Columna de la paz. 1954 A. Pevsner. Constructivismo ruso. Abstracción
Los hermanos Pevsner, Antoine y Gabo (este, elige el apellido de la madre para diferenciarse de su hermano), son los artistas más representativos del Constructivismo ruso junto a Tatlin, de la escultura abstracta y de las vanguardias soviéticas.
Antoine Pevsner comenzó su carrera como pintor. Una estancia en París de 1911 a 1914 lo introdujo en el cubismo y el futurismo, dos enfoques nuevos y radicales para hacer arte. Después de que la Unión Soviética se retiró de la Primera Guerra Mundial en 1917 y la amenaza de un reclutamiento terminó, Pevsner y su hermano, el escultor Naum Gabo, regresaron a Moscú para participar en el fervor utópico de construir una nueva sociedad igualitaria.
En 1922 abandonan definitivamente la Unión Soviética y se instalan en París. En 1930, Pevsner consigue la nacionalidad Francesa. A partir de la 2ª Guerra Mundial sus esculturas consiguen un gran prestigio, exponiendo en numerosas ciudades.
Antoine Pevsner destaca por la utilización de materiales industriales (vidrio, plexiglás, metal, cemento, plásticos, etc.). De los materiales tradicionales sólo utiliza el bronce pero con un tratamiento nuevo. Introduce el color como en la obra Fuente
A partir de mediados del siglo XX emplea láminas, estructuras e hilos de bronce soldados entre sí para lograr formas complejas y enrevesadas utilizando líneas tanto rectas como curvas. Construye estructuras en torno a un eje central.
Las formas helicoidales, ovales, aparecen en muchas de las obras multiplicando los puntos de vista y el movimiento.
Realiza obras para espacios públicos.
Abandona la figuración, representa esculturas abstractas, llenas de dinamismo, donde el vacío ocupa un lugar principal.
Realiza esculturas científicas, basadas en estudios matemáticos y geométricos.
Los temas principales son el espacio, el tiempo, la luz. EL UNIVERSO.
Introduce el movimiento y la transparencia, el plástico de colores le permite matizar el vacío.
Construcción con superficies desarrollables. Pevsner. Abstracción. Constructivismo soviético.
Proyección en el espacio. Pevsner. Constructivismo. Escultura abstracta
Para saber más de la obra de Pevsner, consulta el blog Ojo con el Arte: Homenaje a Antoine Pevsner (pincha)
Henry Moore (1898- 1986): Profundo interés por lo humano. Representa la unión de las formas artísticas con la naturaleza.
King and Queen. H Moore. Bronce
«Todo lo que yo necesitaba lo encontré en Picasso y en el Museo Británico». Moore
Las claves
Es el escultor británico más importante del siglo XX.
Destaca por su temática humanista. Principalmente mujeres, hijos y familias. Suelen ser grupos escultóricos.
Temática figurativa que evoluciona del realismo y primitivismo inicial, a la semifiguración y a la abstracción en su etapa final.
Composiciones donde las figuras aparecen tumbadas o recostadas.
Predominio de las líneas curvas (formas cóncavas y convexas), cerradas, sin aristas, sinuosas, tridimensionales.
Equilibrio entre la masa y el vacío.
En las obras predomina el esquematismo, la simplificación a lo esencial y la geometrización.
Representa el hueco, el vacío de forma amable.
Esculpe obras monumentales, expuestas en espacios urbanos, abiertos de todo el mundo.
Domina el mármol y el bronce a la cera fundida, trabaja las superficies logrando gran plasticidad.
Es uno de los grandes maestros de la escultura biomórfica, la abstracción biomórfica.
Influirá en la escultura figurativa de la 2ª mitad del siglo XX.
En él influyeron: el arte primitivo, los clásicos, el Renacimiento, Miguel Ángel, Rodin, las vanguardias (Cubismo, Picasso, Brancusi, Surrealismo, Constructivismo ruso; etc). La naturaleza con sus formas ondulantes y orgánicas.
DETALLES
Figura reclinada, 1938, piedra, semiabstracta, H. Moore
La escultura contemporánea experimenta una revolución radical en el siglo XX. Las tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo a la pintura, aunque la ruptura en escultura es más tardía, posiblemente porque los artistas están más atados a la tradición que marcan sus clientes y el coste del material es más elevado que en pintura.
