y fue profesor de la Universidad. A partir de 1980 comenzó a realizar grandes proyectos en todo el mundo. Ha recibido grandes premios como el Príncipe de Asturias de las Artes  o el Premio Nacional de Arquitectura o Premio europeo de Arquitectura en 2015.Tiene sus estudios en Zurich y New York.

Intercambiador de la Zona Cero , Manhattan, New York, Calatrava

Santiago Calatrava concibe cada proyecto como una obra  de arte viva donde todas las partes que la componen están relacionadas. Da gran importancia a al efecto dinámico, al hormigón y al acero como materiales de construcción. Se inspira en la naturaleza y en los esqueletos humanos. Fusiona arquitectura, ingeniería, escultura  y se inspira en las formas de la naturaleza. El blanco es su color símbolo. Los diseños se caracterizan por un aire futurista y la innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras, entre las que destacan sus puentes, muchos de ellos célebres.

Le influyen el arte Romano, el Gótico, Miguel Ángel, Gaudí, Picasso, el racionalismo y el Organicismo.

Obras:

Una de sus grandes especialidades es la construcción de puentes, que concibe como un fenómeno cultural; los ha construido en Basilea, Mérida, Lérida, Barcelona (Bach de Roda, premio FAD de las Artes Plásticas), Valencia (sobre el Turia) y Sevilla (La Cartuja y el Alamillo, con motivo de la Expo-92).

También proyectó el aeropuerto de Sondica (Vizcaya), la torre de comunicaciones del Anillo Olímpico de Montjuïc (Barcelona), las estaciones ferroviarias de Lyon, Zurich, Berlín, Lisboa y Lieja, así como el «Hemisfèric» (planetario) de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia y el Palacio de Congresos de Tenerife.

Sus últimos proyectos han sido el intercambiador de la Zona Cero de Manhattan,  la Torre de Dubai (la más alta del mundo), Proyecto de transformación de  la península de Greenwichen Londres.

Estación de LisboaEstación de Lyon. Calatrava.

Las formas de su obra se inspiran en formas vegetales y animales, para crear  estructuras con un toque orgánico con la intención de infundirle vida al edificio y convertirlo en algo único.

Puente de Bac de Roda, Barcelona, Santiago Calatrava

Puente Alamillo, Sevilla, Expo`92. Calatrava

Puente regio Emilia, Italia, Calatrava

Puente de Samuel Beckett, Dublín

Puente de la Constitución, Venecia. Calatrava

Puente Zubizuri, Bilbao, Calatrava

Torre de Telecomunicaciones o Torre Montjuic, Barcelona. Calatrava

La Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia

En Valencia encontramos la construcción más conocida y mayor del Autor, La Ciudad de las Artes y de las Ciencias. Complejo de edificaciones con una función cultural, lúdica y científica. Símbolo de la Valencia del sigloXXI

la Ciudad de las Artes está formada por un conjunto de edificaciones colosales y antropomórficas: l’Hemisfèric (1998), el Museo Príncipe Felipe y l’Umbracle (2000), el Palau de las Artes (2005) y l’Àgora (2009).

La Ciudad de las Artes es importante por su  inspiración orgánica (estructuras-esqueleto, pieles-carcasa, naves, espejos de agua,…), su desmesura y su poética repetitiva, su  plasticidad y expresividad.

Destaca  el uso de materiales característicos  del arquitecto como hormigón blanco, acero, trencadís, blanco y azul,…, que definen esa nueva y grandiosa monumentalidad que caracteriza tanto la obra como el depurado vocabulario biomórfico del valenciano, al que tanto rédito icónico ha sacado Valencia.

En el conjunto prima apariencia escenográfica y puramente visual, su papel lúdico, mediático y  lugar para el espectáculo, la publicidad y la promoción, en perjuicio de la solidez temática inicial. Aunque quizá, por ello, ha logrado convertirse en el principal centro de atracción turística de la capital.

La polémica acompaña la obra de Calatrava. El proyecto inicial se transformó, no se construyó la Torre de Comunicaciones,   tiene serias dificultades de climatización, insonorización y control lumínico, carencias medioambientales y en cuanto a la eficiencia energética de un complejo, al que habría que añadir importantes medidas de seguridad (escaleras de evacuación,…).la obra se retrasó y el presupuesto se disparó, pese a la polémica, La Ciudad de las Artes y Las Ciencias es un icono de Valencia como capital mediterránea.

Una vez más, el sobrediseño y el constante desafío dimensional y escultórico convierten sus estructuras-esqueleto llevadas al límite en un fascinante alarde escenográfico, sin el que, quizás, la Ciudad de las Artes ni sería el paradigma y símbolo de la Valencia de los grandes eventos: America’s Cup, Formula 1, Open de Tenis,…, ni gozaría de esa mágica capacidad para sorprender y emocionar.

