6. Los Felices Años Veinte. El Art Decó.

Criterios

OBRAS ANALIZADAS:

RECURSOS: apuntes y presentaciones.

Florine Stettheimer. Pintora norteamericana. Del vitalismo de los años 20 a la nostalgia de los 30

 

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Florine Stettheimer (1871-1944)

Nació en Nueva York, en una familia rica de origen judío alemán. Su madre la  educa junto a sus hermanas (conocidas como “Las Stetties”) en un ambiente liberal y elitista. La posición económica desahogada le permitió dedicarse a la pintura. Pasó su juventud en Europa y cuando en 1914 estalló la I Guerra Mundial volvió a su país natal. Amiga de la intelectualidad de la época organizó en la vivienda familiar, en Manhattan, reuniones a las que acudían figuras del modernismo estadounidense como la pintora Georgia O’Keeffe,  Marcel Duchamp, Henry McBride, Carl Van Vechten, etc. Mujer polifacética, diseñadora, poeta, liberal y modernista. Pudo vivir para el arte.

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Las Stetties”. Familia. Florine Stettheimer

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Escena familiar. 1919. Florine Stettheimer

 

Una modelo, primer autorretrato desnudo de la historia del arte.
Florine Stettheimer, la mujer que pintó el primer autorretrato desnuda

  • Desarrolló un estilo único, para unos modernista, para otros simbolista o Naïf, para Warhol fue la antecesora del  pop art.
  • Técnica: utiliza una paleta de colores luminosos, vibrantes y contrastados con riqueza de detalles y  fuerte poder narrativo. Figuras alargadas, fondos de colores claros azulados y blanquecinos)
  • Temática. Pinta escenas de fiestas, espectáculos, soleados días de picnic, concursos de belleza, rascacielos…Sus cuadros daban testimonio de un nuevo tipo femenino poderoso y autónomo. Las obras reflejan un mundo androgino, humor y sensualidad.
  • Despreocupación por la belleza.
  • Contexto. Las escenas representaron primero el vitalismo de los años veinte, después, con el crack bursátil de 1929 y la posterior Gran Depresión introdujo en sus obras elementos de una irónica nostalgia.
  • Influencias. Admiró a Goya,  la Maja desnuda le causó tal impresión que lo utilizó como inspiración para realizar un autorretrato suyo totalmente desnuda, A Model (1915-16), el primero del que hay constancia en la historia del arte.
  • Siempre fue una artista de artistas aunque nunca alcanzó la fama. Admirada por Marcel Duchamp (organiza una exposición en el MOMA en su honor), Warhol quien la veneraba y la consideraba su maestra, O’Keeffe o Picabia.
  • Consideraba que la pintura era una actividad privada. Sólo expuso una vez, y el resultado fue un total fracaso: no vendió un solo cuadro. Se prometió a sí misma que nunca más volvería a ocurrir, y desde entonces prácticamente sólo mostró sus obras, salvo muy contadas excepciones, en las reuniones sociales de su apartamento, una de sus principales fuentes de inspiración.
  • El mundo del arte la marginó en buena parte por no plegarse a exigencias comerciales,  el público masivo pasaba por alto.
  • El reconocimiento llega a partir de los años 60 en Estados Unidos.
  • Artista polifacética:  se dedicó a la escenografía (teatro, ballet), diseñaba sus propios muebles, escribía poemas, etc.

OBRAS

Retrata el ambiente de los Felices Años 20 de la alta sociedad norteamericana

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La catedral de la V Avenida.Florine Stettheimer

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‘Asbury Park South’, 1920. Óleo. Florine Stettheimer.

Con su fino sentido del humor retrata los lugares donde transcurre la vida de las élites: las tiendas de lujo, lo que ella llama las “catedrales” (Wall Street, la Quinta Avenida, Broadway), y con su estilo aparentemente infantil da un bofetón a la corrección social desplazándose en Asbury Park South a la parte de la playa reservada para los afroamericanos, donde sitúa una inexistente fiesta de integración en la que flappers blancas y negras bailan y festejan mientras las aristócratas burguesas las contemplan bajo las sombrillas que protegen sus delicados cutis.

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1933 ‘Retrato de familia II’, óleo de Florine Stettheimer

Florine Stettheimer, se retrata en Family Portrait II con su masculina ropa de faena complementada con llamativos zapatos rojos de tacón.

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Studio Party. Florine Stettheimer.

Se atreve  con juegos meta-artísticos como en Studio Party, donde su autorretrato desnuda cuelga en una pared de su salón, sin que los invitados presentes (siempre nombres indispensables de la vida artística como Marcel Duchamp, Francis Picabia o Georgia O’Keeffe, críticos de arte o excéntricos, en un ambiente de absoluta liberalidad sexual) le presten atención, como si no comprendieran su importancia, mientras ella se parodia a sí misma repitiendo la misma postura ante el cuadro.

