Pabellón Alemán en Barcelona. Mies Van der Rohe. Menos es más.

_{Pabellón Alemán. Barcelona. Mies van der Rohe. Arquitectura Funcionalista. 1929. Reconstruido en 1986.}

El Pabellón Mies van der Rohe es una de las obras más emblemáticas de Ludwig Mies van der Rohe y un referente clave de la arquitectura del siglo XX.

Originalmente llamado Pabellón Alemán, posteriormente renombrado Pabellón de Barcelona.

Contexto histórico:

El famoso Pabellón Alemán fue diseñado para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 y reconstruido en 1986 en su ubicación original.
Fue concebido para albergar la recepción oficial presidida por el rey Alfonso XIII junto a las autoridades alemanas. El Pabellón fue la carta de presentación al mundo del movimiento arquitectónico moderno y de Alemania después de la Primera Guerra Mundial. El Pabellón pretendía mostrar a una Alemania progresista y democrática.

Sirvió para modernizar Barcelona, se dotó de servicios a la ciudad (alcantarillado, iluminación, pavimentación, aeropuerto…)

Análisis:

Su innovadora estructura arquitectónica marcó un cambio importante en la distribución del espacio y tuvo una gran influencia en el desarrollo de la arquitectura moderna.

• Concepto/significado: Mies entendió el Pabellón como un edificio en sí, como un lugar de tranquilidad en el cual poder refugiarse del bullicio de la exposición, transformado el mismo pabellón en una escultura habitable. Es un edificio importante en la historia de la arquitectura moderna, ya que en él se plasman todas las ideas del entonces naciente Movimiento Moderno con más libertad que en otras obras, su única función era difundir estas nuevas ideas, así como el uso de nuevos materiales y técnicas en la construcción.
• Materiales de calidad: acero en la estructura, mármol, traventino en el zócalo, mármol amarillento en la pared, cristal
• Estructura. Se levanta sobre un zócalo de traventino.
• Predominio de planos geométricos, perpendiculares, de líneas rectas, espacios geométricos pero diáfanos.
• El patio de recepción: donde se funde el agua del estanque que actúa como un espejo, el muro cristalera que invita a entrar y el muro opaco que esconde el interior.
• Nuevo concepto del espacio interior. La distribución de las paredes invita al movimiento y a descubrir otros espacios dentro del edificio. El espacio dividido en planos con muros de distintos materiales e iluminado con la luz que entra a través del acristalamiento del perímetro exterior.
• El patio trasero. Éste cerrado por paredes y con la presencia, nuevamente, de un espejo de agua sobre el que se encuentra la estatua Alba, de Georg Kolbe.
• Techumbre alquitrabada de escasa altura.
• Espacio lujoso, grato a los sentidos, invita al descanso y reflexión.
• Ausencia de ornamentación.

Comentario: El pabellón, junto a obras como la Bauhaus de Walter Gropius y la Villa Savoye de Le Corbusier, es uno de los edificios fundamentales de la arquitectura moderna. Fue desmontado al finalizar la exposición, 1930, pero con el tiempo esta obra se convirtió en un referente clave para la historia de la arquitectura del siglo XX, así como para la trayectoria de Mies van der Rohe, por ese motivo en 1980, e impulsado por el arquitecto catalán Oriol Bohigas, se empezó a gestar en el ayuntamiento la idea de reconstruir el edificio en su emplazamiento original. Los trabajos empezaron en 1983, y la reconstrucción se inauguró en 1986.

La Silla Barcelona, uno de los objetos más reconocidos del siglo pasado, y un icono del movimiento moderno,  irradia una elegancia simple que personifica la máxima más famosa de Mies van der Rohe: “menos es más“.

La silla Barcelona fue diseñada por Mies van der Rohe con la colaboración de su socia y compañera, la diseñadora Lilly Reich para el Pabellón alemán en la Exposición Internacional de Barcelona del año 1929. El diseño se desarrolló en una época de reconstrucción tras la Primera Guerra Mundial. Los diseñadores que prepararon el pabellón alemán tuvieron la responsabilidad de mostrar el resurgir de la cultura alemana.