 

Turning Torso

Turning Torso, Malmo, Suecia, Calatrava

 El arquitecto incluso se basa en la forma del cuerpo humano para proyectar sus obras como es el caso del famoso rascacielos sueco conocido como “Turning torso”, un edificio que imita la forma de un torso humano que se gira sobre si mismo.

Torre de 190 metros de altura y 54 plantas situadas en Malmö (Suecia). Es el edificio residencial más alto de Suecia y premiado en 2005 como el mejor edificio residencial del mundo.

El edificio se encuentra en una zona industrial obsoleta que está siendo transformada a una zona residencial, de ocio y negocios junto al Mar Báltico.

 

Auditorio de Tenerife, Calatrava

 

Polémica

En los últimos años Calatrava y sus proyectos están salpicados de polémica por:

• • Elevados presupuestos que se disparan durante la construcción
  • Retrasos en la finalización de las obras.
  • La prioridad a la estética les hace a veces poco  funcionales.
  • Altos costes de mantenimiento.
  • Fallos incomprensibles (desprendimientos, grietas, goteras, materiales poco apropiados para la finalidad del edificio, etc.).
  • Problemas de climatización, insonorización y control lumínico.
  • Carencias medioambientales y escasa eficiencia energética.
  • Destacan los casos del  aeropuerto de Bilbao, cuya sala de espera está a la intemperie en una zona con tal cantidad de lluvias, en la misma ciudad el suelo del puente Zubizuri  ha tenido que ser  cubierto de moqueta ya que las pequeñas baldosas de cristal se habían convertido en una trampa mortal. En Oviedo  ha tenido lugar, en el  Palacio de Congresos un derrumbe de un alero que formaba parte del edificio, que provoco tres heridos. La justicia condenó al arquitecto a pagar una multa debido a  la caída de la estructura como consecuencia de un error de cálculo. Los últimos problemas han surgido en la estación de la Zona Cero de Manhattan por el retraso, encarecimiento y goteras.

Pese a estos problemas, Calatrava está considerado uno de los arquitectos contemporáneos más importantes.

El óculo, intercambiador o paloma de la Zona Cero de New York

• Las obras más representativas de Calatrava. Nationalgeografic
• Calatrava a través de los ojos de Joe Filipe
• Santiago Calatrava. Slideshare

Bloque 11. Los años 80-90

almagra32.blogspot.com.es
Vestuario de cine – Almodóvar

Bloque 11. Los años 80-90. 10%. Ve a la barra horizontal del blog, en el apartado temas, bajas hasta el 11, allí se despliegan todas las entradas de cine y moda del tema.

• Diseño de moda: las aportaciones de
  • Alexander McQueen,
  • Valentino,
  • Chanel (Lagerfeld),
  • Dior (John Galliano),
  • Armani,
  • Versace,
  • Calvin Klein,
  • Tom Ford y
  • Carolina Herrera
• La internacionalización del Cine español. La obra de
  • José Luis Garci,
  • Fernando Trueba,
  • Pedro Almodóvar,
  • Alejandro Amenábar y
  • Álex de la Iglesia

Presentación de Salvador Guzman Moral. Profesor de 2ª Enseñanza y Conservador Restaurador en Consejería de Educación Junta de Andalucía

Arte Abstracto

Blue Orange Red. Rothko. Expresionismo abstracto

ORIGEN Y DEFINICIÓN.

El arte abstracto es una gran tendencia artística que han practicado muchos artistas desde la Primera Guerra Mundial a nuestros días. No podemos llamarle ni estilo ni movimiento puesto que en este concepto se encierran muchos presupuestos pictóricos. Es el último paso hacia la «desestructuración» de las formas ya iniciado por artistas del siglo XIX, como Turner o Monet, y por otros, como Picasso o Miró, en el siglo XX. Sin embargo, ninguno de ellos, aunque estuvieron cerca, llegaron a la destrucción total de la figuración. En realidad, casi todos los pintores del siglo XX son de alguna manera abstractos, porque han tenido la tentación de separarse de la realidad y de jugar o expresarse libremente.

HASTA LA II GUERRA MUNDIAL

• • Abstracción Lírica. VASILY KANDINSKY (1866-1944)

• • Abstracción Geométrica. PAUL KLEE (1879-1940)

• • Suprematismo. KASIMIR MALÉVIC (1878-1935)

• Neoplasticismo. PIET MONDRIAN (1872-1944) y BEN NICHOLSON (1894-1982)

DESDE LA II GUERRA MUNDIAL

• • Neoexpresionismo Abstracto o Action Painting. JACKSON POLLOCK (1912-1956), MARK ROTHKO. (1903-1970), W. DE KOONING (1904-1997)

• • Op-Art o Arte Cinético. Víctor VASASARELY (1908-) Eusebio SEMPERE (1923-1985)

• Informalismo Español Y Pintura Matérica. ANTONIO TAPIES (1923-) MANOLO MILLARES (1926-), CANOGAR

Tierra y paja Tapies.1981.