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Picnic. Florine Stettheimer

Compuso el libreto de “Orphée of the Quat-z-arts or the Revelers of the 4 Arts Ball”, un ballet inspirado en el baile anual que se organizaba por los cuatro gremios de artistas en París. El ballet nunca se representó, pero el libreto de Stettheimer se publicó por primera vez en su totalidad en la reedición de Crystal Flowers en 2010. (Blog Trianart)

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Procesión. Florine Stettheimer

 

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Ariadne. Florine Stettheimer

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Enlaces y fuentes consultadas

 

Pablo Gargallo. Padre de la escultura vanguardista

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Acabo de concluir algo que quizá le interese. Es de bastante importancia. Creo haber hallado el camino de mi tranquilidad estética: lo que ya es algo en los tiempos que corren. (carta a Jacques Bernheim hacia 1933). Dijo al concluir su obra cumbre, El Profeta.

Nació el 5 de enero de 1881 en Maella, Zaragoza. En 1888, su familia se traslada a Barcelona, donde inicia su formación artística en el taller del escultor Eusebio Arnau y en la Chimenea de la Fonda de España. Acude a las tertulias del café Els Quatre Gats con Casas y Picasso. En 1903 viaja a París becado por la Escuela de Bellas Artes, allí conoce a Juan Gris, quien le influirá con su estética cubista.

En 1913 conoció en París a Magalí. Se casaron. Durante la 1ª Guerra Mundial regresa a Barcelona. En 1920 fue nombrado profesor de Escultura de la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña. Al proclamarse la Dictadura de Primo de Rivera en 1923 es destituido. Se traslada definitivamente a París con su mujer y su hija, Pierrette.  Pablo Gargallo tuvo una salud frágil, falleció durante un viaje a Reus el 28 de diciembre de 1934, a la edad de 53 años. En el año 1985 se inauguró en Zaragoza, por iniciativa de su hija y del propio ayuntamiento, el Museo Pablo Gargallo.

Es uno de los padres de la vanguardia española. En París descubre el Cubismo y evoluciona desde la figuración hacia la abstracción y el expresionismo. Forma parte de la Edad de Plata de la cultura española.

Innova con el hierro. Trabaja con planchas metálicas que moldea y da forma. Sus obras son ligeras, va vaciando la masa para  esculpir el vacío, los contrastes de luz,…

No abandona la escultura “más tradicional”, las figuras de bulto redondo, pero experimenta una gran evolución e innova con el material. Utiliza metal recortado, trabajado a martillo, las piezas las une con soldadura. 

Su obra se puede definir como la combinación armónica del espacio y del volumen. Esculpe el vacío, el espacio.

  • Los críticos de los años 20 se dieron cuenta de la novedad que representaba el escultor.
  • En la revista Gaseta de les Arts (marzo de 1929), aparece un artículo titulado “Escultures metaliques de Pau Gargallo”, en el que podemos leer lo siguiente: «La gran novedad de la obra de gargallo es la búsqueda de un volumen abstracto gracias a la iluminación. Dividiendo sus superficies en cóncavas, convexas y planas, llega a conjuntarlas de manera tan perfecta como natural, para crear estos organismos vivientes, en los cuales juegan la luz y la sombra de forma nerviosa. El milagro era ligar los planos convexos, que, rechazando los planos luminosos, los dispersan sobre sí en planos inestables, a las superficies cóncavas, que se encargan de guardar esos rayos reflejados».

Su relación con el modernismo se establece a través de los encargos del arquitecto modernista Domènech i Montaner para el Hospital de San Pau i Santa Creu de Barcelona.

Las obras más prestigiosas son: El Profeta (1933), a la que Gargallo definió como su “tranquilidad estética”, El Arlequín, La Bañista, David, Mujer del Espejo, Academia y los retratos de Kiki de Montparnasse (al más estilo Art Decó) Greta Garbo, Antinoo, etc.

Obras:

Obras expuestas en el Museo Pablo Gargallo de Zaragoza (enlace)

El Profeta. Una de sus obras más emblemáticas. Muy recomendable escuchar y mirar atentamente el vídeo inicial

Copia la ficha técnica  y análisis en el siguiente enlace

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EL Profeta. Pablo Gargallo. Planchas de bronce
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Greta Garbo con pestañas. Pablo Gargallo

Cuando Gargallo realiza la primera máscara metálica, en 1907, y sobre todo al desarrollar su primera época del cobre, utiliza finas chapas de cobre o hierro, de las que recorta las distintas piezas que han de componer la escultura. Una vez repujados, modelados, torsionados los elementos del conjunto, la unión de todos ellos se resuelve mediante ligeros remaches e ingeniosos ribeteados y engarzados.

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Bailarina. P Gargallo
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Kiki de Montpamasse. Gargallo. 1928
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Puedes ver más obras en el blog forma es vacío, vacío es forma (enlace)

El Beso de Rodin y el Beso de Brancusi. Análisis comparativo

Analice, compare y relacione las técnicas y lenguajes de estas dos obras (similitudes y diferencias)

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A. Rodin: El beso. 1889                                  C. Brancusi. El Beso. 1908

Pautas para realizar el análisis formal y estilístico

Realiza el análisis técnico  y estilístico de cada una de las obras, sigue las pautas que te doy y  lee la entrada del Blog de Historia del Arte del profesor Tomás Pérez (enlace)

Análisis técnico (uno para cada obra)

  • Tipo de obra: conjunto escultórico de bulto redondo, figurativa (en este caso)
  • Material
  • Técnica:
  • Tema representado y cómo

Análisis estilístico

  • Cómo se ha esculpido: realista/ idealizada/ abstracta/ esquematizada/ etc
  • Tratamiento de las superficies
  • Composición, luz, volumen, espacio, etc
  • Significado

El autor y su época

En este apartado explicas todo lo relacionado con cada uno de los artistas, sus señas de identidad, sus influencias, en quién influyen, otras obras, etc.