El precursor, a finales del siglo XIX, fue A. Rodin quien aplica los principios impresionistas a la escultura alejándose de las pautas academicistas. Pero la ruptura definitiva la realiza el Cubismo. Los escultores buscarán un nuevo lenguaje expresivo. Como sucede en la pintura, es difícil clasificar a los escultores en un movimiento u otro porque están en continua evolución.
Características de la escultura del siglo XX :
Temática. La figura humana pierde su omnipresencia. Los temas se inspiran en las formas geométricas, en la naturaleza como la escultura biomórfica; representan la abstracción, el movimiento, la antimateria, el espacio, el vacío.
El lenguaje escultórico es expresionista, a través de sus obras transmiten angustia, inquietud, rechazo, desesperación ante los momentos históricos que les toca vivir.
Las innovaciones plásticas están basadas en la masa y su deformación, en el volumen (abierto/cerrado).
Representan el movimiento unido a la energía. Esculturas-máquinas o cinéticas (Calder- móviles)
Están en permanente experimentación con materiales nuevos como hierro, plásticos, plexiglás (metacrilato), sintéticos, resinas, etc.
Los artistas están en continua evolución. Pasan de un movimiento a otro. Ejemplo: González del Cubismo al Surrealismo/ Calder del Surrealismo a la Abstracción Cinética/etc.)
Principales escultores y obras más representativas
Umberto Boccioni, Futurismo
Formas únicas de la continuidad en el espacio, escultura de bronce, 1913. Museo de Arte Moderno de Nueva York. Con esta obra Boccioni intentar plasmar la velocidad del movimiento y experimentar los contrastes lumínicos en el bronce.
DADAISMO
Duchamp. Dadaista. Ready-make (leer artículo del blog ENSEÑARTE)
Duchamp convierte objetos cotidianos, que no poseen ningún valor específico y a los que él añade una mínima transformación, en obras de arte, sacándolas de su contexto habitual.
La fuente. Duchamp. Dadaismo. 1917
Rueda de bicicleta. Ready-make. Duchamp
El botellero. Duchamp. Objetos encontrados o ready-make
SURREALISMO
Jean Arp (entrada en este blog). Del surrealismo a la abstracción
Brancusi (1876-1957). Del Expresionismo a la Abstracción
La obra de Gabo es una búsqueda e indagación constante del espacio realizada de forma científica y la utilización de los nuevos materiales industriales, de manera especial los transparentes.
Cabeza de mujer. Naum Gabo. Constructivismo. Periodo de Entreguerras.
Bronce esférico. Gabo. Constructivismo y escultura cinética.
Antoni Pevsner (hermano de Gabo)
Escultor ruso. Junto a su hermano uno de los mejores representantes del constructivismo y de la escultura abstracta.
Construcción oval. Pevsner
Destaca por la utilización de nuevos materiales (vidrio, plexiglás, metal, bronce, cemento, plásticos, etc.). De los materiales tradicionales sólo utiliza el bronce pero con un tratamiento nuevo. Introduce el color como en su obra Fuente
Abandona la figuración, representa esculturas abstractas, llenas de dinamismo, donde el vacío ocupa un lugar principal en su investigación.Son esculturas científicas, basadas en estudios matemáticos y geométricos.
Su finalidad principal es esculpir el espacio, el vacío, no solo con las formas sino también con materiales translucidos, con la simplicidad de las líneas.
Destacan las formas helicoidales de sus obras.
El mundo. Pevsner. Constructivismo
Construcción con superficie desarrollable. Pevsner. Constructivismo
Columna de la paz. Pevsner. Abstracción
ESCULTURA BIMÓRFICA Y HUMANISTA
Henry Moore (1898- 1986): Profundo interés por lo humano. unión de las formas artísticas con la naturaleza.
Escultor al que dieron la fama sus esculturas en bronce y mármol, que fueron creadas para ser exhibidas en espacios abiertos, y que se pueden ver en numerosas ciudades de todo el mundo. El protagonismo del espacio, del hueco, del vacío tratado de forma amable.
King and Queen. H Moore. Bronce
Óvalo con dos puntas. Henry Moore
Expresionismo Abstracto. Escultura Cinética
Alexander Calder (1898- 1976).
