Francis Bacon, Figure with Meat (1954) Oil on canvasNumber 1. Pollock. 1949
Recuerda:
Comienza con la identificación (concluye este apartado con las posibles semejanzas, ejemplo: son dos obras pictóricas que pertenecen al estilo expresionista de la 2ª mitad del siglo XX)
Análisis comparativo (incide en las diferencias y remarca las similitudes)
Influencias (quiénes les influyen, qué estilo, también se pueden influir entre ellos)
Comentario.
Contexto (muy importante destacar la época y la actitud del artista ante el momento histórico que le ha tocado vivir)
El artista, sus obras y el papel que ocupa dentro del estilo artístico al que pertenece.
Impacto posterior: qué relevancia tienen el artista y su obra en el panorama artístico, en quién han influido, que lugar ocupan en el mundo del arte.
Sugerencias
Obra de Pollock repasa el automatismo y la importancia del subconsciente en el Surrealismo
Obra de Bacon ten en cuenta su admiración por Velázquez y la obra de Inocencio X, Buey desollado de Rembrant o la mujer gritando del Acorazado Potemkin de Eisenstein y las pinturas negras de Goya.
Piet Mondrian “Para lograr un enfoque espiritual en el arte, se necesita apoyarse lo menos posible en la realidad, porque la realidad se opone a lo espiritual”.
Observa la evolución del pintor desde la figuración a la abstracción geométrica. Le influyeron distintas vanguardias, entre ellas el cubismo y su experiencia vital.
Piet Mondrian (1872-1944) en 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo van Doesburg fundaron la revista De Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas artísticas que denominó Neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie plana, sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos.
La misión del grupo De Stijl es la de crear un nuevo arte internacional con un espíritu de paz y armonía después de la conmoción de la 1ª Guerra Mundial que englobe a todos los artistas.
Los neoplasticistas creen que el cubismo no ha ido suficientemente lejos en el desarrollo de la abstracción y que el expresionismo resulta demasiado subjetivo. En su opinión, la guerra ha desacreditado el culto a la personalidad y desean sustituirlo por una cultura más universal y ética. Los medios para hacerlo son la purificación o reducción del arte a sus elementos básicos: línea, color y forma.
Los conceptos fundamentales del movimiento son elaborados por Mondrian entre 1913 y 1917, mientras que su cuerpo teórico y su divulgación corresponden a Theo Van Doesburg. El movimiento se propone encontrar un sistema para construir un nuevo mundo de formas coherentes y organizadas. “El estilo”, abstracto y reductor, se caracteriza por la utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y superficies de colores. Este proceso no sirve sólo para pintar cuadros o realizar esculturas abstractas sino también para los espacios de la arquitectura.
El método compositivo se fundamenta en alcanzar el equilibrio de los medios plásticos mediante una renuncia explícita a la simetría clásica y mediante el empleo de los contrastes y las disonancias de color. Otro aspecto que caracteriza al movimiento artístico es su sentido universal y su deseo de unir el arte con la vida. Theo van Doesburg habla de una búsqueda de la unidad plástica: “Exigimos la construcción de nuestro ambiente según leyes creadoras, derivadas de un principio fijo. Estas leyes, de acuerdo con las económicas, matemáticas, técnicas higiénicas etc. llevan a una nueva unidad plástica” (T.V.Doesburg en: Benévolo, 1974).
Piet Mondrian en 1908, bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop, comenzó a experimentar con colores más brillantes, fue el punto de partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a París en 1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como Árboles (1912-1913) y Andamios (1912-1914). Poco a poco se fue alejando del seminaturalismo para internarse en la abstracción y llegar por fin a un estilo en el que se autolimitó a pintar con finos trazos verticales y horizontales.
Árboles de MondrianÁrbol gris, 1912
Árbol gris (1912, óleo sobre lienzo, 785×1075 mm, Gemeentemuseum, La Haya): obra en la que ya es posible ver su decantación hacia la abstracción, es una de sus primeras obras ligadas a los métodos cubistas.
Looklike. Mondrian. NeoplasticismoComposición en rojo, amarillo y azul. Mondrian. Neoplasticismo
La aplicación de sus teorías le condujo a realizar obras como Composición en rojo, amarillo y azul (1921, Gemeentemuseum), en la que la pintura, compuesta sólo por unas cuantas líneas y algunos bloques de color bien equilibrados, crea un efecto monumental a pesar de la escasez de los medios, voluntariamente limitados, que emplea.
