Miró. Surrealismo lírico-abstracto

Es uno de los mejores pintores del siglo XX. Nació en Barcelona y vivió hasta el final de sus días en Palma de Mallorca. André Bretón dijo de él “probablemente el más surrealista de todos nosotros”

Su pintura evoluciona de una etapa mediterránea donde sus cuadros están llenos de luz, alegría y sencillez, a una breve época de escarceos cubistas y dadaístas hasta alcanzar la madurez a partir de su viaje a París; ciudad donde entró en contacto con los numerosos movimientos artísticos de vanguardia (obra: La Masía). También viajó a Holanda (serie de óleos titulados Interior holandés I, II, III)

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La Masía. Miró. 1921

A partir de 1924 entra en contacto con Breton y los surrealistas. Crea un lenguaje expresivo propio, una pintura lírica, poética, y con un toque infantil, huye del academicismo, reduce las formas a color y símbolos que transmiten alegría y lirismo. Representa el mundo onírico en grandes manchas de colores como se observa en Carnaval del Arlequín.

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El carnaval de Arlequín, 1925. Surrealismo

En esta obra aparecen los símbolos que repetirá en sus obras posteriores:

  • Esfera oscura (globo terráqueo), estrellas, el gato, abeja, peces,  escalera (fuga), objetos inanimados, inventados, notas musicales, instrumentos…
  • Todos ellos parecen flotar en una habitación representada por una pared y un suelo en perspectiva dando profundidad.
  • Ventana abierta con elementos mironiano (recurso que sirve como línea de fuga).
  • Colores primarios: azul, amarillo y rojo Y los no colores: blanco y negro.
  • Fantasía y lirismo
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Interior holandés I. Joan Miró
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El tañedor de laúd. Sorgh. 1661

Es uno de los máximos representantes del Surrealismo Autómata, proceso artístico en el que se crea de manera rápida, libre, sin control de la razón para lograr la plena libertad y que fluya el inconsciente utilizando  y repitiendo símbolos.

Le influyen los pintores holandeses (Interior holandés I recuerda la obra de Sorgh el tocador de laúd), el color del Fauvismo, el cubismo en la descomposición de las formas y la bidimensionalidad,   el automatismo, Kandinsky con las formas suaves, el mundo microscópico, etc.

Desde 1956 residió en Palma de Mallorca. En su última fase pictórica, sintetiza las formas y en contraposición los títulos son más largos, la obra se reduce a juego de colores intensos o contorneados por vigorosos trazos negros. Se aproxima al Surrealismo abstracto como se observa en las obras: Personaje fascinante  o “Ala de la alondra aureolada de azul de oro llega al corazón de la amapola que duerme sobre el prado engalanado de diamantes”.

También experimentó con las esculturas-objetos, la litografía, la cerámica, aguafuertes, pintó grandes murales y decorados teatrales como los mosaicos-murales del palacio de la Unesco en París en 1950 y el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. Incluso logotipos como el de la Caixa. Tuvo un gran reconocimiento y prestigio mundial.

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Evolución hacia la abstracción

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El oro del azul. Miró.
Azul II. Miró

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El ala de la alondra aureolada de azul de oro llega al corazón de la amapola que duerme sobre el prado engalanado de diamantes. 1967. Miró

Los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev (1909-1929)

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Cuando el Arte baila con la música

Imagen relacionadaDiaghilev fue un acaudalado empresario ruso, culto, polifacético,  mecenas de las artes. Perteneció al grupo “El mundo del arte”. Fundado por un grupo de jóvenes intelectuales burgueses de San Petersburgo. Pretendían conseguir que Rusia conociera el arte que se estaba realizando en el resto de Europa, que despertara y rompiera el aislamiento que había mantenido durante siglos. También pretendían dar a conocer la cultura rusa al resto del continente.

Diaghilev fundó  en 1907, con tan sólo 35 años, los famosos Ballets Rusos. La compañía incluía los mejores bailarines y bailarinas de Rusia, entre los cuales se encontraban la mítica Anna Pavlova y el célebre Vaslav Nijinsky: el Dios de la danza, uno de los bailarines más dotados de todas las épocas.

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Ambos revolucionaron la danza, crearon el ballet moderno. Convirtieron a Los Ballets Rusos en la compañía más influyente del mundo.

Creó el estilo Diaghilev caracterizado por

  • Incorporar al ballet todas las artes y todas las corrientes vanguardistas. Se reunió de los mejores  músicos como Ravel, Falla, Debussy, Stravinsky, coreógrafos, artistas como Matisse, De Chirico, Picasso (realizó los trajes cubistas en 1917 para Parade), diseñadores (Coco Chanel)

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  • Concedió la misma importancia a los bailarines que a las bailarinas.
  • Introdujo en la representación elementos familiares para establecer una empatía con el público y prepararle para  un cambio más conceptual, provocador y radical como  en la Consagración de la primavera de 1913 donde  los ritmos asimétricos de la partitura de Stravinski y los movimientos insólitos de Vaslav Nijinski, que llegó a simular una masturbación en escena, supusieron un escándalo.

