Pintora hispanomejicana, casi desconocida en España, se exilió a México y allí llegó a la madurez creativa. Sus obras están llenas de magia, fantasía, de rasgos autobiográficos, de símbolos, alegorías que llevan a múltiples interpretaciones, tienen un fuerte poder narrativo; se formó en las vanguardias parisinas, recibió influencias de las miniaturas, el mundo clásico, el geometrismo, el psicoanálisis, El Bosco, el Greco, Goya, la cultura mejicana, etc. Donó sus obras al Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Murió muy joven, a los 54 años, en pleno éxito. Destaca el carácter narrativo, su actualidad.
En los años diez del siglo pasado, una niña de ojos almendrados, de gato, y mirada inquisitiva admira con curiosidad un manuscrito miniado en el cual se relata la historia de la familia. Le fascina la época medieval, dicen, las visiones de Hildegarda de Bingen –la artista y erudita del siglo XI–, los dibujos de la pintora Ende del Beato de la catedral de Girona… Allí, en Anglés, nace Remedios Varo por casualidad el 16 de diciembre de 1908 –su padre, ingeniero, está destinado en Cataluña–. Sigue leyendoRemedios Varo, la moderna visionaria (reportaje en El País).
Sofonisba Anguissola tuvo enorme éxito durante el Renacimiento, hecho extraño al ser mujer. La fama reside en su calidad, en la completísima educación que su padre les dio a ella y a sus hermanas y en el auge cultural de la ciudad de Cremona. Admirada por Miguel Ángel, S. Coello, Tintoreto y Van Dyck. Trabajó en la corte española de Felipe II. Tras su muerte, no sólo fue ignorada sino que muchas de sus obras fueron adjudicadas a otros pintores como Coello o el Greco. Después de cuatro siglos, Sofonisba Anguissola ha recuperado su sitio en la Hª del Arte. Durante mucho tiempo ha sido la única pintora del Museo del Prado. Tuvo otra hermana pintora, Lucía Anguisola, de la que solo hay dos obras firmadas.
Datos biográficos (destaca su longevidad y altura)
Nació en el seno de una familia noble en 1530, Cremona y murió en 1626 en Palermo, Italia. Junto a sus hermanas recibió una educación en las artes plásticas (dibujo, pintura, etc.). Se formó en el taller de Gatti donde la descubre Giorgio Vasari -pintor, arquitecto, escritor italiano conocido como el primer historiador de Arte-. Se da cuenta de la calidad de la pintora y dice de ella:
Anguissola ha mostrado su mayor aplicación y mejor gracia que cualquier otra mujer de nuestro tiempo en sus empeños por dibujar; por eso ha triunfado no sólo dibujando, coloreando y pintando de la naturaleza, y copiando excelentemente de otros, sino por ella misma que ha creado excelentes y muy bellas pinturas.
Sofonisba se especializa en retratos:
Los protagonistas posan de manera informal, realizando tareas domésticas, leyendo, tocando algún instrumento (por el tipo de objetos que aparecen podemos saber el rango social de los retratados).
Destaca el estudio psicológico de sus modelos, deja constancia de su personalidad.
Una de sus señas de identidad es el juego de miradas de sus personajes (nunca se cruzan) como vemos en la Partida de ajedrez.
Los autorretratos son numerosos y a través de ellos podemos estudiar el paso del tiempo.
Utiliza tonos y contornos suaves.
Los objetos que pinta se caracterizan por el detallismo y veracidad.
Estuvo dos años bajo la protección de Miguel Ángel.
Por ser mujer no pudo realizar estudios de anatomía ni pintar en el experior. Todos son pinturas de estudio
A los 27 años, de la mano del Duque de Alba, llega a la corte española de Felipe II (1559 a 1573) como maestra de pintura y dama de compañía de la nueva reina, Isabel de Valois. A la muerte de la reina se encargó de la educación de las infantas: Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela. El monarca admiraba la obra de la pintora, le encargó varios trabajos, convirtiéndose por entonces en profesora de pintura y retratista de la corte. De esta época son los retratos de Felipe II (durante mucho tiempo atribuido a Sánchez Coello), Las infantas Isabel Clara y Catalina.