Etapa norteamericana a partir de 1940 . En los lienzos de Mondrian desaparece el negro. Transmiten mayor optimismo. Cuando se trasladó a Nueva York en 1940, su estilo había logrado una mayor libertad y un ritmo más vivo. Abandonó la severidad de las líneas en negro para yuxtaponer áreas de colores brillantes, como puede verse claramente en la última obra que dejó acabada, Broadway Boogie-Woogie (1942-1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York, MOMA). Se inspira en el trazado urbanístico de New York.
Victory Boogie- Woogie. Mondrian. NYNew York City. Mondrian
Mondrian ha sido uno de los artistas de mayor repercusión en el siglo XX. Sus teorías sobre la abstracción y la simplicidad no sólo alteraron el curso de la pintura, sino que tuvieron una profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas. Murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.
THEO VAN DOESBURG
Contraposición con disonancias. Theo Van DoesburgComposición XX. Theo Von Doesburg. Neoplasticismo.
ARQUITECTURA DE STIJL
El cromatismo en la arquitectura neoplástica se caracteriza por el empleo de colores planos y abstractos. Su gama se reduce a los tonos primarios (el rojo, el amarillo y el azul) y los neutros (blanco, negro y gris). Las aportaciones plásticas del grupo De Stijl vienen caracterizadas por la búsqueda del equilibrio de los medios plásticos. Para los teóricos del movimiento neoplasticista, pintura y arquitectura se necesitan y completan. Son una simbiosis.
El edificio más emblemático del movimiento De Stijl es la casa Schröder, construida en Utrecht en 1924 y proyectada por el arquitecto Gerrit Rietveld (1888-1964). En el año 2000, la UNESCO la nombró Patrimonio de la Humanidad:
Exterior casa Schöder, Utrecht, 1924, G Rietveld. De Stijl.
Jean Arp (1886-1966) es una figura fundamental para la historia del Dadaísmo (fue miembro fundador), evoluciona hacia el Surrealismo y con sus esculturas biomórficas, anuncia la Abstracción. Es uno de los mejores representantes de la Escultura Surrealista junto a Giacometti y Henry Moore.
Nace en Estrasburgo (cuando pertenecía a Alemania tras la guerra Francoprusiana), muere en Basilea (Suiza). Estudia Bellas Artes y en París entra en contacto con los ambientes vanguardistas y con artistas de la talla de Picasso, Kandinsky… Le apasiona la poesía, pero termina dedicándose a la pintura, aunque gran parte de su obra son relieves y esculturas. Pronto se define su técnica dadaísta y surrealista en las formas y motivos. El punto de partida de Arp es el entorno dadaísta de Zúrich donde se exilió durante la Primera Guerra Mundial. Es el momento del Cabaret Voltaire y la protesta contra la guerra, de la provocación como forma de arte, del gusto por el absurdo y el juego… en este grupo, Arp conoce a la artista, que luego sería su esposa, Sophie Taeuber (1889-1943).
La obra de Arp gira en torno a dos temas fundamentales para el arte: el mundo vegetal y orgánico y la figura humana. La transformación que se produce en la obra de Arp va desde una figuración surrealista a otra antropomórfica.
Rectángulos ordenados según las leyes del azar. JEAN ARP, 1916-17. THE MUSEUM OF MODERN ART, NEW YORK
Ideas fundamentales:
Rebeldía, la capacidad de negación, la irracionalidad, el inconformismo y la subversión contra el orden preestablecido.
Trabaja todo tipo de materiales: escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas, la mayoría de pequeño formato; relieves en madera; crea obras con recortes de papel. Es un buen dibujante, grabador y litógrafo.
Utilizó, principalmente, una paleta de colores limitada: blanco, gris y negro.
En su estilo predominan: composiciones arbitrarias, ejecutadas al azar (lanzaba recortes de papel y según caían los dejaba / orden del azar), collages tridimensionales, líneas curvas, sinuosas, sin aristas y de formas abstractas. Establece equilibrios entre vacíos y volúmenes.
Las esculturas recuerdan a las formas que se encuentran en la naturaleza, él las denominó «esculturas biomorficas«, aludiendo a la relación que establecía entre la pura creatividad artística y las formas que surgen en la naturaleza. Son obras en bronce dorado, metal, mármol o piedra.
Hace dos tipos de esculturas, las puramente abstractas y las que nos evocan formas humanas simplificadas.
Primero hace las obras, después las titula para limitar la intervención de la mente consciente en la creación.