Admiró la cultura,  el folklore, colorido de España. Lugar donde pasó temporadas. Nunca escondió su homosexualidad. Murió pobre, Coco Chanel le pagó su entierro.

Los Ballets Rusos fueron un acontecimiento a nivel mundial, una verdadera vanguardia y un gran cambio comparado con los ballets tradicionales.

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Obras destacadas

  • Petrouchka fue un éxito absoluto.
  •  La siesta del fauno, de Debussy,
  •  La consagración de la primavera, sobre la partitura de Stravinsky
  • Parade

Para saber más consulta

Trailer de la película Nijinsky, 1980

5. Las claves del cine surrealista. Luis Buñuel

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El surrealismo es un arte de vanguardia multidisciplinar (se manifiesta en literatura, pintura, escultura, cine, etc). En el mundo del séptimo arte uno de los directores más emblemáticos del Surrealismo y de todos los tiempos, fue Luis Buñuel (1900-1983).

 Hijo de una familia burguesa, estudia en Residencia Libre de Enseñanza donde conoce a Dalí y Lorca. En los años 20 se traslada a París y allí entra en contacto con las vanguardias y especialmente con el Surrealismo.

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Se convierte en el cineasta más representativo del Surrealismo. Su influencia e importancia dentro de la historia del cine está a la altura de los más grandes directores de todos los tiempos, Welles, Hitchcock, Ford, Kurosawa, Fellini o Bergman.

 Los rasgos que definen al cine surrealista y que quedan plasmados en la filmografía de Buñuel son:

  • Utilización de temas recurrentes: el erotismo, la sexualidad, lo prohibido, el anti-fascismo, la religión, la moralidad, la burguesía.
  • El cine también se  lanza a experimentar con el “automatismo Psíquico”, el subconsciente, lo irracional, el psicoanálisis, ataca el orden lógico (critica la racionalidad), el orden estético (se enfrenta al “buen gusto” burgués) y el orden moral (rechaza los valores de la sociedad burguesa).
  • Objetivos: Desconcertar, violentar, provocar y criticar una época, ese era el reto. Acabar con la cultura burguesa.
  • Guion: rompe con la narración lineal clásica, es decir el relato audiovisual no sigue un orden cronológico ni racional. Se juega con la fantasía onírica, se plantea el libre ejercicio del pensamiento. Aparecen imágenes insólitas, que carecen de principios estéticos y morales, expresan violencia simbólica y/o física y buscan impactar a los espectadores. El argumento es secundario.
  • Parte técnica: Registro y montaje de las obras.Resultado de imagen de buñuel un perro andaluz
    • Las cámaras son lentas y siguen al personaje durante las acciones que realiza (travelling/paneo de seguimiento).
    • Abundan los planos cortos.
    • Las uniones entre secuencias y planos suelen ser absurdas, los tiempos y espacios son confusos sin tener una explicación lógica (de la puerta de la habitación se sale a una playa por ejemplo), para determinar la temporalidad se utilizan placas ( ejemplo en un Perro Andaluz “en primavera…”)
    • Las transiciones entre escenas lo hacen superponiendo imágenes y la fundido en negro o transparente. Se dividen en actos.
    • Recurren a la comparación, a lo simbólico y a lo conceptual (como por ejemplo la idea del corte).
    • La parte más iluminada es el centro de la escena mientras que los bordes del plano están oscurecidos.
  • Personajes: Los curas y los vagabundos, los perros y los burros, los pechos y las piernas femeninas, los zapatos de tacón y lo clerical, el barro y la mierda, la muerte y el sexo reprimido, el deseo y el humor.

La filmografía de Buñuel se divide en tres etapas: sus inicios en España y Francia, su estancia en México y su regreso a Europa. A la primera etapa corresponde su cine surrealista, aunque características de este movimiento no le abandonan nunca

.  Las películas más representativas son:

Un perro andaluz (1929)

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 El manifiesto surrealista del cine. Una colección de sueños y locuras salidas de las inquietas mentes de Dalí y Buñuel. El título, una posible referencia negativa al tercer vértice del triángulo de genios, Federico García Lorca.

Es un cortometraje (17 minutos) mudo, en blanco y negro. La banda sonora se añadió en 1960 (melodías de Wagner y tangos argentinos). El director, montador y productor fue Buñuel.  La película está realizada a partir de un guion de Buñuel y Dalí desarrollado mediante una regla de esencia surrealista: “No aceptar explicación racional, psicológica o cultural. Abrir todas las puertas a lo irracional.” Es insólita, provocativa y en contra de toda lógica, se estructura en cinco actos. El objetivo de esta película era ” asesinar la cultura burguesa”, desconcertar, violentar, provocar y criticar una época.

El rodaje duró quince días. El estreno fue en París, y las reacciones no se hicieron esperar, la gente salió espantada, impresionada.

La escena  más famosa,  impresionante, polémica  y símbolo del cine surrealista es en la que Buñuel corta el ojo de una mujer con una navaja.  Los críticos lo llaman “Castración simbólica”. Nos dice que para mirar el film y la vida en general hay que cegarse primero de todo aquello que le da una perspectiva burguesa a la visión, tanto las costumbres, las inhibiciones, los valores morales y religiosos aprendidos.