Felipe II. Sofonisba Anguissola. Museo del PradoLas infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina. Sofonisba Anguissola
Isabel de Valois, 3ª esposa de Felipe II. Sofonisba Anguisola
Tras abandonar la corte española, casó y enviudó en varias ocasiones estableciendo su residencia en Sicilia, Génova y finalmente en Palermo.
Es allí donde tenemos las últimas noticias de ella, el pintor Antonio Van Dyck pudo verla a la edad de 93 años y según nos cuenta seguía siendo una mujer activa.
Los investigadores e historiadores del Arte consideran que algunas obras atribuidas a otros artistas tienen muchas posibilidades de pertenecer a Sofonisba Anguissola
Partida de ajedrez- Sofonisba Anguissola. Una de sus primeras obras
El Museo de Arte Moderno de Nueva York, (MOMA) realiza una retrospectiva de la brasileña Tarsila do Amaral (1886- 1973). Acceso a la exposición del MOMA
Abaporu. Tarsila do Amaral. Símbolo del Movimiento Antropofágico
Tasilado Amaral 1886 -1973, nace en São Paulo, Brasil, pertenece a una familia adinerada. Desde muy joven siente interés por el mundo del arte, estudia en Barcelona y París, donde la artista vivió en los años veinte y estudió en la famosa escuela internacional Académie Julian. En Europa entra en contacto con las vanguardias. Hecho que le influirá para crear un estilo donde fusiona las ideas del arte moderno con la estética indígena de su país.
Regresa a Brasil para la Semana de Arte Moderna de 1922. En 1928 forma parte del grupo artístico «Los Cinco» o Movimiento Antropofágico, uno de ellos, Oswald Andrade será su marido, realiza el manifiesto. La obra
Los antropófagos, son capaces de transformar, al digerirse, todo aquello considerado como un modelo copiado de Europa, para así obtener la creación y el resultado de un modelo único y autónomo en el arte brasileño. Existen dos situaciones hostiles entre la cultura primitiva y la heredada de Europa, ambas indispensables en la construcción cultural de Brasil.
Dos viajes marcarán su obra: el de las ciudades históricas de Minas Gerais (Brasil), de este viaje surge el período Pau Brasil de Tarsila y el de Rusia que influirá notablemente en su obra tomando un impulso de carácter social. Ejemplo de esta nueva etapa son Operarios (1933) y Segunda classe (1933)
Se convierte en la mejor representante del Modernismo, Los críticos la consideran una de las pintoras más importantes de su país y por extensión, de toda América Latina.
El pescador. Tarsila do Amaral
La obra de la pintora se caracteriza por
La evolución de su lenguaje visual
La influencia del cubismo (Picasso, Léger), surrealismo y modernismo que aprendió en París.
El reflejo de la cultura y tradición brasileña:
Símbolos del folclore y la mitología popular
Realismo mágico.
La inspiración en las leyendas y cuentos brasileños
la espiritualidad Amazónica
El carnaval.
La exuberancia de la vegetación
Seres fantásticos
El mundo de los sueños
Desde un punto de vista técnico, destaca:
Paleta de colores vivos.
La luminosidad.
Líneas curvas, cerradas.
Perspectivas altas.
La Cuca. Tarsila do Amaral
La Cuca es una de sus obras más famosas que concentra las características propias de la artista: paleta de colores vivos, predominio de líneas curvas, los símbolos al folclore brasileño: la Cuca o bicho que asusta a los niños, seres mitológicos del pueblo, la vegetación exuberante, las continuas referencias al mundo animal, la influencia del cubismo, el toque naif o infantil y el realismo mágico.