OBRAS:
Configuración. 1927. Dadaísmo. J. Arp
Espejo- flor. J Arp
Pechera de la camisa y tenedor. 1922. Relieve de madera pintada. H. Arp
Constelación con cinco formas blancas y dos negras. Jean Arp.
Lágrimas de Enak, J. Arp
A partir de 1930 se centra en la escultura. Mezcla las técnicas surrealistas del automatismo y las imágenes oníricas con el concepto dadaísta de azar, dando lugar a sus características formas orgánicas, conocidas como escultura biomórfica (inspiradas en las formas de la naturaleza y el azar).
En sus esculturas predominan líneas curvas, la ausencia de aristas. Utiliza materiales nobles como el bronce pulido y el mármol. Están cercanas a la abstracción y transmiten humanismo y amor por la naturaleza.
Escultura perdida en el bosque. Jean Arp. Surrealismo abstracto
Marcel Duchamp fue un artista y ajedrecista francés que se afincó en Estados Unidos. Dadaista, artista controvertido, provocador, su objetivo es desacralizar el arte.
Con el urinario, la fuente o R. Mutt 1919, demostró dos cosas: que cualquier objeto puede ser considerado arte, lo que se llamó readymade, y que el campo artístico necesitaba una revolución y un cambio en la mentalidad conservadora. La fuente es considerada la obra de arte más influyente del siglo XX. 1ª obra del arte conceptual. La estética es lo de menos, lo importante es la reflexión, la crítica al concepto del arte burgués.
Ideó lo que él llamó los ready-mades o esculturas realizadas con objetos existentes y vulgares, que fueron una de las aportaciones más importantes al arte del siglo XX. Descontextualiza lo objetos industriales dotándolos de una nueva significación. Se limitaba a escoger un utensilio corriente que al arrancarlo de su mundo cotidiano, de su ambiente de uso, lo coloca en uno de inutilidad, privándolo por completo de todo valor funcional. Entresaca los objetos de su contexto habitual y los sitúa en otros, es decir, los recontextualiza.
Su atrevimiento más espectacular fue cuando presentó en la primera exposición pública de la Sociedad de Artistas Independientes, el 9 de abril de 1917, un urinario de porcelana blanca colocado al revés con el título de Fuente. Era el máximo ejemplo de aquello que deseaba el artista francés: la desacralización del arte. Incluso renunció a su nombre adoptando el seudónimo de R. Mutt.
Los organizadores decidieron no exponer aquel objeto por considerarlo «indecente», lo cual provocó varias discusiones internas y la dimisión del mismo Marcel Duchamp, que formaba parte del comité directivo. En su alegato de protesta, el controvertido artista formuló al mismo tiempo la definición del ready-made: «Que el Sr. Mutt haya hecho con sus manos La fuente (nombre con que también se conoce El urinario) o no, carece de importancia. Él es quien la ha elegido. Ha tomado un artículo común de la vida de todos los días, lo ha colocado de modo que su significado útil desapareciera, ha creado un nuevo pensamiento para este objeto». El original de la obra se perdió, y a mediados del siglo XX, Duchamp realizó varias versiones más que actualmente se encuentran repartidas en varios museos.
El autor estaba convencido de la inutilidad de la pintura tradicional y de la necesidad de un arte basado en las ideas; por este motivo buscaba la sustitución de la obra de arte tradicional, «hecha a mano», por artículos ordinarios producidos en serie y hechos a máquina. Con sus ready-mades (es decir «lo ya hecho» u «objeto encontrado») niega el concepto tradicional de arte y se propone cuestionar el estatuto artístico, es decir, la belleza, da a entender que el único factor determinante de que un objeto tenga o no valor estético sea la misma percepción.
Desnudo bajando la escalera, número 2 de Marcel Duchamp. 1912, Philadelphia Museum of Art, Filadelfia, Pensilvania. Pintura rechazada por cubista- futurista.
La Novia desnudada por sus solteros” o el ¨Gran Vidrio¨ como es conocida esta magnífica obra, va más allá de ser una escultura o una pintura, para él es simplemente arte, arte que lleva consigo un mensaje especial y un tanto complejo, ya que se puede observar por detrás y por delante, mostrando un fondo distinto y cambiante. El artista realizó el trabajo durante ocho años, dedicando su tiempo y esfuerzo para desarrollar una obra que revolucionara el mundo del arte, categorizada por él como ¨Imagen hilarante¨.