Ficha técnica

  • Título original: Un chien andalou
  • Formato: cortometraje mudo en blanco y negro
  • Director: Luis Buñuel
  • Guión: Luis Buñuel y Salvador Dalí
  • Director de fotografía: Albert Duverger
  • Montaje: Luis Buñuel
  • Decorados: Pierre Schilzneck
  • Música: Fragmentos de “Tristán e Isolda”, (Richard Wagner), de Beethoven y canciones polulares (tangos)
  • Productor: Luis Buñuel, París, Francia
  • Año: 1929. En 1960 se incorporó la banda sonora.
  • Duración: 17 min.
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 La Edad de Oro (1930), es una sátira surrealista y poética, pero sobre todo un ataque metafórico a los pilares burgueses, la moral cristiana y el orden.

Enlace a la película completa

Las Hurdes (Tierra sin pan) (1933).

Se trata de un documental de autor, en el que Buñuel mostraba con especial crudeza el panorama terrible de la comarca más aislada de España y sus gentes. Con un claro mensaje de denuncia que pretende  remover unas cuantas conciencias. Enlace al resumen de las mejores fotogramas. Las Hurdes/ Tierra sin pan

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Los olvidados (1950)

 La obra maestra de la etapa mexicana, Buñuel vuelve a conjugar magistralmente surrealismo y realidad social, logrando un retrato devastador de los bajos fondos mexicanos que hizo que los sectores más ‘biempensantes’ de la sociedad mexicana pidieran su expulsión del país. Pertenece al patrimonio audiovisual de la UNESCO.

VIRIDIANA . Una obra de arte

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Viridiana (1961): La vuelta a España supuso una nueva obra maestra y la única Palma de Oro del Festival de Cannes que ha ganado nuestro país. No se pudo ver en nuestras salas hasta después de la muerte de Franco. ‘Viridiana’ es un película libre que supone una de las cimas de la trayectoria de Buñuel. En una demostración más de la ceguera de la censura, el único cambio que le obligaron a realizar en la película fue el final, en el que el personaje de Viridiana llamaba y entraba en la habitación de su primo. Buñuel, socarrón, lo cambió por la partida de tute más escandalosa de la historia.

Buen comentario en el Blog de Cine

Otras obras maestras de épocas posteriores son El ángel exterminador,  Belle de Jour, El discreto encanto de la burguesía, etc.

Televisión Española ofrece recursos y una buenísima documentación sobre Luis Buñuel y su  filmografía:

Las claves del cine expresionista alemán

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Fotograma. El Gabinete del Doctor Caligari. 1920. R Wiene

El Expresionismo es un movimiento vanguardista que alcanza su cenit en el periodo de entreguerras. Este movimiento artístico también  se manifiesta en  las producciones cinematográficas (fundamentalmente en Alemania). El expresionismo es una actitud vital ante la época que les ha tocado vivir, es un grito de angustia y de rechazo.

Las  características más relevantes de esta corriente cinematrográfica son:

  • Contexto: Periodo de Entreguerras. Aparece en plena República de Weimar. Alemania ha sido derrotada en la Primera Guerra Mundial y tras el Pacto de Versalles vive una situación traumática (desencanto, destrucción, ruina, miseria, profunda crisis económica, social y política, humillación, etc.). El cine aparece como elemento de evasión.Resultado de imagen
  • Guion: las películas expresionistas se dividen en actos. Representan mundos irreales y argumentos ajenos a la realidad, distorsionados.  Crean personajes malvados.
  • Temática: diversa, va desde el pasado medieval al futuro. Aparecen seres visionarios, vampiros, seres de personalidad desdoblada. Rechazan la autoridad, critican al Estado y la burguesía.
  • Técnica del rodaje
    • Cine mudo, gestual y simbólico. En blanco y negro.
    • Uso de ángulos extravagantes. No hay prácticamente ningún movimiento de cámara -tan sólo algunas breves panorámicas- y la mayoría de las escenas se presentan en plano general.
    • Escenografía: destaca la utilización de decorados pintados, teatrales. Se rueda en interiores para incidir en la inquietud. Decorados irreales y cercanos a la pesadilla, siniestros. Reflejan ambientes grotescos, distorsionados, asfixiantes.
    • Iluminación: fuertes contrastes lumínicos. Utilizan las sombras y las luces como elemento expresivo. Las sombras son intensas y alargadas, presagian sucesos amenazantes. Ejemplo en El gabinete del doctor Caligari , el doctor al extender sus manos proyecta su sombra sobre el muro.
  • Actores
    • Representan a personajes malvados, misteriosos, siniestros, dictadores, tiranos, monstruos, muchas veces ambivalentes. Por ejemplo, Caligari es al mismo tiempo un charlatán de feria y un eminente doctor.
    • Vestuario y maquillaje: se caracterizan por vestir capas y sombreros de copas; sus manos son extremadamente salientes, crispadas, angulosas y estilizadas. Maquillaje: gran protagonismo, tétrico, exagerados, excesos de negros. Transmiten angustia. Parecen máscaras.
    • La interpretación: Movimientos abruptos y duros, exagerados, teatrales.