Para finalizar. Similitudes y diferencias (reflexionas sobre las semejanzas y diferencias que puedas encontrar)

Tanto Rodin como Brancunsi son dos grandes artistas que revolucionan el panorama escultórico. Rodin, escultor de finales del siglo XIX, rompe con los academicismos y realiza una escultura impresionista, anunciando las vanguardias.  Brancusi, que trabajó con Rodin en su taller y que conoce muy bien la obra de su maestro, pertenece a las vanguardias,  es uno de los escultores más importantes de la primera mitad del siglo XX. Rompe con el lenguaje expresivo  tradicional y experimenta nuevos caminos que conducirán a la abstracción.

  • Utilizan el mismo material, piedra (mármol) y la misma técnica: esculpido; aunque el resultado final es diferente, Rodin pule el mármol de los cuerpos y lo llena de matices, Brancusi   apenas esculpe la superficie e insinúa esquemáticamente las formas en el cubo.
  • Ambos artistas esculpen  el mismo tema: el amor entre dos personas,  representado a través de un beso.Transmiten una gran  sensualidad y pasión.
  • Son dos esculturas de bulto redondo, figurativas aunque el Beso de Rodin se representa con un lenguaje expresivo más realista y más cercano al concepto estético de las personas y el Beso de Brancusi está esculpido de una forma más geométrica, esquematizada y primitiva; utiliza un lenguaje  más expresionista.
  • La obra de Rodin se recrea en la forma, está llena de matices plásticos,lumínicos, de contrastes entre el cuerpo musculoso del hombre frente a la fragilidad y las curvas de la mujer. Brancusi da prioridad al concepto frente a la forma. El grupo escultórico ha quedado reducido a la mínima expresión, unos brazos, unos labios, el perfil de unos ojos, las líneas insinuantes del pelo.. Lo accesorio desaparece, el cubo está presente.
  • Ambos son dos referentes del arte del Mundo Contemporáneo.

 

 

 

Brancusi y Gargallo. Pioneros de la vanguardia escultórica.

Actividad. Realice la identificación, el análisis técnico y estético (semejanzas y diferencias) de la siguientes obras:

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Kiki de Montpamasse. Gargallo.  Bronce dorado, pulido, representación del volumen através del vicio y de los contrastes lumínicos masa-hueco.
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Musa durmiendo. Brancusi. Broncedorado, pulido. Predominio de la línea cerrada, pureza delicadeza de formas puras, contrates lumínicos.

Constantin Brancusi, rumano,  y Pablo Gargallo, español, tienen muchos puntos en común. Son dos de los escultores más emblemáticos del siglo XX. Para muchos, los pioneros de la vanguardia escultórica. Innovan  en todos los campos (temática, formas, materiales, técnicas, etc); buscan un nuevo lenguaje expresivo. Viven en París, ambos conocen la obra de Rodin, el precursor de la escultura contemporánea (más Brancusi). Entran en contacto con artistas y  los distintos movimientos artísticos. Sus trayectoria s artísticas experimentan una gran evolución: parten del clasicismo, poco a poco, se alejan de la temática figurativa, realista y a través del primitivismo, cubismo y expresionismo avanzan hacia la abstracción.

Brancusi

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Pájaro, bronce pulido. Brancusi. MOMA
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Señorita Pogany. Bronce pulido y dorado. Brancusi
Columna del infinito. Brancusi
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El beso. Piedra. Brancusi

Pablo Gargallo  ( consulta comentario de Enseñarte)

El Profeta. Chapas de acero. Gargallo

Aconsejable consultar comentario del Blog Señor del Biombo (enlace)

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Greta Garbo con mechón. Gargallo
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La bailarina. Pablo Gargallo. 1929. Escultura en Hierro.

La revolución de Coco Chanel. Moda.

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“En mi juventud, las mujeres no parecían humanas. Sus ropas eran contra natura. Yo les devolví su libertad. Les di brazos y piernas de verdad, movimientos que eran auténticos y la posibilidad de reír y comer sin tener necesariamente que desmayarse”

Chanel

Elevó el estilo de las clases populares a chic y convirtió a sus clientas -princesas y duquesas- en secretarias con falsas perlas, vestidos sencillos y jerseys de lana, prendas y materiales hasta entonces destinados a los mozos de cuadras, asistentas y clases trabajadoras. Sacó el punto a la calle, en aquella época solo se usaba en la ropa interior femenina, e impuso el pantalón, reservado exclusivamente a hombres y obreras de países atrasados. La propia diseñadora usaba trajes y ropas masculinas –que robaba del armario de sus amantes- y llevaba cuello y corbata. Se vestía con pantalones ajustados a la pantorrilla, en una época en la que la policía detenía a las mujeres que usaban bombachos para andar en bicicleta, por ser considerado un atuendo indecoroso

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Para entender la revolución del Coco Chanel hay que empezar describiendo su personalidad y el mundo de la mujer de principios del siglo XX.

