Tarea V- Bacon-A. López. Análisis comparativo

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Obras de Antonio López | Flecha - Arte Contemporáneo

Pautas

  • Identifica las obras-
  • Comparar y relacionar las imágenes propuestas, señalando semejanzas y diferencias, desde las perspectivas temática, técnica y estética.
  • Utilizar un vocabulario adecuado y específico, a la hora de comparar y relacionar las ilustraciones propuestas.
  • Relacionar las imágenes con sus respectivos contextos histórico, social y político.

Tarea IV-Análisis comparativo. Pintura: Pollock y Bacon

Recuerda:

  • Comienza con la identificación (concluye este apartado con las posibles semejanzas, ejemplo: son dos obras pictóricas que pertenecen al estilo expresionista de la 2ª mitad del siglo XX)
  • Análisis comparativo (incide en las diferencias y remarca las similitudes)
    • Temática y significado
    • Análisis artístico (estilos)
    • Soporte, formato,  tamaño, técnica: óleo, sintética, acrílico, acuarela, etc
    • Color: cálidos, fríos, gama predominante
    • Técnica (cómo ejecutan la obra)
    • Composición: perspectiva, volumen, luz, etc
    • Influencias (quiénes les influyen, qué estilo, también se pueden influir entre ellos)
  • Comentario.
    • Contexto (muy importante destacar la época y la actitud del artista ante el momento histórico que le ha tocado vivir)
    • El artista, sus obras y el papel que ocupa dentro del estilo artístico al que pertenece.
    • Impacto posterior: qué relevancia tienen el artista y su obra en el panorama artístico, en quién han influido, que lugar ocupan en el mundo del arte.

Sugerencias

  • Para la obra de Pollock repasa el automatismo y la importancia del subconsciente para el Surrealismo
  • Para Bacon ten en cuenta su admiración por Velázquez y la obra de Inocencio X, Buey desollado de Rembrant o la mujer gritando del Acorazado Potemkin de Eisenstein
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Autorretrato en un Bugatti Verde. Comentario.

Autorretrato de la artista polaca Tamara de Lempicka, pintado en París en 1929. Fue un encargo para la portada de la revista de moda alemana Die Dame  para celebrar el independencia de la mujer. Es uno de los retratos más conocidos e icónicos del  Art Deco.

Análisis
La obra es un pequeño óleo sobre tabla (35×27 cm) que reúne las características técnicas y artísticas del Art Deco y de la pintura de la artista.

Tamara Lempicka se retrata como una mujer independiente y elegante conduciendo un Bugatti verde símbolo de lujo y modernidad. Los Bugatti son los coches más potentes de los años 20 (ella sólo tuvo un Renault amarillo). Se considera un homenaje a Isidora Dunca, bailarina, para muchos la creadora de la danza moderna, que murió a los 50 años en un accidente de tráfico en Suiza. La leyenda dice que estrangulada por el chal que llevaba al cuello al enredarse en la rueda del Bugatti que conducía.

La obra representa muy bien el espíritu de los Años 20, por un lado las ganas de vivir, una vez superada la tragedia de la Primera Guerra Mundial. Por otro lado, la figura femenina comenzó a ser una pieza clave de la modernidad, las mujeres ya habían demostrado su valía en la Gran Guerra y ahora, luchan con fuerza por tener su lugar.

La composición del cuadro la resuelve con un primer plano cerrado de una mujer al volante posando sobre la puerta izquierda de un deportivo, con mirada intensa, tez anacarada, cabellos rubios, nariz griega y labios rojos. . Lempicka se retata como una mujer emancipada, elegante, femenina, sensual, urbana,moderna (como lo demuestra a través del coche, vestimenta, peinado y maquillaje). También tiene el toque garçonné, palabra francesa de moda en los años 20 para referirse a las mujeres que reivindicaban los derechos y la igualdad de género adoptando una figura andrógina.

