Pablo Gargallo. Padre de la escultura vanguardista

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Acabo de concluir algo que quizá le interese. Es de bastante importancia. Creo haber hallado el camino de mi tranquilidad estética: lo que ya es algo en los tiempos que corren. (carta a Jacques Bernheim hacia 1933). Dijo al concluir su obra cumbre, El Profeta

Nació el 5 de enero de 1881 en Maella, Zaragoza. En 1888, su familia se traslada a Barcelona, donde inicia su formación artística en el taller del escultor Eusebio Arnau y en la Chimenea de la Fonda de España. Acude a las tertulias del café Els Quatre Gats con Casas y Picasso. En 1903 viaja a París becado por la Escuela de Bellas Artes, allí conoce a Juan Gris, quien le influirá con su estética cubista.

En 1913 conoció en París a Magalí. Se casarón. Durante la 1ª Guerra Mundial regresa a Barcelona. En 1920 fue nombrado profesor de Escultura de la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña. Al proclamarse al Dictadura de Primo de Rivera en 1923 es destituido al negarse a retractarse de firmar un manifiesto en favor de un profesor relegado por cuestiones políticas. Se traslada ya definitivamente en París con su mujer y su hija, Pierrette.  Pablo Gargallo tuvo una salud frágil, falleció durante un viaje a Reus el 28 de diciembre de 1934, a la edad de 53 años. En el año 1985 se inaugura en Zaragoza, por iniciativa de su hija y del propio ayuntamiento, el Museo Pablo Gargallo.

Es no de los padres de la vanguardia española. En su estancia en París descubre el Cubismo y evoluciona desde la figuración hacia la abstracción y el expresionismo. Forma parte de la Edad de Plata de la cultura española.

Innova con el hierro. Trabaja con planchas metálicas que moldea y da forma. Sus obras son ligeras, va vaciando la masa para  esculpir el vacío, los contrastes de luz,…

No abandona la escultura “más tradicional”, las figuras de bulto redondo, pero innova con el material. Utiliza metal recortado, trabajado a martillo.  Su obra se puede definir como la combinación armónica del espacio y del volumen. Su relación con el modernismo se establece a través de los encargos del arquitecto modernista Domènech i Montaner para el Hospital de San Pau i Santa Creu de Barcelona.

Entre sus obras destacan: El Profeta (1933), a la que Gargallo definió como su “tranquilidad estética”, Kiki de Montparnasse, El Arlequín, La Bañista, David, Mujer del Espejo, Academia y los retratos de Greta Garbo, Antinoo, etc.

Acceso al Museo Pablo Gargallo de Zaragoza (enlace)

El Profeta. Una de sus obras más emblemáticas. Muy recomendable escuchar y mirar atentamente el vídeo inicial

Copia la ficha técnica  y análisis en el siguiente enlace

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EL Profeta. Pablo Gargallo. Planchas de bronce
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Greta Garbo con pestañas. Pablo Gargallo

Cuando Gargallo realiza la primera máscara metálica, en 1907, y sobre todo al desarrollar su primera época del cobre, utiliza finas chapas de cobre o hierro, de las que recorta las distintas piezas que han de componer la escultura. Una vez repujados, modelados, torsionados los elementos del conjunto, la unión de todos ellos se resuelve mediante ligeros remaches e ingeniosos ribeteados y engarzados.

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Bailarina. P Gargallo
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Kiki de Montpamasse. Gargallo. 1928

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Puedes ver más obras en el blog forma es vacío, vacío es forma (enlace)

 

 

 

 

 

 

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Isabel Coixet. Cineasta

 

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Isabel Coixet

Trabajo realizado por Marina Sánchez Font, alumna de 2º Bachillerato de Artes del IES San Jerónimo, Sevilla. Forma parte del proyecto #mujeresartistas de la asignatura de Fundamentos del Arte II.