La vida de Coco Chanel es la vida de un ascenso desde lo más bajo a lo más alto. De una infancia triste, solitaria y falta de cariño, a una mujer trabajadora y tenaz que llegaría a convertirse en un mito viviente. Hizo de la moda una forma de liberar a la mujer y sus creaciones marcaron las páginas de la historia del diseño. Sin embargo, aquella que se hizo llamar Coco Chanel tuvo una vida entregada al trabajo, en el que se refugió para huir de una constante soledad que la acompañó a lo largo de su vida.

Coco Chanel tuvo una infancia difícil, estuvo en un orfanato, pronto aprendió el oficio de costurera, tenía un carácter fuerte, perfeccionista, muy inquieta, extrovertida y controvertida, libre e independiente. Tenía  una capacidad asombrosa para atraer a los hombres adinerados, que le ayudaron a  llegar a la cima de la fama.

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La camelia, símbolo de la casa Chanel

No era nada fácil para las mujeres expresar su punto de vista durante Los Años 20. Coco lo hizo y se  convirtió en revolucionaria, pero al mismo tiempo entendió la frustración de las mujeres, cansadas de corsés y bustos entallados, grandes sombreros que escasamente las dejaban realizar movimientos. El principal objetivo de la diseñadora fue luchar por  la “libertad de movimiento” de las mujeres. Quiso que la mujer mantuviera la elegancia pero liberándolas de la carga de ser meros objetos para el hogar y acompañantes de los maridos.

Se codeó con nobles, hombres acaudalados, con la élite artística (Picasso, Dalí,  Misia, Sergei Diaguilev, Igor Stravinsky

  • Su primer paso hacia esta liberación fue la eliminación de los grandes sombreros llenos de  pájaros, las flores, las grandes plumas y demás objetos. Sustituyéndolos por modelos sencillos, de tamaño  reducido para que la mujer se moviera con comodidad (su primera tienda fue una sombrerería). Ella misma hacía de su modelo y los lucía.
  •  El siguiente paso fue la alta costura, al estallar la 1ª Guerra Mundial marchó a Biarritz y allí abrió su segunda tienda. Chanel, decidió crear un estilo más sencillo, con prendas cómodas y rectas pero sin olvidar su sello de alta costura. Logró imponer un sello que ningún diseñador había logrado en la historia de la moda, mezclando lo masculino con lo femenino.

Las mayores aportaciones fueron

  • El famoso traje chaqueta en tweed.
  • El vestido negro, el Little Black Dress (LBD).
  • Las blusas blancas de cuello con  corbatines y  faldas negras.
  • Acortó la longitud de la falda, liberó la cintura, aligeró los tejidos y masculinizó algunas prendas.
  • Las medias oscuras.
  • Los zapatos blancos  de punta negra  y tacón plano.
  • Las telas tipo  “jersey”, material que se usaba para las prendas interiores de los hombres. Jerséis de cuello alto y camisetas a rayas, que llevaban los marineros.
  •  Vestidos de lineas amplias, colores neutros y de materiales elásticos.
  • Incorporó los pantalones.
  • Impuso el bronceado, el pelo corto.
  • Relanzó la bisutería:Las joyas pasaron a ser un adorno y no un símbolo de riqueza. Sus favoritas fueron las perlas, a tamaño natural o más grandes, con las que creó largos collares o pulseras de varias vueltas, que junto con la camelia y el logo de la doble C , se convirtieron en el símbolo de su firma.
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  • El bolso acolchado de cadena alargada.
  • Un paso más hacia el triunfo fue la creación en 1923 del perfume Chanel número 5.

En los años treinta estuvo en Hollywood, vistiendo a actrices. Le costó remontar  Tras la 2ª Guerra Mundial por sus relaciones con los nazis durante la ocupación francesa. En los años 50  vuelve a París donde lleva a cabo los desfiles de alta costura y se consagra como una diseñadora de alta costura que viste a las élites.

La vida de Coco Chanel fue la vida de una mujer tenaz, provocadora, transgresora pero por encima de todo la de una mujer trabajadora. Sus creaciones estuvieron inspiradas por su propia experiencia, desde las sobrias indumentarias que observó en el orfanato de su infancia hasta el lujo de sus amantes ingleses y rusos.  Coco Chanel trabajó incansable hasta el último día de su vida, el 10 de enero de 1971. Tenía 87 años.

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Chanel fundó la marca de alta costura en 1910, tenía 30 años. Creó un imperio cuyas señas de identidad se extendieron por todo el mundo. La casa desde 1983-2019, la dirigió el kaiser, Karl Lagerfeld. Actualmente, la maison francesa tiene una nueva directora creativa, Virgine Viard, mano derecha de Lagerfeld durante más de 30 años

Los siguientes vídeos resumen las claves e innovaciones de Chanel.

https://youtu.be/tGpLB6fpKuM
https://youtu.be/2G88zqPxJ00

6. Art Déco. El diseño en Joyería. Cartier

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«Los joyeros de los reyes, los reyes de los joyeros»

Durante los Felices Años 20, la euforia, las ganas de vivir, el consumismo, la prosperidad, etc. se extienden por EEUU  y por las élites europeas. Surge un nuevo estilo, el Art Déco, hasta hace poco tiempo minusvalorado por su carácter estético y elitista.  El Art Déco se presenta oficialmente en la Exposición Universal de París de 1925, como un estilo total que engloba arquitectura, pintura, decoración de interiores, muebles, diseño de moda y joyas.