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Utiliza un dibujo preciso y firme que delimita las formas y planos geométricos que componen la obra. Los trazos recuerdan al Cubismo.

Predomina una paleta de colores donde el verde y gris metalizado dan paso a la parte central de la escena: el rostro. En él destacan unos ojos empolvados, firmes, insinuantes, y unos labios rojos retadores, también transmite fuerza la mano que sujeta con decisión el volante. En la composición tienen un papel fundamental los contrastes de luces y sombras.
Esta obra hace un guiño al movimiento futurista, caracterizado por su fascinación por la velocidad, la tecnología y la vida urbana.

Comentario

Tamara de Lempicka, pintora rusa muy destacada en los inicios del siglo XX como retratista y como representante del ‘Art Decó’, es una de las pocas artistas que tuvieron éxito en vida aunque con posterioridad su obra quedó relegada al olvido.
Vivió en el periodo de entreguerras, durante los años 1918 y 1939, cuando la Primera Guerra Mundial había llegado a su fin y el mundo aún no era consciente de que otra gran guerra estaba a punto de estallar.
Lempicka pertenece a una familia adinerada, vinculada con el mundo de las artes. Estudia en Suiza, veranea en San Petersburgo y vive en París, y es aquí donde empieza a ganar fama entre la alta sociedad parisina gracias a sus distinguidos y glamourosos retratos.
En los albores de la Segunda Guerra Mundial se marchó a América.
La afectividad y ternura por las mujeres resultará evidente en una obra que se centrará en retratos femeninos; apenas hay cuadros de hombres.

Fue considerada el símbolo de los locos años 20, una mujer adelantada a su tiempo, autosuficiente y con una creatividad sin límites, y cuya vida se apagó mientras dormía a los 82 años. Por expreso deseo de su hija sus cenizas se funden hoy con las del volcán Popocatépetl (Méjico).
En sus obras retrata el nuevo paradigma de la mujer de los años 20 y 30, mujeres que pretenden emanciparse, que fuman, conducen su propio
coche, adoptan una indumentaria un tanto andrógina, con cabello bob o a lo garçon, hacen deporte, viajan y disfrutan de la vida…Muchos retratos son desnudos y en ocasiones, muestra abiertamente escenas de homosexualidad femenina.
Los cuerpos que pinta suelen ser muy escultóricos, con formas rotundas, como si fueran estatuas clásicas pero sin estar basadas en las proporciones
perfectas del canon griego.
Las miradas de los retratados suelen ser melancólicas, tristes o pensativas. Consideraba que se autorretrataba en todas sus obras.
Sus referentes estéticos son muy variados: oscilan entre la pintura italiana del Renacimiento, las odaliscas del neoclásico francés INGRES y sobre todo el influjo del Cubismo. Las líneas depuradas, facetadas y geométricas que dominan su obra también nos remiten a Picasso, y no solo al cubista, sino también al más clásico de la “vuelta al orden” de los años 20.
Entre sus profesores en París destacan André Derain y el neocubista André LOTHE (1885-1962). Sin duda Lothe es el que más profundamente marcó
su obra pictórica y de él asimiló un cubismo “blando”. Según Alain Blondel, Lempicka consiguió un proceso de síntesis sorprendente y único en sus
obras entre el arte renacentista y el neocubista.

Autorretrato en un Bucatti verde es una de las obras más representativas de Tamara Lempicka.

Análisis comparativo. Dalí-Mondrian

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Composición II
P Mondrian. 1931.
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La persistencia de la memoria. 1931.Dalí

Identificación

Son dos obras pictóricas. P. Mondrian pintó Composición II en azul, rojo, amarillo y negro en 1931. No hay figuración, pertenece al estilo abstracto, concretamente al Neoplasticismo, estáen Tate Modern de Londres. La persistencia de la memoria la pintó en 1930 Salvador Dalí, es una pintura figurativa, pertenece al Surrealismo, a la corriente onírica-paranóica. Está en el MOMA de NY. Son dos obras vanguardistas del periodo de entreguerras.