EXPRESIONISMO FIGURATIVO DE FORMAS ORONDAS
Fernando Botero (1932-). Colombiano. Pintor y escultor
ESCULTURA MINIMALISTA ACTUAL. Grandes estructuras matéricas
Richard Serra (EEUU). Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
Cristina Iglesias. Escultora-constructora
Portón. Cristina Iglesias. Puertas de acceso, ampliación Museo del Prado
Acabo de concluir algo que quizá le interese. Es de bastante importancia. Creo haber hallado el camino de mi tranquilidad estética: lo que ya es algo en los tiempos que corren. (carta a Jacques Bernheim hacia 1933). Dijo al concluir su obra cumbre, El Profeta.
Nació el 5 de enero de 1881 en Maella, Zaragoza. En 1888, su familia se traslada a Barcelona, donde inicia su formación artística en el taller del escultor Eusebio Arnau y en la Chimenea de la Fonda de España. Acude a las tertulias del café Els Quatre Gats con Casas y Picasso. En 1903 viaja a París becado por la Escuela de Bellas Artes, allí conoce a Juan Gris, quien le influirá con su estética cubista.
En 1913 conoció en París a Magalí. Se casaron. Durante la 1ª Guerra Mundial regresa a Barcelona. En 1920 fue nombrado profesor de Escultura de la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña. Al proclamarse la Dictadura de Primo de Rivera en 1923 es destituido. Se traslada definitivamente a París con su mujer y su hija, Pierrette. Pablo Gargallo tuvo una salud frágil, falleció durante un viaje a Reus el 28 de diciembre de 1934, a la edad de 53 años. En el año 1985 se inauguró en Zaragoza, por iniciativa de su hija y del propio ayuntamiento, el Museo Pablo Gargallo.
Es uno de los padres de la vanguardia española. En París descubre el Cubismo y evoluciona desde la figuración hacia la abstracción y el expresionismo. Forma parte de la Edad de Plata de la cultura española.
Innova con el hierro. Trabaja con planchas metálicas que moldea y da forma. Sus obras son ligeras, va vaciando la masa para esculpir el vacío, los contrastes de luz,…
Divide las superficies en cóncavas, convexas y planas.
Utiliza metal recortado, trabajado a martillo, las piezas las une con soldadura.
No abandona la escultura «más tradicional», las figuras de bulto redondo, pero experimenta una gran evolución e innova con el material.
Su obra se puede definir como la combinación armónica del espacio y del volumen. Esculpe el vacío, el espacio.
Las obras más prestigiosas son: El Profeta (1933), a la que Gargallo definió como su «tranquilidad estética», El Arlequín, La Bañista, David, Mujer del Espejo, Academia y los retratos de Kiki de Montparnasse (al más estilo Art Decó) Greta Garbo, Antinoo, etc.
Obras:
Obras expuestas en el Museo Pablo Gargallo de Zaragoza (enlace)
El Profeta. Una de sus obras más emblemáticas. Muy recomendable escuchar y mirar atentamente el vídeo inicial
Cuando Gargallo realiza la primera máscara metálica, en 1907, y sobre todo al desarrollar su primera época del cobre, utiliza finas chapas de cobre o hierro, de las que recorta las distintas piezas que han de componer la escultura. Una vez repujados, modelados, torsionados los elementos del conjunto, la unión de todos ellos se resuelve mediante ligeros remaches e ingeniosos ribeteados y engarzados.
Gran Bailarina. P Gargallo
Kiki de Montpamasse. Gargallo. 1928
El violinista, Gargallo. 1920
Puedes ver más obras en el blog forma es vacío, vacío es forma (enlace)
Kiki de Montpamasse. Gargallo. Bronce dorado, pulido, representación del volumen através del vicio y de los contrastes lumínicos masa-hueco.
Musa durmiendo. Brancusi. Broncedorado, pulido. Predominio de la línea cerrada, pureza delicadeza de formas puras, contrates lumínicos.
Constantin Brancusi, rumano, y Pablo Gargallo, español, tienen muchos puntos en común. Son dos de los escultores más emblemáticos del siglo XX.
Para muchos, los pioneros de la vanguardia escultórica. Innovan en todos los campos (temática, formas, materiales, técnicas, etc) buscando un nuevo lenguaje expresivo. Viven en París, ambos conocen la obra de Rodin, el precursor de la escultura contemporánea (más Brancusi). Entran en contacto con artistas y los distintos movimientos artísticos. Sus trayectorias artísticas experimentan una gran evolución: parten del clasicismo, y poco a poco, se alejan de la temática figurativa, realista y a través del primitivismo, cubismo y expresionismo avanzan hacia la abstracción.