Expresionismo aleman de Eva Avila

Las obras cumbres del expresionismo alemán:

 El gabinete del doctor Caligari (1920) del director Robert Wiene

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Es la primera  película de cine mudo expresionista, la más conocida y emblemática.

Mediante un flashback, nos cuenta la historia del Doctor Caligari un hipnotista que utiliza sus poderes para cometer asesinatos por mediación de un extraño ser llamado Cesare. El gabinete del doctor Caligari, juega con la magia y con la adivinación a través del destino que un loco vidente (Cesare) director de un psiquiátrico le pronostica a un joven.

La historia es una metáfora criticando el comportamiento del  gobierno alemán durante la guerra: Caligari, que representaba al Estado, inducía a un sonámbulo, el pueblo, a perpetrar asesinatos. Cesare, adiestrado para matar, era una víctima inocente del ansia de dominación de Caligari, que, encima, era el director del manicomio, decidiendo quien estaba sano y quién no.

Nosferatu (1922) de Murnau

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 Adaptación libre de la novela fantástica “Drácula”. Cuenta la historia del Conde Orlok, interpretado de forma magistral por Max Schreck (para muchos entendidos la mejor interpretación de Drácula). La cinta era una adaptación libre y sin autorización de la novela de Bram Stoker.

Novedades: frenteImagen relacionada a la estética expresionista de rodar todo en interiores y con decorados, rueda en escenarios naturales cuidadosamente elegidos, mezclando de manera genial
realidad y fantasía. Con claras Influencias de las sombras chinescas.
La iluminación del film es probablemente uno de los mayores logros de Murnau, utilizó el virado, técnica que teñía de azul el negativo para simular la noche y en sepia para simular ambientes diurnos. Otra novedad tiene que ver con los protagonistas: el monstruo, Nosferatu se enamora (mito de la bella y la bestia/ Influencias del Romanticismo). Influirá en todas las versiones posteriores sobre Drácula y sobre el cine de terror en general.

Buen análisis en

Metrópolis (1927). Fritz Lang

Es la obra cumbre del expresionismo y una de las cintas más emblemáticas de la Hª del cine. Es una película muda y de ciencia ficción. Caracterizada por  la monumentalidad de los diseños arquitectónicos futuristas. El guion fue escrito por su esposa Thea Von Harbou.
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La película plantea la problemática de la clase obrera. El trabajo como alienación del individuo. La dicotomía entre explotador y explotado/ entre las máquinas y los hombres/ entre el gran Hermano (el poder represivo que todo lo ve) y la clase trabajadora alienada. Lo que se traduce en una ideología conservadora, una  llamada a la calma obrera, al entendimiento idílico entre explotador y explotado. El amor fraterno ante la desigualdad. Esta película influirá en muchas posteriores como Tiempos Modernos de Charles Chaplin o en  Blade Runner de Ridley Scott, 1982.

Fue el primer film que  la UNESCO  incluyó en el Patrimonio Audiovisual de la Humanidad, en el 2001. (enlace)

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Sipnosis

Ambientada en una gigantesca ciudad futurista del año 2026 nos muestra una sociedad en crisis que, curiosamente, enfrentaba los mismos desafíos que el Berlín de los años veinte. Lang presenta dos clases sociales claramente diferenciadas: la clase dominante, que posee en exclusiva el poder económico e intelectual, vive en medio del lujo en la superficie, y la clase de los trabajadores, al servicio de las máquinas, habita una ciudad infame excavada en el subsuelo. El líder de la clase superior, director-amo de la ciudad, es Johan Fredersen. Los hijos de la clase social dominante viven en el “Club de los hijos” dedicados al ocio y al disfrute sensual. Freder, el hijo de Johan, conoce a María que, rodeada de niños-obreros, penetra en el “Club de los hijos” para mostrar a los privilegiados la cruda realidad de los trabajadores. Freder se enamora perdidamente y, al perseguirla, conoce las verdaderas condiciones materiales de vida de la clase trabajadora. En la fábrica, cuyas máquinas sostienen la gran ciudad, tiene una visión del progreso tecnológico que se le muestra bajo la forma Moloch o Baal, malvada deidad del Antiguo Testamento que se alimenta de sacrificios humanos.

Buenos comentarios en los siguientes enlaces:

En el siguiente vídeo se ve la representación de los dos mundos: la ciudad de los trabajadores (impresionante la escena que representa a los obreros en el cambio de turno)

Jean (Hans) Arp. Del Dadaismo al Surrealismo Abstracto. Escultura biomórfica.

Aconsejable visitar la fundación Jean Arp

Jean Arp (1886-1966) es una figura fundamental para la historia del Dadaísmo (fue miembro fundador), evoluciona hacia el Surrealismo y con sus esculturas biomórficas, anuncia la Abstracción. Es uno de los mejores representantes de la Escultura Surrealista junto a Giacometti y Henry Moore.