Análisis comparativo, similitudes y diferencias técnicas y artísticas.

Coinciden en la técnica, óleo, y soporte, lienzo. Son de dimensiones reducidas.

La principal diferencia es que una es abstracta y otra figurativa.

Mondrian renuncia a la figuración, reduce la pintura a colores primarios, líneas rectas y formas geométricas, principalmente rectángulos, la composición se caracteriza por una aparente gran sencillez pero hay un estudio analítico profundo. Es el padre del Neoplasticismo, donde fusiona la abstracción con la influencia de la Bauhaus.

Dalí recupera como buen surrealista la figuración, en un espacio real, la playa rocosa y solitaria posiblemente de Cadaqués (Costa Brava), pinta imágenes y símbolos oníricos de difícil interpretación con en el método crítico-paranoico. Crea un espacio inquietante con objetos que aparecen en muchas de sus obras como relojes derretidos marcando el paso del tiempo, en el centro un ser dormido, parece su rostro deformado, hormigas como símbolos de excrementos sexuales, árboles inertes, una costa infinita y la ausencia del hombre. Según Dalí se inspiró en los quesos camembert (“tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos”) y en la teoría de la relatividad de Einstein. Dalí era un enamorado de la ciencia y siguió el trabajo del científico con curiosidad. Al parecer los relojes derritiéndose son un símbolo inconsciente de la relatividad del espacio y el tiempo.

Los dos dan mucha importancia al dibujo pero con un objetivo diferente. Mondrian, para llegar a la pureza de la pintura, crea una obra basada en las relaciones matemáticas entre línea y color, son líneas rectas cortadas perpendicularmente que transmiten dinamismo a la obra. Dalí perfila con un dibujo academicista y firme cada uno de los espacios y objetos que representa, es un dibujo que recuerda a los artistas del Renacimiento. Decía que eran “fotografías de sueños pintadas a mano”. Mondrian rechaza las líneas oblicuas y Dalí contornea los relojes acentuando la relatividad.

Mondrian utiliza los colores primarios, el blanco y el negro, los aplica de manera estudiada, logrando profundidad y mayor luminosidad, acaparando más protagonismo el cuadrado rojo. Dalí emplea una paleta suave, realista, complementaria, sin estridencias, colores ocres en la zona de la playa, tonos fríos en el mar y el cielo. La luz de Dalí es fría, metalizada, acentuando la inquietud de la escena; los colores de Mondrian y su disposición transmite optimismo pese a la racionalidad.

La composición de Mondrian se basa en líneas verticales y horizontales que se cortan perpendicularmente representando el cielo y la tierra, ordenando los colores de forma yuxtapuesta consigue profundidad, armonía mediante la teoría de los colores. Por otro lado, La persistencia muestra una composición limpia y ordenada pero inquietante, presenta una gran profundidad con perspectivas enormes.

Comentario

Son dos obras pintadas en el mismo periodo histórico, el Periodo de Entreguerras: época caracterizada por el impacto de la 1ª GM, los profundos cambios políticos, sociales y culturales, el triunfo del Comunismo, el ascenso del Fascismo y Nazismo. Época de destrucción, desánimo. Los artistas huyen de las ciudades europeas e intentan a través de sus obras evadirse de la realidad. Las dos obras pertenecen a las vanguardias artísticas, periodo donde el arte busca la libertad, el arte por el arte, nuevas técnicas y nuevos lenguajes expresivos, la pintura se aleja de copiar la realidad. Los estilos artísticos son múltiples y se suceden a gran ritmo.

Dali es uno de los máximos representantes del Surrealismo, movimiento que nace en 1924 con el manifiesto de Breton. Son herederos del Dadaismo, quieren huir de la presión de la razón, representan el mundo de los sueños, el subconsciente, influenciados por el psicoanálisis de Freud, lo hacen utilizando dos técnicas, la onírica- paranoica de Dalí o la autómata de Miró. Otras obras de Dalí son la joven de la ventana, el gran masturbador o Gala atómica. Dalí, Picasso y Miró son los pintores españoles contemporáneos más famosos.