Vendedor de Frutas. Tarsila do AmaralPaisaje Antropfágico. Tarsila do Amaral
En A Negra, retrata una mujer negra imaginaria, extraída de las leyendas del país: labios y brazos enormes, mirada estática y grandes pechos A sus espaldas, unas formas abstractas que se convertirían en la norma del arte brasileño a partir de la década de los años cuarenta.
Para conmemorar el Día Internacional de la Mujer proponemos una actividad para toda la Comunidad Educativa del IES San Jerónimo que ayude a reflexionar sobre “la igualdad legal y la igualdad real”, sobre “el techo de cristal”. El resultado final se expondrá en las zonas comunes del Instituto y en las redes sociales.
Consiste en realizar un breve trabajo sobre mujeres actuales que destaquen en todos los ámbitos (Derechos Humanos, Deporte, Política, Matemáticas, Física, Química, Medicina, Judicatura, Tecnología, Biología, Filosofía, Traducción, Literatura, Música, Artes, Historia, Investigación, Pedagogía, Geografía, Cine, empresarias y un largo etc.).
Lo elaborarán el alumnado de Ciudadanía, Valores Éticos, Hª del Mundo Contemporáneo, Religión y Ciclos de FP.
Pautas
De la lista entregada por los departamentos se repartirán de 8 a 10 nombres de mujer por clase.
Del 12 al 23 de febrero, los alumnos organizados por grupos realizarán una breve biografía de las mujeres elegidas con los datos más destacados.
La documentación seleccionada se pasa a ordenador siguiendo el formato y maqueta que está en los siguientes enlaces. Cada biografía llevará el nombre de los alumnos que lo han elaborado y el curso.
Maqueta (enlace). Descarga y trabaja sobre el formato
El 24 de febrero se envía al profesorado una vez revisado
Durante el 6 y 7 de marzo montamos la exposición con el lema…#ysonmujeres #sanjeronimomujeres18.
La exposición se podrá visitar hasta el 23 de febrero, en tutorías, en las asignaturas de Ciudadanía, Valores Éticos, Religión y/o con los profesores que quieran trabajar la transversalidad. Entregaremos una ficha.
LA MISMA ACTIVIDAD EN LAS REDES SOCIALES (Twitter/ Instagram)
Funcionamiento:
Tenéis que mandar un mensaje al Twitter de la profesora @_anacob (para preservar vuestra intimidad, podéis abriros una cuenta para trabajar en el proyecto) para que os identifique.
Tarea (del 9 de febrero al 8 de marzo) todos tenéis que escribir cada semana, como mínimo tres tuits
Sus obras demuestran que fue una gran artista. Muy admirada por los compañeros de la época. Tuvo una vida complicada, fue violada por su maestro y humillada en un juicio por esta causa. Hecho que le marcó su vida y que plasma en su obra. Luchó por buscarse un sitio en un mundo misógino. Merece la pena conocer su obra y reivindicar su sitio en la Historia del Arte.
Artemisia Gentileschi, 1593 – 1654. Pintora italiana del Barroco. Aprende el oficio en el taller de su padre, Orazio Gentileschi. Por ser mujer no puede matricularse en la Escuela de Bellas Artes, su padre le lleva al taller del pintor Agostino Tassi para que le enseñase perspectiva.
Tassi violó a Artemisia, intentó calmarle con promesas de matrimonio que no se cumplieron porque estaba casado. Orazio, padre de Artemisa, le denuncia en el Tribunal Papal. El proceso, que duró siete meses, fue humillante y traumático. Artemisia relató con crudeza los hechos de su violación -testimonio que se conserva en los registros de la época-, fue sometida a exámenes ginecológicos y se le aplicaron instrumentos de tortura en los dedos para comprobar la veracidad de su relato. En el juicio se pudo comprobar también que Tassi intentó asesinar a su esposa, a quien consiguió por violación, cometió incesto con su cuñada y quiso robar unas pinturas de Orazio, y por todo esto fue condenado a un año de prisión y el exilio de los Estados Pontificios. Para restablecer su honra, Artemisia contrajo matrimonio con un modesto pintor, Piero Antonio Stiattesi, un mes después del juicio. Marcha a Florencia, después a Venecia, lugar donde es admirada por su valía, también estuvo en la corte de Londres, volvió a Roma, también a Génova y por último a Nápoles donde estará el resto de su vida.