Nace en Estrasburgo (cuando pertenecía a Alemania tras la guerra Francoprusiana), muere en Basilea (Suiza). Estudia Bellas Artes y en París entra en contacto con los ambientes vanguardistas y con artistas de la talla de Picasso, Kandinsky… Le apasiona la poesía, pero termina dedicándose a la pintura, aunque gran parte de su obra son relieves y esculturas. Pronto se define su técnica dadaísta y surrealista en las formas y motivos.
El punto de partida de Arp es el entorno dadaísta de Zúrich donde se exilió durante la Primera Guerra Mundial. Es el momento del Cabaret Voltaire y la protesta contra la guerra, de la provocación como forma de arte, del gusto por el absurdo y el juego… en este grupo, Arp conoce a la artista , que luego sería su esposa, Sophie Taeuber (1889-1943).

La obra de Arp gira en torno a dos temas fundamentales para el arte: el mundo vegetal y orgánico y la figura humana. La transformación que se produce en la obra de Arp va desde una figuración surrealista a otra antropomórfica.

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Rectángulos ordenados según las leyes del azar. JEAN ARP, 1916-17. THE MUSEUM OF MODERN ART, NEW YORK

Ideas fundamentales:

  • Rebeldía, la capacidad de negación, la irracionalidad, el inconformismo y la subversión contra el orden preestablecido.
  • Trabaja todo tipo de materiales: escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas, la mayoría de pequeño formato; relieves en madera; crea obras con recortes de papel. Es un buen dibujante, grabador y litógrafo.
  • Utilizó, principalmente, una paleta de colores limitada: blanco, gris y negro.
  • En su estilo predominan: composiciones arbitrarias, ejecutadas al azar (lanzaba recortes de papel y según caían los dejaba / orden del azar), collages tridimensionales, líneas curvas, sinuosas, sin aristas y de formas abstractas. Establece equilibrios entre vacíos y volúmenes.
  • Sus obras escultóricas recuerdan a las formas que se encuentran en la naturaleza, él las denominó  “esculturas biomorficas”, aludiendo a la relación que establecía entre la pura creatividad artística y las formas que surgen en la naturaleza. Son obras en bronce, metal, o piedra. Hace dos tipos de esculturas, las puramente abstractas y las que nos evocan formas humanas simplificadas.
  • Primero hace las obras, después las titula para limitar la intervención de lamente consciente en la creación.
  • OBRAS:
Configuración, 1927 - Jean Arp
Configuración. 1927. Dadaísmo. J. Arp
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Espejo- flor. J Arp
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Pechera de la camisa y tenedor. 1922. Relieve de madera pintada. H. Arp
Constelación con cinco formas blancas y dos negras. Jean Arp.
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Lágrimas de Enak, J. Arp

A partir de 1930 se centra en la escultura biomórfica (inspiradas en las formas de la naturaleza y el azar).

Predominio de líneas curvas, ausencia de aristas, utiliza el bronce y el mármol, se recrea en lo humano.

Escultura perdida en el bosque. Jean Arp
Imagen relacionada
Pastor de nubes. Jean Arp
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Pincha para mirar más obras de Arp

Salvador Dalí. Surrealismo.

Eugenio Salvador Dalí nació y murió en Figueras, Gerona ( 11 de Mayo de 1904- 23 de Enero de 1989).

Junto a Picasso y Miró son los pintores españoles más universales del Arte Contemporáneo. Estudió en Madrid, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y vivió en la Residencia de Estudiantes, lugar de encuentro intelectual a principios del siglo XX español, allí conoce a Buñuel y Lorca con los que entabla amistad. Viaja a París y se convierte en el miembro más escandaloso y ruidoso del grupo de los surrealistas. Escribe con Buñuel dos guiones de cine: Un perro andaluz y La edad de oro. Conoce a Gala, se convertirá en su musa, asesora y esposa.

Fascinado por el psicoanálisis de Freud, el subconsciente y los mecanismos de la locura, crea el “método crítico-paranoico” con el fin de potenciar la imaginación y despertar las facultades alucinatorias del espíritu asociando imágenes arbitrariamente para plasmar el mundo de los sueños

 Entre 1940 y 1955 triunfa y gana dinero en USA, vendiendo cuadros y adquiriendo relevancia comercial. Descubre la importancia de la publicidad y de la propaganda; Dalí consciente de su potencialidad, la aprovecha para dar rienda suelta a su imaginación y crearse una imagen de personaje extravagante. En EEUU, colabora con el mundo del cine, graba Destino con Walt Disney y Recuerda con Hitchcock.

En 1955 renuncia a su condición de escandalizador y no rechaza a los fascismos, hecho que detestan sus seguidores. Regresa a España, y el Franquismo lo recibe con grandes vítores.