Mondrian influido por el Cubismo de Picasso y Braque, funda el grupo holandés Stilj, el Neoplatonismo, corriente que pertenece al Arte Geométrico Abstracto. Reduce la pintura a color, forma, líneas rectas, rechaza la realidad y lo superfluo para reducir la pintura a color como principio universal. Otras obras son Tableau I, IV y Composición con rojo, amarillo y azul. Es el estilo más rupturista. La pintura se convierte en color en armonía. Mondrian junto a Kandisky son los padres de las abstracción.

Dalí durante mucho tiempo ironizó sobre la pintura geométrica de Mondrian, decía: “Piet, Piet, Piet, Piet, ‘niet’, porque ‘niet’ en ruso es ‘nada’. Se le opone Dalí, Dalí, Dalí, Dalí,”da“: es ‘sí’”

Las dos obras son un claro ejemplo de las muchos estilos vanguardistas que surgen en las primeras décadas del siglo XX. Son antagónicos, Dalí recupera la figuración, Mondrian rechaza la figuración pero Surrealismo y Neoplasticismo coinciden en defender la libertad creadora del artista, el Arte por el Arte. Artistas y estilos han influido y siguen influyendo en muchas áreas artísticas.

Hiperrealismo y la mujer por Raul Sotelo González.

Trabajo realizado por Raul Sotelo González, alumno de 2º Bachillerato de Artes Escénicas del IES San Jerónimo para la asignatura de Fundamentos del Arte. Curso 2019- 2020.

EL HIPERREALISMO Y LA MUJER (ENLACE AL TRABAJO).

Delacroix-Goya. Análisis comparativo.

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Identifica, analiza, compara y comenta las dos obras.

Sigue el guión:

  • Título
  • Cronología, hecho histórico representado
  • Autor
  • Estilo Artístico. Escuela

Análisis comparativo:

  • Significado del tema representado. Contexto histórico.
  • Soporte y técnica.
  • Color/ dibujo/ pincelada.
  • Luz
  • Composición…

Comentario:

  • El estilo artístico (características fundamentales que se vean en las obras)
  • Los artistas, sus obras y características propias. Quiénes les influyen y a quiénes influyen.
  • El contexto histórico.

Comentario del Gran Masturbador de Dalí.

El Gran Masturbador. Dalí. MRS

Salvador Dalí pinta este óleo en el verano de 1929, en un momento crucial de su vida ya que acaba de volver de París, de rodar junto a Luis Buñuel ‘Un perro andaluz’. Allí ha conocido a distintos artistas e intelectuales, como el gran poeta Paul Éluard, que le visita en compañía de (la que después se convertirá en su esposa) Gala Éluard en Cadaqués. Sigue leyendo, enlace a RTVE. es/lab

Elisabetta Sirani. Pintora barroca

Retrato de Beatriz Cenci por Elisabetta Sirani

Pintora barroca de la escuela boloñesa, se formó en el taller de su padre como la mayoría de las mujeres de esa época. Pese a una muerte prematura a los 27 años, tuvo reconocido prestigio en vida. Trabajó en el taller de Guido RENI. Inexplicablemente, durante mucho tiempo no aparece en los libros de H° del Arte.

Las obras de Sirani se centran en temas históricos y religiosos y abarcan diversas formas artísticas como la pintura, el dibujo y el grabado, aunque también realizó obras musicales y poesías.

El estilo de su pintura se caracteriza por fuertes contrastes de luz y sombra. Suaviza los contrastes con sombras tostadas. La composición es simple, la pincelada rápida. (Sigue leyendo el el blog la mujer y el arte).

Artículo. Elisabetta Sirani. El triunfo de una mujer virtuosa.

Mujeres pintoras. Elisabetta Sirani(1638-1665).