Posteriormente, en su obra “Judith decapitando a Holofernes” (1612-1613), se dice que la artista reflejó su sufrimiento emocional en el gesto casi placentero y de intensa determinación de Judith al realizar este acto. La obra recoge toda la furia, el enojo y el deseo de venganza.
Judith decapitando a Holofernes. A. Gentileschi. Galería Ufizzi
Técnicamente pertenece a la escuela de Caravaggio, aplica un claroscuro más acentuado y dramático. Unas tonalidades contundentes. Destaca por sus retratos y escenas con heroínas bíblicas. Tenía predilección por las obras de gran tamaño, lo que era poco habitual ya que el mercado compraba a las (pocas) mujeres, obras pequeñas para estancias como cocinas o cuartos de estar de mujeres; otro rasgo curioso es su absoluta devoción por representar a grandes heroínas bíblicas, siempre mujeres, como Susana, Judith, Lucrecia o Esther, y la forma en que lo hacía
Se convierte en pintora de la corte y es la primera mujer en ingresar en la Academia del Diseño de Florencia. Sus obras son de altísima calidad. Así lo reconocieron sus compañeros.
La profesora Patricia Mayayo recoge en su libro “Historias de mujeres, historias del arte” cómo el estilo pictórico de Gentileschi “descolocó” a los historiadores del arte, al no corresponderse con ninguno de los estereotipos asociados tradicionalmente al “arte femenino” (delicadeza, elegancia, blandura, debilidad…).
Este discurso hegemónico en la historia del arte, masculino y dominante, incapaz de clasificar su estilo como “arte femenino” utilizó dos estrategias para desprestigiarla: calificando a Gentileschi de “pintora mujer” (desde un punto de vista peyorativo) y calificándola de “mujer masculina”; e hipersexualizándola “Artemisia es una mujer lasciva”.
Obras más destacadas
Susana y los Viejos. Artemisia Gentileschi
Susana y los viejos es un tema recurrente en la pintura (Tintoretto, Rembrandt, Cagnacci, etc.) pero com un tratamiento totalmente opuesto. Mientras que en las obras de los pintores el deseo de los viejos es respondido por una Susana complaciente. Artemisa, representa a la mujer con todo el terror, rechazo (de nuevo vuelve a aparecer su experiencia traumática).
Judith y su criada. A Gentileschi Mujer con Laud. Artemisia GentileschiMagdalena en extasis. Artemisia Gentileschi
New York City (1942). P. MondrianPersistencia de la memoria. 1931. Dalí
Análisis realizado por María Ruiz, alumna de 2º Bachillerato de Artes del IES San Jerónimo. Sevilla
Son dos obras pictóricas realizadas con la técnica del óleo sobre tela la primera y sobre lienzo la de Dalí, pintadas en las primeras décadas del siglo XX. Pertenecen a las Vanguardias.
La primera, New York City, es una pintura donde desaparece la figuración, característica típica del estilo Abstracto, pertenece al Neoplasticismo, es de Piet Mondrian, la realiza cuando se exilia en Estados Unidos.
La segunda, La Persistencia de la memoria, es una pintura figurativa donde aparecen relojes derretidos en un paisaje exterior, una playa. Pertenece al Surrealismo, concretamente al método onírico-paranoico, es de Salvador Dalí, uno de los pintores más representativos de este estilo. También se conoce como Relojes suaves. Es una de sus obras más emblemáticas y conocidas.