Características técnicas y estilísticas:

Dalí define muy pronto su estilo pictórico como se demuestra en alguna de sus grandes obras: La joven de la ventana en 1925, El gran masturbador o La persistencia de la memoria, quizás su obra más conocida, creando con los relojes derretidos y un espacio desértico, el mundo onírico que pretendía representar. En ellas aparecen los rasgos que definen su pintura:

Utilización del método paranoico-crítico (sobre imágenes reales proyecta sus fobias, obsesiones, etc. logrando composiciones caóticas y enigmáticas).  Enlace que explica el método Asociando imágenes arbitrariamente para plasmar el mundo de los sueños. Es como una fotografía hiperrealista de los sueños siguiendo los principios del psicoanálisis de Freud. Para lograrlo utiliza una serie de técnicas:

  • Las dobles imágenes. Elaboraciones de imágenes que según sea la percepción del espectador puedan ser entendidas de múltiples formas
  • La unión de objetos incongruentes entre sí.
  • Las metamorfosis (Las Metamorfosis de Narciso)
  • La ruptura de las leyes lógicas.

Temas predominantes:

  • Lo escatológico. La putrefacción. Los excrementos.
  • Las formas derretidas de relojes (estilo camerbert) o comestibles.
  • Una visión negativa de la sexualidad: La castración y en general la visión negativa y llena de terrores atávicos sobre la sexualidad, la desarticulación orgánica, el canibalismo (La belleza será comestible o no lo será, Breton), la masturbación (GranMasturbador), la sodomización,

Otras características artísticas:

  • Provocación.
  • Obsesión por representar el subconsciente y lo onírico.
  • Gran dominio del dibujo, preciso y detallista.
  • Ejecución academicista. Contenido Surrealista.
  • Utilización de una paleta suave, sin estridencias.
  • Perspectivas clásicas, inmensas, cónicas que dan enorme profundidad a las obras.
  • Composiciones limpias y ordenadas pero inquietantes.
  • Obsesión por representar la tridimensionalidad de los objetos.
  • Academicista y clásico en las formas, barroco y rompedor en la ejecución.
  • Utilización de elementos oníricos, sexuales, animales (elefantes, tigres, leones, etc.), frutos.
  • Pinta formas blandas derretidas, sostenidas por bastones.
  • Representa el tiempo.
  • Figuras equívocas imposibles, descabezadas y convulsas, para después componerlas a su antojo.
  • Admiración por los artistas clásicos.
  • Aparición reiterada de Gala: Leda atómica, Gala desnuda, etc
  • Obsesión por lo religioso como: la Madona de Port Lligat, La Última Cena o Santiago el Mayor o el Cristo de San Juan de la Cruz.
  • Otras obras: El gran paranoico, La metamorfosis de Narciso y Canibalismo en Otoño, Premoniciones de la Guerra Civil, El sueño de Cristóbal Colón, Cisnes como elefantes,
  • Realizó abundantes dibujos a lápiz, se prodigó en la cerámica y la artesanía e hizo pequeñas esculturas (ready-mades), siendo un genio reconocido en vida y valorado en un mercado con cifras astronómicas para sus obras. Desde la muerte de Gala en 1980 hasta su propio fallecimiento, redujo sus apariciones públicas, retirado en Cadaqués. Nos ha legado una ingente obra y su propia genialidad.

Obras

Muchacha en la ventana, 1925

El gran masturbador. Museo Reina Sofía
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Comentario del gran masturbador en el blog el Señor del Biombo. Enlace

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La persistencia de la memoria, 1931
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Retrato de Mae West o apartamento surrealista (1935)
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Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) 1936.
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El enigma de Hitler (1937)
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La tentación de San Antonio, 1946
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El Cristo de San Juan de la Cruz, 1951
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La Madonna de Port Lligat, 1950
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Galatea en las esferas, 1952
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Mi esposa desnuda
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Retrato de Picasso

Dalí y el Cine

Salvador Dalí y Walt Disney- Destino. Corto de animación 

Salvador Dalí firma un contrato con Walt Disney para la realización de un cortometraje de animación titulado Destino.El guión y montaje iban a ser suyos. Para trabajar en el proyecto, el pintor se instala en los Disney Studios de Burbank (California), lugar donde procede al desarrollo del argumento y a la realización de los dibujos y óleos. Los protagonistas, una bailarina y un jugador de béisbol/dios Cronos, desarrollan el concepto original de Dalí, que gira en torno a la importancia del tiempo cuando esperamos que el destino llegue a nuestras vidas. La canción escogida como banda sonora del film, Destino, del mejicano Armando Domínguez, inspira fuertemente al pintor en el desarrollo de su trabajo.

La película debía formar parte de un package film y debía tener una duración de entre 6 y 8 minutos. Sin embargo, sólo se llegaron a realizar 15 segundos y no es hasta el 2003 que Disney retoma y completa el proyecto recuperando las primeras ideas y bocetos de Dalí.

http://www.salvador-dali.org/dali/filmoteca-dali/films-y-videoarte/2/destino

Salvador Dalí y Hitchcock. Recuerda

Enlace a la película

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Película de intriga, psicoanálisis, amor y  suspense con protagonistas

Buscando introducir el psicoanálisis en sus películas, Alfred Hitchcock contactó en 1945 a Salvador Dalí para crear la escenografía de la secuencia onírica del protagonista de la película “Spellbound” (“Recuerda” en España). Fue así como el español produjo más de 20 minutos de escenas surrealistas, de los cuales sólo unos pocos minutos fueron aprobados para la edición final. Arquitecturas  imposibles y esquizofrénicas escenografías con ojos de gran tamaño se ven finalmente en la película, las que por su estilo se pueden relacionar directamente con sus pinturas.