Jean Arp (1886-1966) es una figura fundamental para la historia del Dadaísmo (fue miembro fundador), evoluciona hacia el Surrealismo y con sus esculturas biomórficas, anuncia la Abstracción. Es uno de los mejores representantes de la Escultura Surrealista junto a Giacometti y Henry Moore.
Nace en Estrasburgo (cuando pertenecía a Alemania tras la guerra Francoprusiana), muere en Basilea (Suiza). Estudia Bellas Artes y en París entra en contacto con los ambientes vanguardistas y con artistas de la talla de Picasso, Kandinsky… Le apasiona la poesía, pero termina dedicándose a la pintura, aunque gran parte de su obra son relieves y esculturas. Pronto se define su técnica dadaísta y surrealista en las formas y motivos. El punto de partida de Arp es el entorno dadaísta de Zúrich donde se exilió durante la Primera Guerra Mundial. Es el momento del Cabaret Voltaire y la protesta contra la guerra, de la provocación como forma de arte, del gusto por el absurdo y el juego… en este grupo, Arp conoce a la artista, que luego sería su esposa, Sophie Taeuber (1889-1943).
La obra de Arp gira en torno a dos temas fundamentales para el arte: el mundo vegetal y orgánico y la figura humana. La transformación que se produce en la obra de Arp va desde una figuración surrealista a otra antropomórfica.
Rectángulos ordenados según las leyes del azar. JEAN ARP, 1916-17. THE MUSEUM OF MODERN ART, NEW YORK
Ideas fundamentales:
Rebeldía, la capacidad de negación, la irracionalidad, el inconformismo y la subversión contra el orden preestablecido.
Trabaja todo tipo de materiales: escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas, la mayoría de pequeño formato; relieves en madera; crea obras con recortes de papel. Es un buen dibujante, grabador y litógrafo.
Utilizó, principalmente, una paleta de colores limitada: blanco, gris y negro.
En su estilo predominan: composiciones arbitrarias, ejecutadas al azar (lanzaba recortes de papel y según caían los dejaba / orden del azar), collages tridimensionales, líneas curvas, sinuosas, sin aristas y de formas abstractas. Establece equilibrios entre vacíos y volúmenes.
Las esculturas recuerdan a las formas que se encuentran en la naturaleza, él las denominó «esculturas biomorficas«, aludiendo a la relación que establecía entre la pura creatividad artística y las formas que surgen en la naturaleza. Son obras en bronce dorado, metal, mármol o piedra.
Hace dos tipos de esculturas, las puramente abstractas y las que nos evocan formas humanas simplificadas.
Primero hace las obras, después las titula para limitar la intervención de la mente consciente en la creación.
OBRAS:
Configuración. 1927. Dadaísmo. J. Arp
Espejo- flor. J Arp
Pechera de la camisa y tenedor. 1922. Relieve de madera pintada. H. Arp
Constelación con cinco formas blancas y dos negras. Jean Arp.
Lágrimas de Enak, J. Arp
A partir de 1930 se centra en la escultura. Mezcla las técnicas surrealistas del automatismo y las imágenes oníricas con el concepto dadaísta de azar, dando lugar a sus características formas orgánicas, conocidas como escultura biomórfica (inspiradas en las formas de la naturaleza y el azar).
En sus esculturas predominan líneas curvas, la ausencia de aristas. Utiliza materiales nobles como el bronce pulido y el mármol. Están cercanas a la abstracción y transmiten humanismo y amor por la naturaleza.
Escultura perdida en el bosque. Jean Arp. Surrealismo abstracto
Marcel Duchamp fue un artista y ajedrecista francés que se afincó en Estados Unidos. Dadaista, artista controvertido, provocador, su objetivo es desacralizar el arte.
Con el urinario, la fuente o R. Mutt 1919, demostró dos cosas: que cualquier objeto puede ser considerado arte, lo que se llamó readymade, y que el campo artístico necesitaba una revolución y un cambio en la mentalidad conservadora. La fuente es considerada la obra de arte más influyente del siglo XX. 1ª obra del arte conceptual. La estética es lo de menos, lo importante es la reflexión, la crítica al concepto del arte burgués.