La obra está constituida por dos hojas de vidrio divididas por una lámina de aluminio. Durante el proceso de creación de la obra, Duchampfue agregando elementos tales como láminas de oro, plomo, aceites, barniz, alambre de fusibles y hasta el polvo que se encontraba en su estudio y se adhería por sí solo al cristal.
Su construcción se basa en perspectiva, geometría, matemáticas y un exhaustivo trabajo artesanal, aún así no se consideró como terminada hasta que durante un traslado se rompió. El artista quedó fascinado con las espectaculares grietas a lo largo y ancho de su creación. Posteriormente se dedicó a pegar las piezas y las colocó en un marco de aluminio, conservándose así hasta hoy día.
A través de cada una de las partes de la obra, Marcel Duchamp trata de expresar la tensión sexual, por medio de las interacciones entre la novia que se encuentra en la parte superior sosteniendo a los nueve solteros que habitan en la parte inferior, acompañados de extraños aparatos. Todos los elementos que podemos ver se encuentran conectados entre sí, marcando un fuerte mensaje erótico, uno de los tantos mensajes de interpretación que se aprecian de la obra.
Esta creación tiene enormes significados, ya que retrata a una novia que figura con cuerpo de insecto, con algo de curvas, atrapada en una jaula y teñida por colores grises apagados, mientras que los solteros se posan coloridos, con más líneas rectas y con una especie de mecanismos hidráulicos.
Rueda de bicicleta sobre taburete, M Duchamp, 1913, MOMA, ready-made, Dadaísmo.
Duchamp crea su primer Ready Made, que viene a ser ese objeto sacado de su contexto original, desfuncionalizado y convertido en arte. Es decir en vez de ser un objeto creado por el artista, es el artista «robando» uno ya fabricado. “En 1913 tuve la feliz idea de fijar una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina y de mirar cómo giraba”. Así recordaba Marcel Duchamp, en 1961, el surgimiento del primer ready-made (así puede leerse en el libro Escritos. Duchamp du Signe). El arte se convertía así en algo que reside básicamente en el espectador y que no tiene que poseer necesariamente las cualidades estéticas tradicionales. Es una de las primeras obras del arte cinético.
L.H.O.O.Q. en francés de Elle a chaud au cul, y que suele traducirse como «Ella está excitada sexualmente o ella tiene el culo caliente». Es una de las versiones de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci que hizo en 1919, uno de los ready mades que le hicieron famoso. Una nueva provocación al concepto del arte muy del gusto dadaista robar una reproducción la Mona Lisa de Da Vinci, ponerle unos bigotes y colgarla en un museo.
Bottle Rack, 1914, Ready make. M. Duchamp. Dadaísmo
Botellero metálico no transformado que compró Duchamp y lo firmó. No hay explicaciones estilísticas, es una obra provocadora que muchos ven connotaciones sexuales siguiendo las teorías de Freud. El autor considera que el arte es banal, es una crítica, demuestra que todo vale. Anécdota: el original fue tirado por la hermana al basurero, existen unas siete réplicas. Es un canto al absurdo, una crítica a los convencionalismos.
Todas sus obras están llenas de provocación. Son una crítica al Arte y al aburguesamiento de la sociedad contemporánea.. Crea obras fetiche. Transforma objetos cotidianos en obras por el simple hecho de firmarlas. Un canto al absurdo.
El expresionismo es un movimiento pictórico donde hay una explosión de color, no para representar la realidad tal y como la vemos, sino para plasmar el estado anímico, los sentimientos, el interior.
El 1º Expresionismo surge en las primeras décadas del siglo XX en el centro y norte de Europa con el Grupo El Puente (Die Brücke) allí este estilo tiene más vigor es más estridente, destacan Nolde o Kirchner, también hay una tendencia más poética en el sur y asociada al grupo místico Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) del que formarían parte Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Paul Klee, etc.
El nazismo perseguirá a estos artistas, catalogando sus obras como de «arte degenerado».
El Museo Thyssem inaugura una exposición sobre el expresionismo alemán y la colección privada que fue adquiriendo el magnate. Heinrich Thyssen hijo, se centraría, entre las décadas de los sesenta y los noventa, en los movimientos de vanguardia, entre los que el citado expresionismo ocuparía un lugar esencial.
El Guernica es el cuadro más famoso de Picasso. Se ha convertido en un símbolo, en un grito contra la barbarie y el horror de las guerras. Ha tenido y tiene diversas interpretaciones.