La principal diferencia es que una es abstracta y otra figurativa. Mondrian reduce todas las formas a sus elementos básicos: línea, color y forma, la obra es geometría pura. Mientras, Dalí se basa en símbolos y en el método crítico-paranóico que consiste en superponer objetos y figuras surrealistas, del mundo de los sueños sobre un espacio natural, posiblemente inspirado en la Costa Brava. Los relojes derretidos simbolizan el paso del tiempo.
Los dos dan mucha importancia a la línea y el color. Mondrian, para llegar a la pureza, crea una obra basada en las relaciones matemáticas entre línea y color, líneas que se cortan formando ángulos rectos. Dalí tiene un gran dominio del dibujo con líneas precisas y firmes. Es un gran dibujante. Mondrian no admite las líneas curvas y diagonales, Dalí sí.
Mondrian utiliza los colores primarios (rojo, azul y amarillo), que consideraba los colores elementales del universo, y los no-colores (blanco, que es una mezcla de todos los colores), en esta obra han desaparecido las líneas de color negro, por lo que podemos deducir que se pintó después de la 2ª Guerra Mundial cuando marcha a New York y traza las líneas con colores primarios para transmitir la alegría y el vitalismo que había en la ciudad, que en este periodo se convierte en el epicentro del mundo del arte. Todo el espacio que cortan las líneas es blanco y plano. Su obra queda reducida a colores, líneas, geometría, a cálculo matemático.
Dalí emplea una paleta suave, sin estridencias, de colores complementarios y sugerentes creando un ambiente inquietante donde se mezcla realidad y el mundo de los sueños.
La composición de Mondrian se basa en líneas verticales y horizontales que ordena los colores de forma yuxtapuesta, y consigue profundidad mediante la teoría de los colores. Por otro lado, La persistencia del tiempo, muestra una composición limpia y ordenada, logra una gran profundidad con perspectivas enormes que se acentúa a la derecha del lienzo con la línea rocosa de la playa y el escorzo de la especie de mesa de la izquierda.
A pesar de pertenecer a las primeras décadas del siglo XX y ser Vanguardistas, cada uno es de un estilo y responden de manera muy diferente al difícil contexto histórico que les tocó vivir, el periodo de Entreguerras y las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial. Mondrian y Dalí marchan a Nueva York, allí alcanzan la fama, el primero exiliado, huyendo de los totalitarismos. Dalí nunca rechazó los fascismos (motivo por el que es expulsado del movimiento Surrealista) y volverá a España durante el Franquismo que le recibe con honores. Los dos van a Nueva York porque es en ese momento el centro donde se refugian los artistas y la ciudad moderna por excelencia.
Mondrian influido por el Cubismo de Picasso y Braque, funda el grupo holandés Stilj, el Neoplasticismo, corriente que pertenece al Arte Geométrico Abstracto. Reduce la pintura a color, forma y línea y no permite la diagonal. En su etapa Abstracta hay dos épocas, en la primera los colores primarios están separados por líneas negras como se observa en obras como Tableau I, IV y Composición con rojo, amarillo y azul. Al estallar la 2ª Guerra Mundial, marcha a Estados Unidos, de sus obras desaparece el negro y las líneas se trazan con colores primarios, como en esta obra o en Broadway Boogie- Woogie, transmitiendo mayor dinamismo y jovialidad.
A Dalí le influyen el arte clásico, el barroco y sobre todo las teorías del psicoanálisis de Freud. Se obsesiona con liberal el mundo de los sueños, momento en el que el subconsciente alcanza la libertad al relajarse la razón. Lo representa en sus cuadros a través del método Onírico Paranoico. Este lienzo está lleno de símbolos, tiene un gran dominio del dibujo y representa figuras imposibles y grandes perspectivas con enorme profundidad. En esta obra aparecen los relojes derretidos (objeto que se repetirá en otros cuadros) como símbolo del paso del tiempo y la relatividad de todo. El centro de la pintura podría ser una representación del propio Dalí. El artista era aficionado a los autorretratos. Justo debajo del reloj que yace en el suelo, una ceja, las pestañas, el bigote ralo y una nariz puntiaguda, nos muestran a Dalí. La obra transmite inquietud, soledad, la figura humana está ausente. Simula un paisaje poco acogedor, frío. Todo lo contrario ocurre con la obra de Mondrian donde los colores primarios transmiten optimismo y alegría.