Isabel Coixet es una directora de cine polifacética, guionista, traductora y escritora española (nacida el 9 de abril de 1960 en Barcelona). Interesada desde muy joven por la fotografía y tras licenciarse en Historia por la Universidad de Barcelona, se dedicó a la publicidad y la redacción de anuncios: para Ford, Peugeot, Kellogg´s, British Telecom,CEPSA, Estrella Damm, el último ha sido Amodio, para la campaña de Navidad de Campofrío 2017. Enlace a anuncio

Ha ganado numerosos premios por sus anuncios, fundó su propia productora en 2000, Miss Wasabi Films. En 1988, Coixet realizó su debut como guionista y directora con Demasiado viejo para morir joven, película que le supuso una candidatura a los Premios Goya, en la categoría de Mejor Director Novel.

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Resultado de imagen de peliculas de coixet Things I Never Told YouEn 1996 dirigió su primera película en inglés, Things I Never Told You, Cosas que nunca te dije, y en la que Ann, una dependienta de una tienda de fotografía, se ha trasladado a una ciudad que le es ajena para estar cerca de Bob. Pero un día él la llama para cortar su relación con ella y Ann intenta suicidarse. Al salir del hospital la enfermera le recomienda que llame al “teléfono de la esperanza”, donde trabaja como voluntario Don, un vendedor de casas que la ayuda por teléfono…

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El éxito internacional le llegó en 2003 de la mano del drama intimista My Life Without Me,  Traducida a castellano como Mi vida sin mi basada en el relato corto “Pretending the bed is a raft” ( 1997), de la escritora estadounidense Nanci Kincaid. La historia trata de una joven que descubre que tiene un cáncer terminal y comienza a sentir un inusual placer de vivir, guiada por un impulso vital: elaborar una lista de cosas que quiere hacer antes de morir.

 

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Más tarde, The Secret Life of Words (La vida secreta de las palabras) en 2005, protagonizada por Sarah Polley, Tim Robbins y Javier Cámara fue premiada con cuatro Goyas: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Producción y al Mejor Guion.

 

Filmografía (acceso a los trailers)

  • Mapa de los sonidos de Tokyo (2009). Por que no me amaste como yo te ame a ti.
  • Cosas que nunca te dije (1995) “No nos damos cuenta cuando somos felices y eso también es injusto , uno debería vivir la felicidad y poder guardarla para cuando falte”.
  • Aprendiendo a conducir. 2014
  • La vida secreta de las palabras. 2005
  • Elegy, 2008
  • Invisibles, 2007
  • Paris, je t aime ( 2006)
  • Participó en el Festival de San Sebastián estrenando la primera parte de la última película de Cinergía, Proyecto Tiempo
  • La librería 2017. Es la última película en cartelera. De corte clásico y delicado, muy al estilo inglés, la película lanza un poderosísimo mensaje sobre el poder de los libros y el miedo y la mezquindad que provoca la ignorancia.Propuesta para 12 premios Goya. Para algunos la mejor película desde la vida secreta de las palabras. (enlace)

 

Y de este modo lleva tras de sí nada menos que cinco premios Goya, además se le concedió la Cruz de Sant Jordi en el 2006 y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2009.  Recibió el premio Mujer Europea 2006, que concede la Unión de Mujeres, con el patrocinio del Parlamento Europeo y del Instituto de la Mujer.

Isabel Coixet mira el cine como una ventana hacia otro mundo, hacia otra realidad. Su gusto y su interés cinematográfico se formaron siendo niña y como es lógico se vio influenciada por las películas que la marcaron especialmente. “Mis padres me llevaban al cine y yo, a veces, veía cosas que no entendía, pero que me impresionaban”, evoca con nostalgia. “Recuerdo ver Isadora, de Karel Reisz, que me impresionó muchísimo. Fue la primera vez en la que fui consciente de lo que era un flashback. La película empieza con Isadora de niña quemando el certificado de boda de sus padres y yo creo que no me he casado porque vi eso y pensé que casarse era horroroso. Películas como esa y otras como Blow Up, me hicieron ver que hay un mundo más allá del tuyo y que el cine me lo enseña a través de una rendija”.

Gracias a la publicidad, ha tenido la oportunidad de viajar por todo el mundo y con grandes equipos. En el primer rodaje de publicidad en el que estuvo, con 18 años, el director de fotografía era John Alcott, el director fotográfico de 2001, una odisea del espacio. “Siempre he intentado aprender de todo eso”, explica.