Los diseñadores, arquitectos y artistas de aquella época supieron aprovechar las nuevas tecnologías y los nuevos materiales desarrollados durante la guerra. En este sentido, el diseño de la silla supone una propuesta de vanguardia para el uso doméstico.

_{La silla Barcelona fue diseñada por Mies van der Rohe con la colaboración de su socia y compañera, la diseñadora Lilly Reich para el Pabellón alemán en la Exposición Internacional de Barcelona del año 1929.}

Recursos:

• Enlace a Wikiarquitectura donde se analiza la obra
• Enlace a Clásicos de Arquitectura. Pabellón alemán de Mies van der Rohe

Vídeos

Vídeo sobre la restauración del pabellón

Arquitectura Funcional o Racionalista

Villa Saboya, Le Corbousier, Funcionalismo.

Concepto y fundamentos:

La arquitectura funcional también conocida como Arquitectura Racional, forma parte del Estilo Internacional o Movimiento Moderno. Fue una tendencia arquitectónica que surge en Europa y Norteamérica, a principios del siglo XX, alcanza su cénit a partir de los años 20 y tiene la etapa más creadora en la Segunda Guerra Mundial. Agrupa a los padres de la arquitectura contemporánea, pese al marcado individualismo de cada uno de ellos, coinciden en una serie de principios.

• Ruptura con las formas arquitectónicas del pasado.
• Búsqueda de un nuevo lenguaje, basado en la simplicidad de formas, que da respuesta a las necesidades del crecimiento urbano e industrial.
• Empleo de volúmenes elementales: cubo, cilindro, esfera…
• Prioridad a la construcción frente a lo decorativo, al espacio interno frente a la apariencia externa. Surge como rechazo al decorativismo modernista.
• Predominio de lo funcional, útil, confortable y racional sobre la ornamental. Menos es más.
• Empleo de materiales nuevos como hormigón, cemento, acero, hierro, cristal.
• Utilización de pilares y vigas como elementos estructurales
• Dominio de líneas rectas, ventanas horizontales, Plantas diáfanas.
• El edificio se integra en el entorno.
• Se construye teniendo en cuenta la función.
• Los arquitectos más destacados son: Le Corbusier, Walter Gropius y Mies Van Der Rohe. Son los padres de la arquitectura contemporánea. Les influye la Escuela de Chicago.

PRECEDENTES 

Como antecedentes del Racionalismo tenemos a toda la arquitectura de la Escuela de Chicago que desarrolla su producción a finales del siglo XIX y primer cuarto del siglo XX en dicha ciudad norteamericana y posteriormente en Nueva York. Sullivan, el líder de la Escuela de Chicago había dicho que Las formas siguen a la función, pues bien, esa idea será la característica fundamental de la arquitectura racionalista, que el edificio sea práctico y que la forma de la construcción se adapte a la función para la que el edificio ha sido concebido. Una idea importante es que se reacciona contra lo decorativo (elemento básico del Modernismo) y se intentan construir espacios útiles y funcionales.

CONSULTA LA PRESENTACIÓN DE ROSA FERNÁNDEZ ESTÁN LAS CARACTERÍSTICAS, ARQUITECTOS Y OBRAS MÁS SIGNIFICATIVAS

Funcionalismo y la arquitectura de la 1ª mitad del siglo XX

Edificio de la Bauhaus. Dessau, Alemania. 1923-1925. Gropius. Funcionalismo.

CONTENIDOS DEL BLOQUE TEMÁTICO

• Arquitectura de la 1ª mitad del siglo XX. Características y tendencias.
  •  La Bauhaus y su relación con el diseño industrial.
  • Racionalismo:
    • Mies Van der Rohe: Pabellón alemán Exposición de Barcelona.
    • Le Corbusier:
      • Villa Saboya,
      • Unidad de habitación. Marsella.
  • Organicismo: Frank Lloyd Wright: Casa de la cascada.