El pabellón de España de la Exposición Universal de París de 1937 se convierte en un grito de auxilio del gobierno de España de la II ante el avance de los militares golpistas, la barbarie de la Guerra Civil y la pasividad de las democracias europeas. Para ello se movilizaron los nombres más reconocibles de la cultura española de la época, entre los que se encontraban Pablo Picasso, Miró (el mural El Segador, obra desaparecida) o Julio González (La Montserrat). El gobierno encarga al pintor, afincado en Francia, un cuadro de grandes dimensiones para que presida el pabellón español de la Exposición Universal de París de 1937.
El Guernica tiene un fuerte valor histórico y de denuncia; se pinta en plena Guerra Civil. Pocos días antes de iniciar el cuadro, la aviación alemana que apoyaba a Franco bombardeó el pueblo de Guernica (Vizcaya). Se considera el primer bombardeo que de manera sistemática e indiscriminada bombardea a un núcleo urbano, anuncia la guerra total de la 2ª GM. Este grave hecho afectó enormemente a Picasso y le indujo a titular así el cuadro.
Debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, el artista decidió que la pintura quedara bajo la custodia del Museum of Modern Art de Nueva York hasta que finalizara el conflicto bélico. En 1958 Picasso renovó el préstamo del cuadro al MOMA por tiempo indefinido, hasta que se restablecieran las libertades democráticas en España, regresando la obra finalmente a nuestro país en el año 1981. Desde 1992 el lienzo está colgado en una de las salas del Museo Reina Sofía de Madrid. Cumpliendo con el deseo del artista, la obra vino a España una vez instaurada la democracia.
Datos técnicos y artísticos
Picasso antes de iniciar el cuadro hizo numerosos bocetos preparatorios sin alusiones al bombardeo. Son un alegato contra la barbarie de las guerras.
El lienzo tiene unas dimensiones considerables (3,50 x 7,80). Lo pinta con la técnica del óleo en blanco, negro y variaciones de grises, como símbolo de luto, para acentuar el dramatismo.
Es de estilo cubista (estilo que descompone las imágenes reales y las representa en un mismo plano de forma geométrica), expresionista y simbólico. La composición se organiza en triángulos, destacando el central. Y en dos grupos de figuras representadas: seres humanos (soldado herido, varias mujeres y niño muerto) y animales (toro, caballo y paloma). La línea está claramente definida.
Análisis simbólico
Propongo un recorrido por el cuadro como si fuera un tríptico, de izquierda a derecha, con una mirada lenta, pausada:
Busquemos en primer lugar los nueve símbolos, cuatro mujeres, un soldado y tres animales: toro y caballo (los tótem de España) y la paloma .
Observaremos que todos los rostros tienen una expresión parecida con bocas abiertas, desesperadas. Transmiten angustia. Incluso la lengua del caballo aparece afilada como una lanza.
A la izquierda del lienzo
Aparece el toro tenso y estupefacto, para muchos representa a España, la violencia del fascismo, la brutalidad irracional.
Bajo él, se encuentra la mujer desesperada con su hijo muerto en brazos que recuerda a la Pietá de Miguel Ángel y a todas las piedades cristianas.
Al fondo entre el toro y el caballo, casi difuminada por el tono oscuro, la paloma de ala caída que ya no puede volar y que simboliza la paz rota.
Ahora, miremos el triángulo central:
La bombilla/ojo cenital, alumbra todo, tiene un gran protagonismo y su significado no está claro.
El caballo que relincha y se retuerce mal herido atravesado por una lanza, ocupa la parte central. Representa a los inocentes que mueren en las guerras.
A sus pies, el hombre descuartizado, agonizante, empuña un puñal y una flor. Recuerda a los soldados que mueren en el frente. La flor simboliza la esperanza.
Dirijamos los ojos a la derecha, al lugar donde el mundo femenino es el gran protagonista. Posiblemente represente el sufrimiento de la población civil en las guerras.
Observemos a la mujer que huye despavorida mientras sujeta la pierna maltrecha, hay fotografías de ciudades bombardeadas muy similares a este efecto. Simboliza el terror que produce en la población el bombardeo nazi.
Sobre ella, una mujer alarga el brazo. El quinqué que porta, ilumina la desgarradora escena que aparece ante sus ojos. Para muchos historiadores es una alegoría de la República.
Por último, fijemos nuestros ojos en esa mujer que levanta los brazos al cielo pidiendo clemencia mientras arden las casas. Posiblemente es la única referencia al bombardeo, la mujer tiene un gesto de súplica y la postura recuerda a los Fusilamiento de Mayo de Goya.