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Logotipo

En esta exposición, participa la  joyería más emblemática y precursora  de este estilo, la casa Cartier. Louis-François Cartier la funda en París en 1847. Se especializa en joyas y relojes de lujo. La firma, desde mediados del siglo xx  pertenece a al grupo suizo  Richemont.

Louis Cartier y sus diseñadores, en los años 20 dan un giro al estilo de  sus joyas. Apuestan por la  estilización geométrica y orientalista en los diseños e introducen  colores audaces como el azul  y el verde. Se convierten en los pioneros  del Art Déco. 

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La pantera. Símbolo de Cartier

 

La compañía ha atendido a clientes muy famosos,  familias acuadaladas, artistas  y personajes de la realeza, de hecho, uno de los Príncipes de Gales se refirió a Cartier como «los joyeros de los reyes, los reyes de los joyeros». A Cartier se le encomendó la misión de confeccionar las tiaras de los reyes de las principales monarquías del mundo.

Las creaciones más famosas de Cartier son:

EL COLLAR BESTIARY DE DIAMANTES

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Diseñado, en los años 20, para el majará indio Yadavindra Singh. Le envuelve el misterio (enlace a artículo “El misterio del collar del Maharajá”)

EL RELOJ SANTOS 

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En 1904, Louis Cartier concedió al famoso aviador brasileño Alberto Santos Dumont su deseo: poder leer la hora durante el vuelo. Es el nacimiento del  primer reloj de pulsera, caracterizado por los ángulos redondeados de la esfera, la curva de los cuernos sin transiciones, los tornillos aparentes  y los números romanos, hicieron de él un reloj mítico que inspiraría incontables interpretaciones.

EL RELOJ TANK (el icono)

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Reloj Tank. 1917 . Cartier

Cartier en 1917 crea una leyenda, el reloj Tank, modelo que recuerdan a la silueta de un tanque de combate visualizado desde el cielo durante la 1ª Guerra Mundial. Con los años se ha convertido en el principal icono relojero de Cartier y de la historia misma de la relojería. Hay demasiados parámetros subjetivos para coronar un reloj como el más legendario o el más icónico, cuatro rasgos distintivos que forman parte del ADN del Tank: la geometría de su caja, los números romanos, el índice tipo ferrocarril y el cabujón de zafiro en su corona.

Las  características de los diseños Cartier:

  • Por primera vez, la  tipología  de  joyas  están  en  función  de  la  indumentaria.  Así  por  ejemplo,  el  cabello  a  lo  garçonne  influyó  en   el  diseño  de  joyas  ya  que  al  exponer  Resultado de imagen de reloj de pulsera cartier art decorlas  orejas  y  el  cuello,  permitía  la  introducción  de  largos  pendientes,  que   hacia  1929  llegaban  hasta  el  hombro.  Cartier,  por  ejemplo,  se  adaptó  a  los  nuevos  tiempos  y  diseñó  joyas  para  ser   llevadas  con  el  pelo  corto.   El  vestido  sin  cintura  y  la  afición  por  los  deportes  que  se  desarrolló  en  los  años  veinte  ayudó  a  popularizar  el  reloj   de  pulsera. El  vestido  característico  de  esta  etapa  era  sin  mangas  y  ello  permitía  al  diseñador  de  joyas

    Brazalete. Cartier

    imaginar   toda  clase  de  decoraciones  para  la  muñeca   y   el   brazo.  Surgieron  diversos  tipos  de  brazaletes. Podían  tener   diseños  de  flores,  dibujos  geométricos  o  motivos  exóticos.  Se  podía  llevar  hasta  cuatro  o  cinco  de  ellos  a  la  vez.

  • El   sombrero   campana   o   cloche,    fue   otro   de   los   símbolos  del  Art  Déco.  Cuando  la  mujer  salía  sin  su  cloche,  resaltaban  el  cabello  con  clips  de  pedrería,  que  se   llevaban   planos   sobre   la   cabeza. Este   último,   por   la   noche,   se   colocaba   sobre   la   línea   del   cabello  o  se  sujetaba  atrás  en  la  coronilla,  como  un  halo.

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Clip de lapislázuli. Cartier. Art Déco

  • Como en  el  resto  de  las  artes,  la  joyería  Déco  es  una  evolución  de  su  precedente  Nouveau,  pero  ambas  siempre,   con   la   misma   carga      De   diseños   esencialmente   florales   se   evoluciona   hacia   formas   claramente   geométricas,  aunque  la  temática  naturalista  no  se  abandona.
  •   Las   joyas   Déco   pretenden   ser   diseños   exclusivos,   lujosos   y   elegantes,   solo   aptos   para   una   minoría   que   los   pudiera   costear.