Una de las cosas que más le gustan a Isabel Coixet del cine español es su disparidad. De la actualidad destaca los trabajos de jóvenes y prometedoras directoras como Carla Simón, la realizadora de Verano 1993; Leticia Dolera, la autora de Requisitos para ser una persona normal, o Liliana Torres, que estrenó en 2013 Family Tour, un film a caballo entre la Ciencia Ficción y el documental.

Características

  • Entre sus temas más recurrentes podemos encontrar una preocupación por la comunicación convencional entre las personas y que habitualmente no surte el efecto que esperamos. “Me obsesionan esas situaciones en las que los mensajes no llegan a su receptor”, reconoce.
  • Otra de sus señas de identidad es su marcado compromiso social, tanto con temáticas medioambientales (como en ‘La vida secreta de las palabras’) como con temáticas sociales (Documental del Juez Garzón).
  • El amor y la soledad también son constantes en su cine, de una forma muy profunda y espiritual, sin tópicos ni estereotipos. Aunque si hay un lugar común reconocible en varias de sus producciones, esa es la lavandería.
  • Se considera a sí misma una narradora, “Lo haré como y donde pueda”, afirma.
  • Cine psicológico. Su capacidad para entrar en la psique de sus personajes y transmitir su alma a través de la pantalla le ha valido el reconocimiento de la crítica y una carrera de ya más de 20 años.
  • Pese a la temática variada, destacan los sentimientos, la delicadeza, los problemas y cómo nos enfrentamos a ellos: la muerte, la soledad, los abusos,
  • Narra con gran detallismo, meticulosidad y rigor.
  • Es tremendamente versátil y posee una sensibilidad digna de admirar. Hace suya cada una de las películas que realiza y nos la regala. Nos enseña a descubrir y a disfrutar el cine.
  • Es una apasionada de la cultura japonesa como lo demuestra en la película “Por que no me amaste como yo te ame a ti”.
  • Realiza una simbiosis entre el cine inglés y español.
  • Destaca la belleza en la ejecución estética.

Eva Mena. Muralista

 

Mural en Sevilla
Eva Mena. Muralista. San Jerónimo, Sevilla

Eva Mena, artista urbana, especializada en murales que transforma los espacios arquitectónicos, ha realizado obras por múltiples países.

Una de sus últimas obras es  el mural Ni una menos de San Jerónimo Sevilla dentro de la campaña contra la violencia de género. En su blog explica el proceso de elaboración que siguió.   Enlace

Para conocer la obra de la artista, visita el Blog EvaMena

Festival de Arte Urbano Los Alcazares
Festival de Arte Urbano de Los Alcázares

Otros enlaces

 

Las mujeres olvidadas en los libros de Hª del Arte

 

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La sorpresa del trigo. 1936. Maruja Mallo. Surrealista

El profesor Pablo Jerez, en el Blog Arte En Parte publica una  interesante entrada dedicada a las mujeres olvidadas en los libros de Hª del Arte, a raíz de la exposición que realizó el Museo del Prado sobre Clara Peeters.

El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer. La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico. Para muestra, un botón: en la pinacoteca nacional hay obra de más de 5.000 hombres y tan solo de 53 mujeres. De las cerca de 8.000 pinturas catalogadas (expuestas y en los almacenes), solo cuatro de artistas mujeres se exhiben. Sigue leyendo.

 

Listado

 

 

Gera Taro. Pionera del fotoperiodismo. Los peligros de firmar con el pseudónimo masculino de Robert Capa.

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El don de Gerda fue entender que a veces hay que crear un personaje ficticio para que llegue a los lugares que nosotros no alcanzamos (sigue leyendo)

Hace 80 años que la ideóloga del fenómeno Robert Capa y primera mujer fotoperiodista de guerra murió cubriendo la Batalla de Brunete.

Gerda Taro, seudónimo de Gerta Pohorylle (Stuttgart, Alemania, 1 de agosto de 1910 – El Escorial, España, 26 de julio de 1937), fue una pionera periodista gráfica de guerra y pareja sentimental del fotógrafo Endre Ernö Friedmann. Juntos fotografiaban con el pseudónimo Robert Capa, siendo difícil saber qué fotos son de cada uno. Es considerada la primera fotoperiodista mujer que cubrió un frente de guerra y la primera en fallecer al llevarlo a cabo.

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Una mujer republicana empuñando el arma. Fotografía de Gerda Caro.