Seguro que al finalizar el recorrido tenemos la sensación de que del lienzo surgen gritos, ruidos ensordecedores, bombas, llantos, dolor mucho dolor. Entonces comprenderemos que el cuadro es un rechazo contundente a la violencia. Es un no a la guerra y un no al sufrimiento gratuito. El Guernica hoy tiene un valor universal por lo que expresa y denuncia.
Desayuno en la hierba. 1963. Manet. Preimpresionismo
Identificación
Nombre: Desayuno en la hierba
Género: escena campestre
Técnica Óleo sobre lienzo
Tamaño. Grande, 208 cm × 264,5 cm
Localización Museo de Orsay, París,
Año 1863 Autor Édouard Manet
Estilo Preimpresionismo
Datos para el análisis
Escena campestre que provocó un gran escándalo, a orillas del Sena aparecían una mujer desnuda almorzando despreocupadamente con dos hombres completamente vestidos, lo que ofendía a la moralidad de la época, se acentuaba por el hecho de que las figuras eran reconocibles. La obra es pasto de la burla de los críticos y el público.
La historia de esta obra empieza cuando en 1863, la Academia de Francia no admite que se exponga en el Salón Oficial de París y se expone en el Salón de los Rechazados.
La obra será decisiva para el nacimiento del Impresionismo y para la pintura moderna.
Los jóvenes que iniciarán el movimiento impresionista quedan descolocados y a la vez muy entusiasmados con esta obra revolucionaria: la pincelada suelta que que hace que las figuras parezcan inacabadas pero con más vida, el tratamiento más natural de la luz y una ruptura escandalosa con las enseñanzas de la tradición académica: el artista no pinta “como le enseñan” sino que pinta lo que él experimenta personalmente, lo “vivo”. Es una afirmación a favor de la libertad individual del artista.
Fusilamiento del emperador Maximiliano de Austria, 1964. Manet
Identificación
El fusilamiento de Maximiliano
Género: pintura histórica. Técnica: Óleo sobre lienzo Tamaño, grande, 252 cm × 305 cm. Año 1867 Autor Édouard Manet Localización National Gallery de Londres.
Estilo: Preimpresionismo
Contexto histórico
Manet pinta la ejecución de Maximiliano de Austria, emperador de México. Elegido por Napoleón III como títere de Francia para favorecer sus intereses colonialistas. La oposición de los mejicanos fue brutal, los franceses se retiraron y Maximiliano fue capturado y condenado a muerte junto a dos de sus generales.
Aquí Manet quiso documentar el momento a modo de crítica a Napoleón III. El monarca censuró la obra y prohibió la exposición y así la obra se hizo famosísima. Llama la atención que el escuadrón de fusilamiento no vista el uniforme mexicano, sino el francés, una forma de culpar a Napoleón III del suceso. En cambio quien sí lleva sombrero mexicano es el propio Maximiliano.
Para esta obra, Manet se basa explícitamente en Los fusilamientos del 3 de mayo de su idolatrado Goya (ambos padres del impresionismo). Composición, colocación, figuras abocetadas…
Un bar del Folies-Bergère. Manet. 1882. Impresionismo
Última y para algunos mejor obra de Manet.
Género: escena interior. Espectáculo. La vida nocturna en bares y cabarets del París de finales del siglo XIX. En concreto refleja la barra y a una de las camareras, Suzón, del cabaret Folies- Bergère. El cabaret se situaba en Montmatre, lugar al que acudían trabajadores, prostitutas, burguesía, intelectuales y artistas que se divertían en la noche.
Este cuadro reúne las características del Impresionismo y modernidad, capta un instante inmediato donde la camarera está ensimismada y agotada, el juego del espejo creando un enfoque novedoso, la luz se recrea en los bodegones, naturalezas muertas, que forman botellas y frutas encima de la barra, el fondo casi difuminado, pintado con pincelada suelta, largas y yuxtapuestas, la utilización de las sombras con color, los tonos claros, la vida urbana.. Es un cuadro para mirar. El local tiene luz eléctrica como se observa en la gran lámpara de la sala.
Composición: clásica, triangular. También se estructura en líneas horizontales rotas por la verticalidad de la camarera. Los reflejos imposibles. Fuerte influencia española.
Onement Vi (1953). El pintor abstracto Barnett Newman realizó esta obra en los años 50. Fue vendida en 2013 por un precio récord de 43.8 millones de dólares a Sotheby’s.
Eugenio Salvador Dalí nació y murió en Figueras, Gerona ( 11 de Mayo de 1904- 23 de Enero de 1989).