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  • Las tipologías   son   muy   variadas,   son   verdaderas   obras   de   arte.   Tienen   mucha   importancia   los   accesorios.  Podemos  destacar:  anillos;  pendientes;  colgantes,  broches;  clips  para  el  pelo;  collares  de   perlas;   pulseras   y   brazaletes;   tiaras,   diademas   y   bandeaux   (diadema   con   forma   de   banda   sobre   la   frente);   relojes;   vanity   case   (o   cajitas   de   maquillaje); pitilleras;   los   bolsos-joyas   se   confeccionaban   con   telas   lujosas   o   pieles   exóticas   y   con   monturas   o   cierres   de   oro   o   platino.   Las   gemas,   embellecidas  con  rubíes,  esmeraldas,  zafiros  y  diamantes  tallados  o  en  cabujón  adornaban  las  monturas.  Para  los   cierres  se  utilizaban  piedras  semipreciosas,  talladas  con  motivos  egipcios  y  orientales.  Entre  1925  y  1930  se  hizo   muy  popular  el  reloj  colgante,  suspendido  de  un  cordón  o  de  una  cinta  de  seda.Imagen relacionada
  • Utiliza materiales de gran calidad: diamantes, perlas,  los   corales, el  jade,   el   ámbar,   el   ónice,   la   piedra   de   luna,   el   lapislázuli,   los   rubíes,   las   esmeraldas   y   aguamarinas  y  otras  piedras  exóticas. Oro, platino, etc
  • Los motivos   principales   en   el   diseño   de   joyas   Art   Déco   son   formas   simples:   cuadrados,   círculos,   zigzag,   rectángulos,   triángulos   u      Las   formas   abstractas   procedentes   de   la   arquitectura   de   las   antiguas   civilizaciones,  de  los  zigurats  babilónicas  y  de  los  templos  escalonados  mayas  y  aztecas,  se  vieron  reflejados  en  el   diseño  de  joyas.  Se  eliminaron  los  detalles  superfluos  tendiendo  a  la  simplificación  máxima.

 

Las figuras y los diseños fueron influidos por la geometrización del cubismo de Braque o Picasso,  el neoplasticismo de Mondrian, sobre todo del futurismo, cuya imaginería derivada del culto a la era industrial mecanizada acabó dotando a la joyería del momento de formas, estructuras y procesos que querían simular el movimiento de la maquinaría que revolucionaba el día a día de la época.

Sugerencias

Vídeo de la Fundación Juan March. El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935

Vídeos recomendables de la casa Cartier

Los fundadores

Descubra L’Odyssée de Cartier, una película épica que gira en torno a la historia de la Maison, sus valores y su inspiración, su ámbito artístico y universal

Los relojes

Joyero de reyes

6. Art Déco. Tamara Lempicka

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Muchacha con guantes. T. Lempicka.

Tamara Lempicka, transgresora, independiente y moderna, es la pintora del estilo Art Déco por antonomasia. Nació en el seno de una familia adinerada en Varsovia (Polonia) en 1898.

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Autorretrato en un Bugatti verde. T. Lempicka

A  pesar  de  su  aparente  vida  glamurosa,  sufrió  intensas  depresiones  que  no  le   daban  tregua.   Esta   fascinante   artista,   que   tuvo   una   vida   de   película,   fue   adorada   y   despreciada   a   partes   iguales,   pues   para   algunos  vanguardistas  representaba  el  paradigma  de  lo  kitsch  o  un  personaje  esteticista  de  otra   época.  Ella  y  su  arte  eran  considerados  como  la   esencia  de  la  frivolidad.  Su  pasión  por  la  belleza  y  el  lujo  no  casaban  con  los  artistas  de  vanguardia.   Aunque  no  la  faltó  trabajo  como  retratista  de  las  élites  aristocráticas, no  fue aceptada  en  general,  ni  por  su  colegas  pintores  ni  por  los  críticos  de  arte.

La obra de Tamara de Lempicka  se caracteriza por los colores vibrantes y brillantes,y por los contrastes de luces y sombras. Su  paleta de colores  es fuerte  e intensa , aunque no usará una amplia paleta de colores, caracterizándose por seleccionar los colores definidos y puros.  Las líneas son precisas y afiladas.

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Su  objetivo  como  pintora  no  era  copiar  la  realidad  sino  crear  un  nuevo  estilo,  brillante  y  de  colores  luminosos   donde   predomine   la   elegancia   de   las   figuras   representadas.      Lempicka  se  especializó  en   retratos   de   mujeres  déco,  con  fondos  arquitectónicos  de  rascacielos  de  ese  estilo,  muy  abundantes  en  sus  cuadros.  En  sus   obras  retrata  el  nuevo  paradigma  de  la  mujer  de  los  años  20  y  30,  mujeres  que  pretenden  ser  emancipadas,  que   fuman,  conducen  su  propio  coche,  adoptan  una  indumentaria  un  tanto  andrógina,  con  cabello  Bob  o  a  lo  garçon,  Retrató  a  escritores,  actores,  artistas,  científicos,  industriales  y  muchos  nobles  de  Europa  del  Este  exiliados  en  París.  Fue  la  pintora  de  la  alta  sociedad  de   su  tiempo que  hacen  deporte,  viajan  y  disfrutan  de  la  vida…

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Duquesa de la Salle.Lempicka. Art Déco
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Nude. T. Lempicka
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The Musician. T Lempicka
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Doctor Boucard, bacteriólogo. T. Lempicka
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Adán y Eva. T. Lempicka. Art Deco.
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Madonna le dedicó un vídeo. Actualmente es una de las mayores coleccionistas de su obra.