Ideó lo que él llamó los ready-mades o esculturas realizadas con objetos existentes y vulgares, que fueron una de las aportaciones más importantes al arte del siglo XX. Descontextualiza lo objetos industriales dotándolos de una nueva significación. Se limitaba a escoger un utensilio corriente que al arrancarlo de su mundo cotidiano, de su ambiente de uso, lo coloca en uno de inutilidad, privándolo por completo de todo valor funcional. Entresaca los objetos de su contexto habitual y los sitúa en otros, es decir, los recontextualiza.
Su atrevimiento más espectacular fue cuando presentó en la primera exposición pública de la Sociedad de Artistas Independientes, el 9 de abril de 1917, un urinario de porcelana blanca colocado al revés con el título de Fuente. Era el máximo ejemplo de aquello que deseaba el artista francés: la desacralización del arte. Incluso renunció a su nombre adoptando el seudónimo de R. Mutt.
Los organizadores decidieron no exponer aquel objeto por considerarlo «indecente», lo cual provocó varias discusiones internas y la dimisión del mismo Marcel Duchamp, que formaba parte del comité directivo. En su alegato de protesta, el controvertido artista formuló al mismo tiempo la definición del ready-made: «Que el Sr. Mutt haya hecho con sus manos La fuente (nombre con que también se conoce El urinario) o no, carece de importancia. Él es quien la ha elegido. Ha tomado un artículo común de la vida de todos los días, lo ha colocado de modo que su significado útil desapareciera, ha creado un nuevo pensamiento para este objeto». El original de la obra se perdió, y a mediados del siglo XX, Duchamp realizó varias versiones más que actualmente se encuentran repartidas en varios museos.
El autor estaba convencido de la inutilidad de la pintura tradicional y de la necesidad de un arte basado en las ideas; por este motivo buscaba la sustitución de la obra de arte tradicional, «hecha a mano», por artículos ordinarios producidos en serie y hechos a máquina. Con sus ready-mades (es decir «lo ya hecho» u «objeto encontrado») niega el concepto tradicional de arte y se propone cuestionar el estatuto artístico, es decir, la belleza, da a entender que el único factor determinante de que un objeto tenga o no valor estético sea la misma percepción.
Desnudo bajando la escalera, número 2 de Marcel Duchamp. 1912, Philadelphia Museum of Art, Filadelfia, Pensilvania. Pintura rechazada por cubista- futurista.
La Novia desnudada por sus solteros” o el ¨Gran Vidrio¨ como es conocida esta magnífica obra, va más allá de ser una escultura o una pintura, para él es simplemente arte, arte que lleva consigo un mensaje especial y un tanto complejo, ya que se puede observar por detrás y por delante, mostrando un fondo distinto y cambiante. El artista realizó el trabajo durante ocho años, dedicando su tiempo y esfuerzo para desarrollar una obra que revolucionara el mundo del arte, categorizada por él como ¨Imagen hilarante¨.
La obra está constituida por dos hojas de vidrio divididas por una lámina de aluminio. Durante el proceso de creación de la obra, Duchampfue agregando elementos tales como láminas de oro, plomo, aceites, barniz, alambre de fusibles y hasta el polvo que se encontraba en su estudio y se adhería por sí solo al cristal.
Su construcción se basa en perspectiva, geometría, matemáticas y un exhaustivo trabajo artesanal, aún así no se consideró como terminada hasta que durante un traslado se rompió. El artista quedó fascinado con las espectaculares grietas a lo largo y ancho de su creación. Posteriormente se dedicó a pegar las piezas y las colocó en un marco de aluminio, conservándose así hasta hoy día.
A través de cada una de las partes de la obra, Marcel Duchamp trata de expresar la tensión sexual, por medio de las interacciones entre la novia que se encuentra en la parte superior sosteniendo a los nueve solteros que habitan en la parte inferior, acompañados de extraños aparatos. Todos los elementos que podemos ver se encuentran conectados entre sí, marcando un fuerte mensaje erótico, uno de los tantos mensajes de interpretación que se aprecian de la obra.
Esta creación tiene enormes significados, ya que retrata a una novia que figura con cuerpo de insecto, con algo de curvas, atrapada en una jaula y teñida por colores grises apagados, mientras que los solteros se posan coloridos, con más líneas rectas y con una especie de mecanismos hidráulicos.