Junto a Picasso y Miró son los pintores españoles más universales del Arte Contemporáneo. Estudió en Madrid, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y vivió en la Residencia de Estudiantes, lugar de encuentro intelectual a principios del siglo XX español, allí conoce a Buñuel y Lorca con los que entabla amistad. Viaja a París y se convierte en el miembro más escandaloso y ruidoso del grupo de los surrealistas. Escribe con Buñuel dos guiones de cine: Un perro andaluz y La edad de oro. Conoce a Gala, se convertirá en su musa, asesora y esposa.
Entre 1940 y 1955 triunfa y gana dinero en USA, vendiendo cuadros y adquiriendo relevancia comercial. Descubre la importancia de la publicidad y de la propaganda; Dalí consciente de su potencialidad, la aprovecha para dar rienda suelta a su imaginación y crearse una imagen de personaje extravagante. En EEUU, colabora con el mundo del cine, graba Destino con Walt Disney y Recuerda con Hitchcock.
En 1955 renuncia a su condición de escandalizador y no rechaza los fascismos, hecho que detestan sus seguidores. Regresa a España, y el Franquismo lo recibe con grandes vítores.
Características técnicas y estilísticas:
Dalí crea su método pictórico el «crítico-paranoico» frente a la otra corriente surrealista del automatismo (mezclar la realidad con imágenes no pensadas). Es un método inspirado en el psicoanálisis de Freud y el impacto que le produjo su obra, La interpretación de los sueños.
Es un proceso que parte deimágenes realescolocadas arbitrariamente en el lienzo para dejar aflorar las fobias, sueños, alucinaciones, obsesiones del artista, surgiendo composiciones caóticas, delirantes, enigmáticas… que provocan múltiples interpretaciones en el espectador, a través de esas imágenes dobles cada espectador verá unas u otras realidades en un cuadro de Dalí, dado que cada uno de nosotros lo interpretamos desde nuestros subconsciente. “Lo que vemos en las cosas no está en las cosas, sino en el fondo de nuestra alma”, explicaba el pintor. Dalí pretende que al interpretar sus obras liberemos obsesiones, fobias, y todo lo que llevamos guardado en el inconsciente. Enlace que explica el método
Dalí define muy pronto su estilo pictórico como se demuestra en alguna de sus grandes obras:,El gran masturbador o La persistencia de la memoria. En ellas aparecen los rasgos que definen su pintura:
Parecen fotografías hiperrealistas de los sueños siguiendo los principios del psicoanálisis de Freud.
Utiliza dobles imágenes. Pinta imágenes que según sea la percepción del espectador puedan ser entendidas de múltiples formas
La unión de objetos incongruentes entre sí.
Las metamorfosis (transformación o un cambio en la forma). Las Metamorfosis de Narciso (obra más importante de la literatura clásica, poema escrito por Ovidio).
Temas predominantes:
Lo escatológico. La putrefacción. Los excrementos.
Las formas derretidas de relojes (estilo camerbert) o comestibles representando el paso del tiempo
Una visión negativa de la sexualidad: La castración y en general la visión negativa y llena de terrores atávicos sobre la sexualidad, la desarticulación orgánica, el canibalismo (La belleza será comestible o no lo será, Breton), la masturbación (GranMasturbador), la sodomización,
Provocación.
Obsesión por representar el subconsciente y lo onírico.
Características técnicas
Gran dominio del dibujo, preciso y detallista.
Ejecución academicista. Contenido Surrealista.
Utilización de una paleta suave, sin estridencias.
Perspectivas clásicas, inmensas, cónicas que dan enorme profundidad a las obras.
Composiciones limpias y ordenadas pero inquietantes.
Obsesión por representar la tridimensionalidad de los objetos. Representa el tiempo.
Figuras equívocas imposibles, descabezadas y convulsas, para después componerlas a su antojo.
Academicista y clásico en las formas, barroco y rompedor en la ejecución.
Utilización de elementos oníricos, sexuales, animales (elefantes, tigres, leones, etc.), frutos.
Pinta formas blandas derretidas (simbolizan el deterioro de la memoria, el paso del tiempo), sostenidas por bastones.
Admiración por los artistas clásicos.
Aparición reiterada de Gala: Leda atómica, Gala desnuda, etc
Obsesión por lo religioso como: la Madona de Port Lligat, La Última Cena o Santiago el Mayor o el Cristo de San Juan de la Cruz.