La Escuela de Chicago y su influencia en la arquitectura del siglo XX

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The Chrysler Building

New York, la ciudad Art Déco por excelencia.

La influencia de la  Escuela de Chicago en la Arquitectura Art Deco.

A finales del siglo XIX  surge la Escuela de Chicago. Supone el nacimiento de la arquitectura contemporánea y el primer estilo plenamente norteamericano.

  • Se trata de una arquitectura funcional y utilitaria
  • Construyen bloques de viviendas en altura. Ha nacido la era de los rascacielos.
  • Utilizan nuevos materiales aparecidos con la industrialización: hierro, acero, cemento, hormigón y cristal
  • Las edificios se abaratan y se construye en menos tiempo.

Sullivan. El Pionerro

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Conclusiones                                  La Escuela de Chicago sin duda                                   alguna ha ...

Los principios de la arquitectura de la Escuela de Chicago se utilizarán en la Arquitectura Art Deco,   en  particular  en  la  ciudad  déco  por  antonomasia,  Nueva  York.

Flatiron Buiding. 1902. Uno de los primeros rascacielos de New York

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Estados   Unidos experimentó  un  boom  de  la  construcción  en  los  años  20. La  arquitectura  Art  Déco  triunfó  en  teatros,  cines,  hoteles,  restaurantes,  transatlánticos  y  por  supuesto  en  los   rascacielos.

La  ornamentación  Art  Déco se  concentraba  masivamente  en  la  entrada  del  edificio:  rejas  exteriores,   puertas,  vestíbulos,  ascensores. Proliferaron   los   diseños   geométricos,   florales,   con   recuerdos   cubistas,   adornados  con  arcos,  rayos  de  sol,  muchachas  y  ramilletes  de  flores en los rascacielos.

 Paulatinamente  dejaron   de   lado   los   materiales   tradicionales   de   construcción   a   favor   de   los   nuevos,   sobre   todo   el   metal   y   el   cristal,  más  en  armonía  con los principios de la  nueva  arquitectura.  Se  comenzó,  además  a  utilizar  el  acero,  que  creaba  brillos  y  era   resistente.   La  piedra  y  la  terracota comenzaron a estar desfasadas.

La  construcción  de  algunos  de  los rascacielosmás emblemáticos  de  Nueva  York  se  realizan bajo  los  dictados   estilísticos   del   Art   Déco   como

Crysler Building. 1928, 72 plantas, 319 mts. Arquitecto Willian van Allen

Interesante artículo y  fotografías en  la página wikiarquitectura

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Chrysler Building en Nueva York. Art Deco

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Empire State Building.

1930. 443 mts. 102 plantas. Arquitecto: Wiliam Lamb

Consulta wikiarquitectura

El edificio nace de un pique entre los empresarios Walter Chrysler, propietario de Chrysler y John Jakob Raskob, ejecutivo de la General Motors Company por levantar el edificio más alto del mundo.

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Rockefeller Center (GE)

259 mts. 70 plantas. 1933. . Arquitecto: Raymond  Hood

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Escultura: La relación artística entre Picasso y Julio González

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(Mujer en el jardín. P Picasso. Reina Sofía

El nacimiento de la escultura de hierro. Dibujar en el vacío.

Pablo Picasso y Julio González se conocen desde la estancia del pintor en Barcelona, frecuentan la Taberna Dels Quatre Gats y desde entonces fraguan una gran amistad. Su colaboración artística es breve pero fecunda.

En 1928, Picasso se plantea realizar una escultura como monumento a su amigo y poeta Guillaume Apollinaire, fallecido a finales de la década anterior. El proyecto nunca vio la luz. Decide recurrir al consejo de Julio González, del que conoce su pleno dominio de la técnica del hierro, aprendida por el escultor catalán desde su infancia, pues su padre tenía un taller de orfebrería y forjado. Comienza así un trueque de conocimientos y sensibilidades que durará hasta 1931 y que dará como resultado la creación de una serie de obras que revolucionaron la escultura del siglo XX.

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Bustos femeninos (cemento/bronce). Picasso

Picasso extrae la habilidad de tratar el hierro y utilizarlo para dibujar en el aire. La obra de González, por su parte, se hace más abstracta, aunque sin perder su vínculo con la figuración, adquiriendo de este modo una mayor expresión y fuerza que habrán de ser determinantes para la evolución de la escultura contemporánea.

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Bailarina pequeña. Julio González

La genialidad de Julio González, que a los 50 años, decide dejar definitivamente la pintura, consistió en combinar  dos técnicas que procedían de ámbitos distintos: la forja del mundo artesanal y la soldadura autógena del mundo de la industria (este último procedimiento lo aprendió trabajando en la fábrica de Renault). La utilización de ambas técnicas permitía una gran libertad formal ya que requería poca superficie de contacto para la unión de las partes y proporcionaba una gran ligereza de volúmenes. Siguiendo este camino se convirtió en pionero del arte de la escultura en hierro aplicando lo que él definía como “dibujar en el espacio”. Esta expresión ha hecho fortuna y ha quedado asociada definitivamente al nombre de Julio González.