Tras la Segunda Guerra Mundial se produce en el mundo artístico occidental un auge de la abstracción. Algo que en la ciudad de Nueva York en concreto desembocará en la creación de un nuevo lenguaje o estilo artístico: el expresionismo abstracto. Pero antes de explicar qué es debemos entender sus orígenes:

• • El expresionismo abstracto tiene sus raíces en el surrealismo europeo, una vanguardia que desplazaría al dadaísmo en París a principios de los años 20. El surrealismo se basa en la exaltación del subconsciente, de la individualidad y trata de expresar, según escribe André Breton en el “Primer Manifiesto Surrealista”, el verdadero funcionamiento del pensamiento. Cuando comienza la guerra, muchos de los artistas de esta corriente (como Max Ernst o Salvador Dalí) se ven obligados al exilio y acaban viviendo en la ciudad de Nueva York, donde muchos artistas locales se interesan por su obra.

(Yellow, Red and Blue), c.1953. Mark Rothko.

• • Otro antecedente, en este caso autóctono, del expresionismo abstracto es la pintura americana de los años 20 y 30, basada en el realismo de las imágenes, sobre todo paisajes urbanos. Este realismo americano buscaba, además, establecer una identidad nacional propia sin basarse o verse influida por estilos europeos. Destaca la “Ashcan School” y el Regionalismo como escuelas de este estilo pictórico.

• Pero no podemos olvidar la influencia de otro tipo de pintura: la pintura mural que desarrollarán artistas mexicanos como Diego Rivera. Se trata de un arte popular plasmado en los muros de instituciones públicas con imágenes históricas. Se trata en muchos casos de una crítica social, con implicaciones morales, plasmada en obras de grandes formatos.

¿Por qué en Nueva York? Debido a la guerra y al ascenso de los totalitarismos en algunos países europeos, el centro artístico se desplaza ahora de París a Nueva York, donde, como hemos dicho anteriormente, se exilian muchos de los artistas de vanguardia. Allí, estos artistas forman grupos junto con artistas americanos, además de escritores, para el intercambio de ideas. Es una ciudad donde se vuelven a sentir con libertad para crear y donde reciben un gran apoyo, en muchos casos institucional. Este será el origen del expresionismo abstracto.
Concepto. ¿Sabías qué es el expresionismo abstracto? Se trata de un intenso movimiento artístico de los años cuarenta del siglo XX que agrupa artistas de personalidades muy distintas y que defiende la libertad individual y el carácter expresivo del arte, ahora que éstos, debido a la guerra, se sienten desengañados por el mundo que les rodea. Lo importante para ellos será la materialidad del cuadro como superficie y la individualidad del artista. Es una pintura no figurativa que intenta expresar la experiencia dramática e interior que vive el propio artista, que forma parte de su personalidad. Así se deja llevar por su mundo interior en un proceso no meditado ni planeado.
En su primera etapa, esta corriente se vuelve a los mitos primitivos que contienen las verdades universales. A mediados de los años 40 se llega a una abstracción total y se produce un aumento en la escala de las obras, algo que se convertirá en sus señas de identidad.
Pero el expresionismo abstracto no es homogéneo, sino que podemos distinguir dos clases de pinturas dentro de él: la primera será gestual, cuyo máximo representante es Jackson Pollock o Kooning; la segunda será más calmada, se centrará en el color y un claro ejemplo de ella serán las obras de Mark Rothko.

                Hombre rojo con bigote. Kooning. 1971

Kooning

Repasa la pintura de la segunda mitad del siglo XX con la siguiente presentación.

Páginas de interés

• Rothko. La pintura mística. Expresionismo abstracto
• Willem de Kooning. Rotterdam, 1904-Nueva York, 1997. De Kooning, talento y desastre. Expresionismo abstracto.

El cartel publicitario: Toulouse-Lautrec, Chéret, Mucha y Cappeillo

Jules Chéret, el creador del cartel moderno

El cartel es un anuncio publicitario donde se fusiona pintura y mensaje escrito. Los carteles nacieron en el siglo XV con la invención de la imprenta. El nacimiento del cartel moderno en el siglo XIX, se debe principalmente a la suma de dos factores determinantes: La aparición de la figura de Jules Chéret (1836-1933) y las mejoras técnicas en la impresión litográfica. Desde entonces La publicidad y la ilustración se han ido transformando por las nuevas herramientas y formas de expresión.

El cartel publicitario moderno, tal como lo conocemos hoy, aparece como consecuencia de los profundos cambios que introduce la Revolución Industrial ((urbanísticos, económicos y estéticos) y el triunfo de la burguesía. El auge de las ciudades, la vida en la calle, y el rápido crecimiento económico hacen que a mediados del siglo XIX se generaran nuevas necesidades publicitarias y el cartel resultaba el medio más económico y rápido para alcanzar a una gran cantidad de personas.

Alguno de los mejores cartelistas de finales del siglo XIX, considerados los padres de la publicidad moderna y los que convierten en Arte el cartel son:  Henri Toulouse-Lautrec, Jules Chéret,  Alfons Mucha y  Leonetto Cappeillo.