Dalí es considerado junto a Picasso y Miró, uno de los pintores españoles más universales del Arte Contemporánea. Obras suyas son la joven de la ventana, el gran masturbador y Gala desnuda.
Pinta una gran cantidad de obras, tuvo éxito en vida, triunfó en Estados Unidos, lugar donde se crea la imagen de excéntrico. Gran parte de su vida la paso junto a Gala, su musa, en Figueras y Cadaqués (Costa Brava) playas que aparece en sus obras. No sólo pintó también participó en el rodaje de un Perro Andaluz de Buñuel y colaboró con Hitchcock en Recuerda.
Los dos artistas vanguardistas, pertenecen a una época de experimentación, de búsqueda de nuevos caminos artísticos, nuevos lenguajes, en la que se da prioridad al arte por el arte. Por eso estas obras pertenecen a dos estilos que coinciden en el tiempo: Mondrian y el Neoplasticismo, Dalí al Surrealismo. Las obras, los artistas y los estilos han influido y siguen influyendo en muchas áreas artísticas actuales.
Lee Krasner. 1908-1984. Estadunidense. Pintora Expresionista Abstracta.
Lee Krasner vivió siempre bajo la alargada sombra de su marido Jackson Pollock, pese a que la pintora tenía igual o incluso mayor talento que él. Ambos fueron figuras claves del expresionismo abstracto norteamericano.
Neoyorquina de Brooklyn, estudió arte en unos tiempos en los que la mujer lo tenían difícil. Sólo pudo acceder al Instituto Washington Irving de Manhattan, el único centro en Nueva York donde las mujeres podían cursar estudios de arte.
El carácter independiente de Lee provocó enfrentamientos con sus profesores en muchas ocasiones, que despreciaron su obra por el hecho de ser mujer. Sin embargo, el descubrimiento de las vanguardias artísticas (en concreto la Escuela de París) le provocó una enorme impresión y decidió que era por ese camino por donde iba a ir su trabajo.
Mientras desarrollaba este nuevo estilo, simultaneó sus estudios para ser profesora en el City College de Nueva York con un trabajo de camarera.
En noviembre de 1941 conoció a Jackson Pollock y sintiéndose inferior a él abandonó la práctica de la pintura y se dedicó en exclusiva a atender las necesidades de Pollock. Fue una época tensa marcada por el alcoholismo del pintor. Los escasos cuadros que pintó Lee en la época reflejan una enorme influencia de su marido, pero con unas formas abstractas más refinadas y geométricas.
Cuando quedó viuda, se liberó progresivamente del influjo de Pollock; abandonó el automatismo y presenta un geometrismo cada vez más acusado. (Enlace)
Lee el artículo, Lee Krasner: la artista relegada a ser “la mujer de Jackson Pollock” (Broadly)
Self-portrait, Lee Krasner. 1929. Metropolitan Art Museum
Evento a celebrar entre el 4 al 10 de marzo de 2019 en Sevilla que engloba diversas actividades relacionadas con la historia, el patrimonio, la cultura y la ciudadanía.
París, donde la artista vivió en los años veinte y estudió en la famosa escuela internacional Académie Julian. En Europa entra en contacto con las vanguardias. Hecho que le influirá para crear un estilo donde fusiona las ideas del arte moderno con la estética indígena de su país.
Mujer con Laud. Artemisia Gentileschi
Fundamentos del Arte II 