Alta Costura: Cristóbal Balenciaga

Criterios de aprendizajes

1. Explicar las características de la arquitectura funcional.
2. Explicar los fundamentos de la arquitectura organicista a través de F. LL. Wright y las casa de la Cascada
3. Identificar, analizar y explicar las similitudes y diferencias de  Villa Saboya de Le Corbusier y La casa de la cascada de Frank LLoyd Wright.
4. Explicar las claves de la Bauhaus.
5. Analizar las claves de la arquitectura funcional de Mies Van der Rohe y Le Corbusier.
6. Conocer e identificar las creaciones y aportaciones de C. Balenciaga.

La comedia ácida. El Gran Dictador. Charles Chaplin

El Gran Dictador, 1940 de Charles Chaplin

Charles Chaplin  (16 de abril de 1889 – 25 de diciembre de 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico.  Con casi noventa películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo. Adquirió fama mundial y es considerado uno de los grandes genios de la historia del cine. En su obra abundan imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje.

LA COMEDIA ACIDA: “Desde cerca, la vida parece una tragedia; desde lejos, una comedia”. Parafraseando a Chaplin.

Lo que hace la comedia ácida es precisamente eso: Muestra una “realidad” relativamente trágica, sin esperanzas, sin ilusiones y la convierte en chiste, en motivo de risa. Satirizando sutilmente situaciones y personajes. En el caso de estas películas, la visión trágica de la trama se cierne en la situación político-social por la que atraviesan.

El humor de estos films se basa en situaciones incómodas. Se expresa libremente sobre las preferencias, los gustos, el aspecto físico de otras personas… La comedia ácida: mitad poética, mitad bufa, se caracteriza por el sarcasmo y la ironía constantes.

El Gran Dictador. Comedia dramática. 1940 con guion, dirección, producción y actuación de Charles Chaplin. 

El gran dictador ( The Great Dictator) es una película estadounidense de 1940 escrita, dirigida y protagonizada por el británico Charles Chaplin. Es una sátira cómica de Hitler y una contundente denuncia pública sobre el Holocausto de los judíos. Primer largometraje anti-nazi de la historia. En el momento de su estreno, Estados Unidos todavía estaba en paz con la Alemania nazi, pero la película ya era una feroz y controvertida condena contra el nazismo, el fascismo, el antisemitismo y las dictaduras en general.

Sinopsis. Un humilde barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la Primera Guerra Mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnésico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada, y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo.

El Gran Dictador. Foto.

En la película, Chaplin define a los nazis como «hombres-máquinas, con cerebros y corazones de máquinas». Chaplin interpreta dos papeles, el del dictador Adenoid Hynkel (clara parodia de Adolf Hitler) y el del barbero judío. Este último guarda muchas similitudes con el personaje más famoso de Chaplin, el vagabundo Charlot. Aunque no se especifica si se trata de él o no, se considera que en esta película se produce la última aparición de Charlot.

El Gran Dictador. El barbero judío.

Chaplin era el único cineasta en Hollywood que seguía realizando películas mudas cuando el sonido ya estaba plenamente implantado en el cine, y esta fue su primera película sonora y la de mayor éxito.

El largometraje recibió cinco nominaciones en la 13.ª edición de los Premios Óscar, sin embargo no ganó ninguno. Esta película estuvo censurada en España hasta la muerte de Franco,1975.

El Presidente Roosevelt contactó con Chaplin para que siguiera con su osado proyecto artístico-político, la industria cinematográfica norteamericana no lo apoyó. Chaplin, la leyenda del cine mudo, realiza uno de los discursos más memorables de la historia del cine, un manifiesto humanista en su máxima expresión.

La comedia ácida. Ernst Lubitsch «To be or not to be»

To Be Or Not To Be (1942) de Ernst Lubitsch

 «To be or not to be” Ernst Lubitsch. Ser o no ser (1942) es, junto a El gran dictador (1940, Charles Chaplin), la parodia más divertida e inspirada que ha hecho el cine sobre Hitler y el nazismo.