Rueda de bicicleta sobre taburete, M Duchamp, 1913, MOMA, ready-made, Dadaísmo.
Duchamp crea su primer Ready Made, que viene a ser ese objeto sacado de su contexto original, desfuncionalizado y convertido en arte. Es decir en vez de ser un objeto creado por el artista, es el artista «robando» uno ya fabricado. “En 1913 tuve la feliz idea de fijar una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina y de mirar cómo giraba”. Así recordaba Marcel Duchamp, en 1961, el surgimiento del primer ready-made (así puede leerse en el libro Escritos. Duchamp du Signe). El arte se convertía así en algo que reside básicamente en el espectador y que no tiene que poseer necesariamente las cualidades estéticas tradicionales. Es una de las primeras obras del arte cinético.
L.H.O.O.Q. en francés de Elle a chaud au cul, y que suele traducirse como «Ella está excitada sexualmente o ella tiene el culo caliente». Es una de las versiones de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci que hizo en 1919, uno de los ready mades que le hicieron famoso. Una nueva provocación al concepto del arte muy del gusto dadaista robar una reproducción la Mona Lisa de Da Vinci, ponerle unos bigotes y colgarla en un museo.
Bottle Rack, 1914, Ready make. M. Duchamp. Dadaísmo
Botellero metálico no transformado que compró Duchamp y lo firmó. No hay explicaciones estilísticas, es una obra provocadora que muchos ven connotaciones sexuales siguiendo las teorías de Freud. El autor considera que el arte es banal, es una crítica, demuestra que todo vale. Anécdota: el original fue tirado por la hermana al basurero, existen unas siete réplicas. Es un canto al absurdo, una crítica a los convencionalismos.
Todas sus obras están llenas de provocación. Son una crítica al Arte y al aburguesamiento de la sociedad contemporánea.. Crea obras fetiche. Transforma objetos cotidianos en obras por el simple hecho de firmarlas. Un canto al absurdo.
Monumento funerario de Joselito, el Gallo. M. Benlliure. Bronce. Sevilla. 1924
Escultor español (Valencia, 1862-Madrid, 1947). Hijo de un modesto pintor decorador que introdujo desde la infancia a sus cuatro hijos varones en el arte. Transcurrió su infancia en Valencia y en 1874 se trasladó con su familia a Madrid.
Tras iniciarse en la escultura de forma autodidacta y en el aprendizaje de los oficios relacionados con el quehacer escultórico, trabajando en diferentes talleres artesanos, viajó a Roma en 1881 para completar su formación. Allí se perfeccionó en el dominio de las técnicas y materiales, en contacto con las fundiciones artísticas más importantes y con frecuentes visitas a las canteras de Carrara; además de ilustrarse principalmente con el estudio de la estatuaria clásica, renacentista y barroca, y de la escultura de la Italia de su tiempo.
Su obra es sumamente extensa y fecunda, y abarca los diferentes géneros, tipologías y técnicas: retratos, obras conmemorativas, funerarias, religiosas, muchas ciudades españolas y países de Iberoamérica tienen obras de Benlliure.
Tan sólo en escultura monumental realizó más de cincuenta obras destinadas a las principales ciudades españolas e hispanas.
Sus obras se caracterizan por la naturalidad, tenía una extraordinaria facilidad para modelar y cincelar, y un sentido personal de la combinación de los materiales, generalmente mármol y bronce, consiguiendo un exquisito acabado de las superficies.
Su faceta de pintor, poco desarrollada profesionalmente, está presente en toda su obra. Mediante el juego del claroscuro y un modelado pictoricista imprimía a sus obras cualidades casi táctiles, fuertemente expresivas. Prestaba igual atención al detalle, que ejecutaba con gran soltura y un virtuosismo alejado de todo manierismo, como al equilibrio armónico de sus composiciones.
Asumió importantes cargos públicos relacionados con el mundo de la cultura y las Bellas Artes y recibió importantes condecoraciones, como la Legión de Honor de Francia, comendador de la orden de la Corona de Italia o la gran cruz de Alfonso X de España.
Evento a celebrar entre el 4 al 10 de marzo de 2019 en Sevilla que engloba diversas actividades relacionadas con la historia, el patrimonio, la cultura y la ciudadanía.
Figura reclinada. 1951. Moore. 
Fundamentos del Arte II 