Hitchcock comenta: “Yo tenía la impresión de que si tenían que presentarse secuencias oníricas, éstas debían ser vívidas… utilicé a Dalí por su gran ejecución gráfica. Deseaba presentar los sueños con una gran nitidez y claridad visuales, más precisos que el propio film: las largas sombras, la infinitud de la distancia y las líneas convergentes de la perspectiva”.

Artículo sobre la película en Blog de Cine

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Joan Miró. Surrealismo lírico-abstracto

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Vuelo de la libélula delante del sol. Miró

Es uno de los mejores pintores del siglo XX. Nació en Barcelona, los últimos años vivió en Palma de Mallorca. André Bretón dijo de él “probablemente el más surrealista de todos nosotros”

Su pintura evoluciona de una etapa mediterránea donde sus cuadros están llenos de luz, alegría y sencillez, a una breve época de escarceos cubistas y dadaístas hasta alcanzar la madurez a partir de su viaje a París; ciudad donde entró en contacto con los numerosos movimientos artísticos de vanguardia (obra: La Masía). También viajó a Holanda (serie de óleos titulados Interiores)

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Interior holandés. Miró

A partir de 1924 entra en contacto con Breton y los surrealistas. Crea un lenguaje expresivo propio, una pintura lírica, poética, y con un toque infantil, huye del academicismo, reduce las formas a color y símbolos que transmiten alegría y lirismo. Representa el mundo onírico en grandes manchas de colores como se observa en Carnaval del Arlequín.

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Es uno de los máximos representantes del Surrealismo Autómata, proceso artístico en el que se crea de manera rápida, libre, sin control de la razón para lograr la plena libertad y que fluya el inconsciente utilizando símbolos.

Le influyen los pintores holandeses (Interior holandés I recuerda la obra de Sorgh el tocador de laúd), el color del Fauvismo, el cubismo en la descomposición de las formas y la bidimensionalidad,  Marson con el automatismo, Kandinsky con las formas suaves, el mundo microscópico, etc.

  • Crea una pintura simbólica, un repertorio iconográfico que utiliza de manera autómata, un mundo microscópico plagado de elementos naturales y abstractos (mujer, pájaro, gato, estrella, luna, sol, punto, arlequín, etc.). Destaca el rico cromatismo con colores primarios, blanco y negro y el vigoroso trazo negro de líneas ondulantes.
  • Rompe con la perspectiva tradicional aunque juega con la teoría de los colores (los cálidos acercan, los fríos alejan) y los aplica logrando profundidad.

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Desde 1956 residió en Palma de Mallorca. En su última fase pictórica, sintetiza las formas y en contraposición los títulos son más largos, la obra se reduce a juego de colores intensos o contorneados por vigorosos trazos negros. Se aproxima al Surrealismo abstracto como se observa en las obras: Personaje fascinante  o “Ala de la alondra aureolada de azul de oro llega al corazón de la amapola que duerme sobre el prado engalanado de diamantes”.

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También experimentó con las esculturas-objetos, la litografía, la cerámica, aguafuertes, pintó grandes murales y decorados teatrales como los mosaicos-murales del palacio de la Unesco en París en 1950 y el Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. Incluso logotipos como el de la Caixa. Tuvo un gran reconocimiento y prestigio mundial.

 

Giorgio De Chirico. Pintura Metafísica

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Misterio y Melancolía en la calle. G De Chirico. Pintura Metafísica

La pintura Metafísica nace en Italia, el mejor representante es Giorgio De Chirico. Hombre culto, conoce  el mundo clásico y en su obra se refleja el arte griego,  la arquitectura Renacentista, la filosofía de Nietzsche, Sopenhauer (” todo objeto puede tener un significa lírico, poético”), el psicoanálisis de Freud y la interpretación de los sueños.

Se conoce como pintura Metafísica (más allá de la realidad) por los interrogantes que nos plantea su observación, son pinturas enigmáticas que invitan a la contemplación calmada.

Su obra se caracteriza por:

A comienzos de su carrera artística en sus pinturas predominan paisajes urbanos inquietantes donde aparecen edificios clásicos, renacentistas junto a elementos surgidos con la Revolución Industrial.

  • Perfecto dibujo. Recupera las formas.
  • Profundas perspectivas lineales.
  • Utiliza luces de atardecer y sombras alargadas;
  • Crea un mundo misterioso e inquietante con
  • Espacios donde sólo hay maniquís  desnudos en grandes plazas, calles solitarias, casas vacías enfatiza la soledad y la búsqueda de la tranquilidad perdida.
  • El hombre, si aparece, es minúsculo.
  • Representa elementos contradictorios como edificios griegos y ferrocarriles.
  • Está obsesionado con el tiempo como Dalí (reloj).
  • Pintura onírica.
  •  Influirá en los surrealistas.