Dafne. J González

La bailarina de la margarita. J. González

La amistad con Picasso determinará su evolución hacia la aceptación de innovaciones técnicas y una aproximación al cubismo. De este periodo es la escultura hecha por Picasso en hierro y pintada después de blanco Mujer en el jardín, Cabeza de mujer.
Su experimentación escultórica llegará a la cumbre en la década de los años 20, en concreto con las esculturas de alambre de 1928, concebidas dentro de una estética surrealista y utilizando la técnica del ensamblaje que aprendió de González. En ellas se acerca al collage con la utilización de materiales diversos como arpilleras, arena, hojas de plantas e incluso mariposas.

 Julio González formula un lenguaje escultórico que supone la mayor revolución formal llevada a cabo hasta ese momento en el campo de la escultura. Esa revolución consistía en sustituir las masas y volúmenes de la escultura tradicional, por un nuevo lenguaje hecho de planos, líneas y vacíos. La utilización activa del vacío y del espacio. Como se ve en sus obras Montserrat, arlequín, mujer ante  el espejo, etc.

 

 

 

 

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Cabeza ante espejo de Julio González

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Mujer ante el espejo

Mujer ante el espejo. Es una síntesis de temas figurativos que Julio González ya había tratado repetidamente: mujeres de pie, peinándose o moviéndose, cabezas descompuestas,máscaras, cabelleras y espejos. El artista combina estos temas por medio del nuevo lenguaje escultórico que ha venido creando, un lenguaje de varillas y planchas repujadas, forjadas o soldadas, aristas, líneas, planos, huecos, perfiles, etc. Mujer ante el espejo es un compendio de la nueva etapa de González: tendencia hacia la abstracción, influencia del cobusimo en la descomposición de los planos figurativos, dibujar en el espacio, dar protagonismo al vacío.

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ESCULTURAS FIGURATIVAS EXPRESIONISTAS Y SIMBOLISTAS. EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE PARÍS DE 1937. LAS MONTSERRAT

 

Resultado de imagen de obras de julio gonzalez la montserratCabeza de Montserrat ( Blog de Señor del Biombo) El escultor nos presenta un personaje anónimo, más como un símbolo que como un verdadero retrato en el que se busca, fundamentalmente, la expresión de una idea: el sufrimiento, el dolor de toda una guerra incivil (como diría Unamuno)
El material utilizado es el bronce, en ciertas zonas pulido.
Se trata de una escultura exenta y fragmentaria, que rehuye presentar todo el cuerpo a favor de la cabeza, para así concentrar el mensaje (Esta práctica se había vuelto habitual en el Renacimiento y Barroco, aunque Rodin es el que más había insistido en ella a finales del XIX)
La composición insiste en las líneas diagonales (perfil, paños del pañuelo) que le den una mayor expresividad, prefiriendo las líneas rectas y cortantes que le den un sentido más universal, sin profundizar en detalles que personalizaran más la imagen.
El modelado juega con planos bien diferenciados, sin dar importancia a las transiciones entre unos y otros. De la misma manera mientras algunas zonas se pulen otras se dejan sin terminar por completo, dejando una serie de huellas del proceso que lo emparentaría con algunas formas ya iniciadas por Miguel Ángel y luego muy trabajadas por Rodin. Por último, los profundos huecos oculares o la boca abierta juegan con el claroscuro para potenciar (una vez más) la expresión.
La figura, expresiva y un tanto esquemática, renuncia al naturalismo total a favor de lo emotivo, del gesto casi universal del Grito (aunque de una forma mucho menor que la pintúra homóloga de Munch)

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La Montserrat. González llega a su plenitud creativa con esta obra que se va a convertir en un símbolo. El tema es el de una campesina que lleva a un niño en los brazos y sostiene una hoz en la mano derecha. Julio González supera la anécdota y la convierte en un símbolo de representación universal para ello recurre a una escultura figurativa expresionista y simbolista. El uso de chapas de hierro irregulares y fragmentadas, como si de pura chatarra se tratasen ayuda a aumentar el carácter trágico de la figura. La mujer que defiende con la dignidad y el orgullo de un guerrero su mundo, su familia y su tierra. Ante la tragedia de la Guerra Civil, González la convierte en un símbolo que traspasa su propia individualidad. El tema de la mujer campesina no es una novedad en su obra,  desde sus comienzos, junto con el de la maternidad, es un tema recurrente.

 

 

 

 

Cuando murió Julio González en 1943 era un artista reconocido por la vanguardia artística en el extranjero pero un completo desconocido en España. Entre los pocos amigos que asistieronal entierro se encontraba Picasso. Ni siquiera su hija Roberta pudo asistir pues estabaretenida lejos de París. Hay que tener en cuenta que eran los años de la ocupaciónalemana. Unos días después Picasso pintó unos óleos donde aparece un cráneo de torobravo sobre una mesa pintada de verde y azul y junto a ella, una cortina con los colores violeta y negro. Se trataba de los colores que tenían las vidrieras de la iglesia deArcueil, el pueblo cercano a Paris donde vivió y murió Julio González. Era su particular manera de rendir homenaje a su admirado amigo

Exposición de las esculturas de Picasso en el MOMA (pincha)

 

Escultura Vaso de Ajenjo
Escultura vaso de ajenjo. Picasso