Tuvo la valentía de abordar los conflictos de su tiempo desde el humor e ironizar sobre alguno de los rasgos más deleznables del ser humano. Todo eso sin perder de vista al público, confiando en su inteligencia y garantizando su disfrute.  Es una comedia sofisticada cuyo objetivo principal es la evasión y la sátira política.  Se desarrolla en un ambiente aristocrático, con un esmerado refinamiento estético, con diálogos brillantes, repleta de situaciones equívocas y todo tipo de confusiones que, a pesar de su cariz ingenuo o amable, destaca la hipocresía latente en la sociedad.

Argumento: En la Polonia ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de actores de teatro de recursos limitados realizan interpretaciones en las que ridiculizan a los nazis. Un espía les comunica una información, que de ser conocida por los nazis, resultaría muy perjudicial para Polonia. En vista de ello, el grupo decide movilizarse para evitar que esa información caiga en manos de los alemanes. En vez de la Gestapo, tendrá que ceder ante las presiones políticas y hacer, en su lugar, la representación del clásico de Shakespeare “Hamlet”.

El comienzo de la película es magistral: nos encontramos en Varsovia, capital de Polonia en Agosto de 1939. Una compañía teatral promociona una obra sobre el nazismo llamada “Gestapo” y uno de sus actores se pasea disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia, sembrando el desconcierto en la población. Lubitsch utiliza la comedia no como un género ligero sino como un arma magistral y afilada contra el apogeo nazi. A través de la caricaturización del opresor, consigue desautorizar sus actos, su ideología. A pesar de las innumerables críticas que recibió por este enfoque, su atrevimiento es indudable y sólo el paso del tiempo le dio el lugar que merecía. En España, por ejemplo, no se estrenó hasta 1971, casi treinta años después de ser filmada.

Vídeos con alguno de los momentos más memorables.

• El cinismo que emana del tratamiento del conflicto bélico contrasta con el humor blanco que empapa las relaciones entre los personajes.
• Lo más curioso de Ser o no ser es donde reside la ironía.
• Su obra se ha caracterizado por un modo irónico especial, el llamado «toque Lubitsch», que usaba no solo para saltarse la censura, sino también para complicar la trama, para divertirse, para hacer ambiguas las situaciones.
• A parte del contexto político, esta película es un homenaje al teatro, a sus actores y a su vital labor de entretenimiento en un mundo que, en demasiadas ocasiones, sólo deja paso al horror.
• Admiración  por Shakespeare –de gran influencia para Lubitsch–, en concreto ‘Hamlet’ y su célebre monólogo existencial, e intemporal.
• Confusión entre realidad y ficción, entre la representación y la autenticidad.
• Interpretación magistral de los actores.

La película, exhibida en su tiempo como propaganda anti-nazi, ataca con perspicacia y sutileza a todo tipo de totalitarismo ideológico y político. Sobrepasando el mero calificativo de producto propagandístico coyuntural y permaneciendo como uno de los mejores ejemplos de comedia (fresca, entretenida, ágil, chispeante, corrosiva, repleta de brillantes diálogos…) que jamás se hayan realizado en la historia del séptimo arte.

8. Antoine Pevsner. Constructivismo abstracto. La vanguardia Soviética

Columna de la paz. 1954 A. Pevsner. Constructivismo ruso. Abstracción

Los hermanos Pevsner, Antoine y Gabo (este, elige el apellido de la madre para diferenciarse de su hermano), son  los artistas más representativos del Constructivismo ruso junto a Tatlin,  de la escultura abstracta y de las vanguardias soviéticas.

Antoine Pevsner comenzó su carrera como pintor. Una estancia en París de 1911 a 1914 lo introdujo en el cubismo y el futurismo, dos enfoques nuevos y radicales para hacer arte. Después de que la Unión Soviética se retiró de la Primera Guerra Mundial en 1917 y la amenaza de un reclutamiento terminó, Pevsner y su hermano, el escultor Naum Gabo, regresaron a Moscú para participar en el fervor utópico de construir una nueva sociedad igualitaria.