Otras obras: El gran paranoico, La metamorfosis de Narciso y Canibalismo en Otoño, Premoniciones de la Guerra Civil, El sueño de Cristóbal Colón, Cisnes como elefantes,
Realizó abundantes dibujos a lápiz, se prodigó en la cerámica y la artesanía e hizo pequeñas esculturas (ready-mades), siendo un genio reconocido en vida y valorado en un mercado con cifras astronómicas para sus obras. Desde la muerte de Gala en 1980 hasta su propio fallecimiento, redujo sus apariciones públicas, retirado en Cadaqués. Nos ha legado una ingente obra y su propia genialidad.
Obras
Muchacha en la ventana, 1925
“Figura en una finestra” (1925). Museo Reina Sofía. Dalí. Época de formación. Museoreinasofia.es El gran masturbador. 1929, Surrealismo. Museo Reina Sofía
El pintor muestra aquí un catálogo de sus principales obsesiones sexuales, elementos que formarían su universo pictórico como el saltamontes, bicho que lo aterrorizó desde su infancia y que intenta meterse en su boca; las hormigas que el artista asocia siempre a la muerte; el león como símbolo de poderío sexual; o esa figura femenina (probablemente Gala, su nueva musa) que le va a practica una felación a esos genitales ceñidos en unos calzoncillos.
Elementos que van de lo fláccido a lo duro, símbolos que remiten a la sexualidad, a la infancia, a los sueños… a lo más profundo del subconsciente. Sigue leyendo en HA
Comentario del gran masturbador en el blog el Señor del Biombo. Enlace
Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) 1936.
Retrato de Mae West o apartamento surrealista (1935). Enlace
El enigma de Hitler (1937)
La tentación de San Antonio, 1946
Retrato de Picasso, 1947
» MI ESPOSA DESNUDA » 1945. Salvador Dalí . Fundación Gala-Dalí . Figueras . Óleo sobre lienzo 42 x 32 cm .
La Madonna de Port Lligat, 1950
Galatea en las esferas, 1952
El Cristo de San Juan de la Cruz, 1951
Dalí y el Cine
Salvador Dalí y Walt Disney- Destino. Corto de animación
Salvador Dalí firma un contrato con Walt Disney para la realización de un cortometraje de animación titulado Destino.El guión y montaje iban a ser suyos. Para trabajar en el proyecto, el pintor se instala en los Disney Studios de Burbank (California), lugar donde procede al desarrollo del argumento y a la realización de los dibujos y óleos. Los protagonistas, una bailarina y un jugador de béisbol/dios Cronos, desarrollan el concepto original de Dalí, que gira en torno a la importancia del tiempo cuando esperamos que el destino llegue a nuestras vidas. La canción escogida como banda sonora del film, Destino, del mejicano Armando Domínguez, inspira fuertemente al pintor en el desarrollo de su trabajo.
La película debía formar parte de un package film y debía tener una duración de entre 6 y 8 minutos. Sin embargo, sólo se llegaron a realizar 15 segundos y no es hasta el 2003 que Disney retoma y completa el proyecto recuperando las primeras ideas y bocetos de Dalí.
Película de intriga, psicoanálisis, amor y suspense con protagonistas
Buscando introducir el psicoanálisis en sus películas, Alfred Hitchcock contactó en 1945 a Salvador Dalí para crear la escenografía de la secuencia onírica del protagonista de la película «Spellbound» («Recuerda» en España). Fue así como el español produjo más de 20 minutos de escenas surrealistas, de los cuales sólo unos pocos minutos fueron aprobados para la edición final. Arquitecturas imposibles y esquizofrénicas escenografías con ojos de gran tamaño se ven finalmente en la película, las que por su estilo se pueden relacionar directamente con sus pinturas.
Hitchcock comenta: «Yo tenía la impresión de que si tenían que presentarse secuencias oníricas, éstas debían ser vívidas… utilicé a Dalí por su gran ejecución gráfica. Deseaba presentar los sueños con una gran nitidez y claridad visuales, más precisos que el propio film: las largas sombras, la infinitud de la distancia y las líneas convergentes de la perspectiva”.
Evento a celebrar entre el 4 al 10 de marzo de 2019 en Sevilla que engloba diversas actividades relacionadas con la historia, el patrimonio, la cultura y la ciudadanía.
levanta los brazos al cielo pidiendo clemencia mientras arden las casas. Posiblemente es la única referencia al bombardeo, la mujer tiene un gesto de súplica y la postura recuerda a los Fusilamiento de Mayo de Goya.
Fundamentos del Arte II 