Lee el artículo “Gerda Taro, Robert Capa y los peligros de firmar con un seudónimo masculino” de El Diario. es

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Gerda Taro y Robert Capa
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La que podría ser la última imagen de Gerda Taro (John Kiszely)

Memoria Histórica. La historia detrás de la última foto de Gerda Taro en su lecho de muerte. Público.es

Fotos de Gerda Taro

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Resultado de imagen de gerda taro fotos de la guerra civil

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Familia en un refugio de Teruel. 1937. Maleta Mexicana

El Tesoro de la Maleta mexicana (enlace)

La valija mexicana o La maleta mexicana es un conjunto de tres pequeñas cajas de cartón en las que permanecieron guardados y desaparecidos, durante siete décadas, los negativos de entre 3000 y 4000 fotografías que Robert Capa, Gerda Taro y David Seymour (Chim) tomaron, fundamentalmente, durante la Guerra Civil Española, un período que abarca de julio de 1936 a la primavera de 1939.

 

6. Los Felices Años Veinte. El Art Decó

Criterios

  • El Art Decó: características y evolución a partir del Modernismo.
  • La influencia de la Escuela de Chicago en la Arquitectura de los Años 20.
  • La pintura de Tamara Lempicka
  • El diseño en joyería, Cartier y en moda, Coco Chanel.
  • La escultura de los años 20: Pablo Gargallo y Constantin Brancusi.

 

Ruth Orkin. Fotógrafa

Trabajo realizado por Jesús Vílchez, alumno de 2º Bachillerato de Artes Escénicas del IES San Jerónimo, Sevilla. Curso 2018.

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Fue una cineasta y fotógrafa estadounidense (nacida en Boston, Massachusetts, el 3 de septiembre de 1921 y fallecida el 16 de enero de 1985) conocida por fotografiar celebridades, la ciudad de Nueva York y a músicos clásicos.

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Creció en Hollywood pues su madre era actriz de cine mudo, desde pequeña persiguió a las celebridades para conseguir sus autógrafos. Descubrirá su pasión inmortalizando con su máquina fotográfica a estos protagonistas. Tuvo su primera cámara a los 10 años.
Sus retratos fotográficos de estrellas del espectáculo son testimonios únicos de personajes que revelan también la persona que hay detrás de la máscara pública, porque Orkin sabía indagar con gran desenvoltura el universo más amplio y emocional.
A los 17 Ruth hizo un largo viaje con su bicicleta desde Los Ángeles hasta Nueva York para ver la Feria Mundial de 1939. Llevando siempre su cámara consigo, tomó fotografías en Washington, Chicago y Boston. En 1943 se mudó a Nueva York y empezó a trabajar para todas las revistas más importantes.
A finales de los años 40, Ruth, llegada desde Hollywood, asiste a una conferencia en la PhotoLeague, el templo de la fotografía social, de Morris Engel (que, en 1936, con 18 años, había aprendió la técnica fotográfica en esta asociación, y que con el tiempo se había convertido en profesor) quedándose prendada al instante.

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Ruth y Morris se casaron en 1952, después de años de relación tanto personal como profesional. Ambos realizaban instantáneas por las calles, recogiendo verdaderas escenas del teatro de la humanidad en el corazón vibrante de Nueva York que ofrecía continuos “espectáculos”.

Orkin dio clases de fotografía en la Escuela de Artes Visuales en la década de 1970, y en el Centro Internacional de Fotografía en 1980. Poco después le diagnosticaron de cáncer, después Orkin murió en su apartamento de Nueva York el 16 de enero de 1985.

Características

Orkin en sus fotografías cuenta una historia fascinante, tanto en los retratos de artistas como en las escenas de calle. Son famosos los retratos de unos jovencísimos Woody Allen, Alfred Hithcock o Albert Einsten donde explora el universo emocional de los personajes. Sus escenas callejeras se desarrollan en la ciudad de Nueva York, ciudad que Orkin ama y que convirtió en un hilo conductor para sus obras. Jugará un papel muy importante en el panorama artístico de la década de los años 50 en la sociedad americana.

 

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Una de las obras más emblemáticas: American Girl in Italy

American Girl in Italy. Ruth Orkin 1951

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