En 1922 abandonan definitivamente la Unión Soviética y se instalan en París. En 1930, Pevsner consigue la nacionalidad Francesa. A partir de la 2ª Guerra Mundial sus esculturas consiguen un gran prestigio,  exponiendo en numerosas ciudades.

Fuente. Plástico coloreado. Pevsner. Escultura abstracta. Constructivismo ruso.1925

• Antoine Pevsner destaca por la utilización de materiales industriales (vidrio, plexiglás, metal, cemento, plásticos, etc.). De los materiales tradicionales sólo utiliza el bronce pero con un tratamiento nuevo. Introduce el color como en la obra Fuente
• A partir de mediados del siglo XX emplea láminas, estructuras e hilos de bronce soldados entre sí para lograr formas complejas y enrevesadas utilizando líneas tanto rectas como curvas. Construye estructuras en torno a un eje central.
• Las formas helicoidales, ovales,  aparecen en muchas de las obras multiplicando los puntos de vista y el movimiento.
• Realiza obras para espacios públicos.
• Abandona la figuración, representa esculturas abstractas, llenas de dinamismo, donde el vacío ocupa un lugar principal.
• Realiza esculturas científicas, basadas en estudios  matemáticos y geométricos.
• Los temas principales son   el espacio, el tiempo, la luz. EL UNIVERSO.
• Introduce el movimiento y la transparencia, el plástico de colores le permite matizar el vacío.

Construcción con superficies desarrollables. Pevsner. Abstracción. Constructivismo soviético.

                            

Proyección en el espacio. Pevsner. Constructivismo. Escultura abstracta

Para saber más de la obra de Pevsner, consulta el blog Ojo con el Arte: Homenaje a Antoine Pevsner (pincha)

Henry Moore. Escultura Biomórfica y humanista

Henry Moore. Escultor

Henry Moore (1898- 1986):  Profundo interés por lo humano.   Representa la unión de las formas artísticas con la naturaleza.

King and Queen. H Moore. Bronce

«Todo lo que yo necesitaba lo encontré en Picasso y en el Museo Británico». Moore

Las claves

• Es el escultor británico más importante del siglo XX.
•  Destaca por su temática humanista. Principalmente mujeres, hijos y familias. Suelen ser grupos escultóricos.
• Temática figurativa que evoluciona del realismo y  primitivismo inicial, a la semifiguración y  a la abstracción en su etapa final.
• Composiciones donde las figuras aparecen tumbadas o recostadas.
• Predominio de las líneas curvas (formas cóncavas y convexas), cerradas, sin aristas, sinuosas, tridimensionales.
• Equilibrio entre la masa y el vacío.
• En las obras predomina el  esquematismo, la simplificación a lo esencial y la geometrización.
• Representa el hueco, el vacío de forma amable.
• Esculpe obras monumentales, expuestas en espacios urbanos, abiertos de todo el mundo.
• Domina el mármol y el  bronce a la cera fundida, trabaja las superficies logrando gran plasticidad.
• Es uno de los grandes maestros de la escultura biomórfica,  la abstracción biomórfica.
• Influirá en la escultura figurativa de la 2ª mitad del siglo XX.
• En él influyeron: el arte primitivo, los clásicos, el Renacimiento,  Miguel Ángel, Rodin, las vanguardias (Cubismo, Picasso, Brancusi, Surrealismo, Constructivismo ruso; etc).  La naturaleza con sus formas ondulantes y orgánicas.