Con el tiempo comenzará a pintar espacios llenos de maniquíes y artilugios diversos

Obras representativas son:  La Plaza de Roma, Plaza metafísica, Héctor y Andromaca (maniquís abrazados), Melancolía, El enigma de la hora, etc.

Ampliación. Breves comentarios de obras

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Héctor y Andrómaca. De Chirico
El enigma de la hora. De Chirico. Pintura Metafísica.

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Neoplasticismo. De Stijl. Mondrian, Doesburg, Rietveld.

De Stijl | Piet Mondrian

Piet Mondrian “Para lograr un enfoque espiritual en el arte, se necesita apoyarse lo menos posible en la realidad, porque la realidad se opone a lo espiritual”.

Neoplasticismo es el término con el que Piet Mondrian (1872-1944) denomina en 1917 el estilo propio del grupo De Stijl (“El Estilo”), que era una alianza entre artistas, arquitectos y diseñadores alentados por el arquitecto holandés Theo van Doesburg (1883-1931).

La misión del grupo De Stijl es la de crear un nuevo arte internacional con un espíritu de paz y armonía después de la conmoción de la 1ª GM.

Los neoplasticistas creen que el cubismo no ha ido suficientemente lejos en el desarrollo de la abstracción y que el expresionismo resulta demasiado subjetivo. En su opinión, la guerra ha desacreditado el culto a la personalidad y desean sustituirlo por una cultura más universal y ética. Los medios para hacerlo son la purificación o reducción del arte a sus elementos básicos: línea, color y forma.

Los conceptos fundamentales del movimiento son elaborados por Mondrian entre 1913 y 1917, mientras que su cuerpo teórico y su divulgación corresponden a Theo Van Doesburg. El movimiento se propone encontrar un sistema para construir un nuevo mundo de formas coherentes y organizadas. “El estilo”, abstracto y reductor, se caracteriza por la utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y superficies de colores. Este proceso no sirve sólo para pintar cuadros o realizar esculturas abstractas sino también para los espacios de la arquitectura.

El método compositivo se fundamenta en alcanzar el equilibrio de los medios plásticos mediante una renuncia explícita a la simetría clásica y mediante el empleo de los contrastes y las disonancias de color. Otro aspecto que caracteriza al movimiento artístico es su sentido universalista y su deseo de unir el arte con la vida. Theo van Doesburg habla de una búsqueda de la unidad plástica: “Exigimos la construcción de nuestro ambiente según leyes creadoras, derivadas de un principio fijo. Estas leyes, de acuerdo con las económicas, matemáticas, técnicas higiénicas etc., llevan a una nueva unidad plástica” (T.V.Doesburg en: Benévolo, 1974).

Observa la evolución del pintor desde la figuración a la abstracción geométrica. Le influyeron distintas vanguardias, entre ellas el cubismo y su experiencia vital.

Árbol gris (1912, óleo sobre lienzo, 785×1075 mm, Gemeentemuseum, La Haya): obra en la que ya es posible ver su decantación hacia la abstracción, es una de sus primeras obras ligadas a los métodos cubistas.

Etapa norteamericana. En los lienzos de Mondrian desaparece el negro. Transmiten mayor optimismo. Se inspira en el trazado urbanístico de New York

THEO VAN DOESBURG

ARQUITECTURA DE STIJL

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El cromatismo en la arquitectura neoplástica se caracteriza por el empleo de colores planos y abstractos. Su gama se reduce a los tonos primarios (el rojo, el amarillo y el azul) y los neutros (blanco, negro y gris). Las aportaciones plásticas del grupo De Stijl vienen caracterizadas por la búsqueda del equilibrio de los medios plásticos. Para los teóricos del movimiento neoplasticista, pintura y arquitectura se necesitan y completan. Son una simbiosis.

El edificio más emblemático del movimiento  De Stijl es la casa Schröder, construida en Utrecht en 1924 y proyectada por el arquitecto Gerrit Rietveld (1888-1964). En el año 2000, la UNESCO la nombró Patrimonio de la Humanidad:

Casa Schroeder interior

También archiconocida es la fachada de Jacobus Johannes, en la cafetería de la Universidad en Rotterdam:

Desde que surgió este estilo, no han faltado los edificios que lo han incorporado a sus fachadas y medianeras, convirtiéndolas en lienzos De Stijl:

I.E.S. donana inspirado en mondrian

DISEÑO

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Silla roja y azul. Rietveld. De Stijl o Neoplasticismo
Kinderstoel Gerrit Rietveld

INFLUENCIAS DE STIJL EN LA ACTUALIDAD

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Vestido Mondrian de Yves Saint Laurent

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Las Vanguardias artísticas (II): Expresionismo, Dadaismo, Surrealismo, Abstración

 

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Composición IV. 1911. Kandinsky. Abstracción

El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es la tecla. El ojo es el martillo templador. El alma es un piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que, mediante una tecla determinada, hace vibrar Adecuadamente el alma humana.

Kandinski (1911) De lo Espiritual en el arte

 

 Pincha en la  presentación.Las vanguardias artísticas from Jose Angel Martínez