DETALLES

Figura reclinada, 1938, piedra, semiabstracta, H. Moore

Actividad. Lee el artículo de El País y resumen al paralelismo entre Rodin y Moore (pincha)

Influencia de Picasso en H Moore. Monumentalidad. En ambos Miguel Ángel

Influencia de Picasso y de las formas de la naturaleza. H Moore

EVOLUCIÓN

Mujer reclinada. H Moore, Influencia arte primitivo y azteca

Figura reclinada. 1951. Moore. ANÁLISIS 

Madre e hijo. 1946. Henry Moore

Doble óvalo. 1966. Henry Moore

A. Pevsner y H. Moore. Analiza las obras. Concluye con las principales similitudes y diferencias.

Grupo familiar, 1950. Henry Moore. Escultura humanista y Biomófica.

El mundo. Pevsner. 1947. Escultura abstracta. Constructivismo Ruso

Identificación

Son dos obras escultóricas, exentas y de bulto redondo. La primera pertenece al inglés H. Moore y la segunda, al ruso A. Pevsner. Las obras son de la misma época, están ejecutadas a mediados del siglo XX, en plena postguerra, tras la brutalidad de la 2ª Guerra Mundial. Pertenecen a estilos diferentes. Grupo familiar es una escultura humanista y biomórfica, El mundo pertenece al Constructivismo Ruso y al arte Abstracto.

Análisis

La simbología y temática son diferentes. Grupo familiar representa uno de los temas estrella de H Moore, el humanismo, los sentimientos, el amor y la protección simbolizados en la familia en un tiempo de desolación. La escultura de A. Pevsner responde a una de sus obsesiones: representar el espacio, el vacío, el universo. Pero los dos coinciden en eludir la terrible realidad que ha supuesto la 2ª Guerra Mundial, Moore recurre a la familia como símbolo para volver a resurgir y dejar a tras la postguerra y Pevsner al Universo como principio de todo.

Las proporciones y la ubicación son distintas. La obra de Moore es de gran tamaño, monumental y está situada en el exterior, en un espacio público urbano. La obra de Pevsner es de tamaño reducido y expuesta en el interior posiblemente en una sala de exposiciones o un museo.

Difieren en el tipo de escultura. Grupo Familiar es un grupo escultórico figurativo en el que aparecen los padres sentados y sujetando en el centro a su hijo. El mundo es una escultura abstracta.

Coinciden en el material. Las dos obras son de bronce y están sobre una base. Pero la técnica y la ejecución es muy diferente. Henry Moore utiliza el bronce fundido y Pevsner utiliza finas barras de bronce oxidado y soldado en placas que giran en todos los sentidos en torno a un eje central.

La composición también es diferente. Moore acentúa el sentimiento de unidad de la familia entrelazando los brazos de los padres sujetando al hijo como símbolo protector y con pies grandes y firmes apoyándose en la tierra. Recuerda a la terribilitá de Miguel Ángel y a Picasso. Es una escultura bloque, equilibrada, predominan las líneas curvas, cerradas, el volumen se acentúa con el reflejo de la luz, con las líneas cóncavas y convexas, con la masa y el volumen. En esta obra el escultor inglés ya ha iniciado el camino a la abstracción las formas están borrosas, deformadas.

En la obra de Pevsner predomina la racionalidad, el estudio matemático y geométrico de las formas. Representa el vacío, la antimateria, el universo a través de líneas helicoidales que giran en todos los sentidos como las órbitas espaciales, transmitiendo movimiento y dinamismo.

Si la obra de Pevsner predomina la racionalidad, la visión científica, los cálculos matemáticos propios del Constructivismo, en la de Moore destaca el tema humanista, lo subjetivo, la sensibilidad, la calidez y ternura.

La obra de Moore se acerca a la abstracción biomórfica, la obra de Pevsner es abstracta. Aunque muy diferentes en el estilo, ambas esculturas son fruto de la libertad creadora de los artistas, están muy lejos de de las obras anteriores a las vanguardias que seguían unos cánones academicistas. Son una consecuencia de la ruptura que se produce en el Arte en las primeras décadas del siglo XX, a los dos escultores les influyen los padres de las vanguardias y tanto Pevsner como Moore serán un referente para los artistas de la 2ª mitad del siglo XX.

Comentario…

La escultura de la segunda mitad del siglo XX…