La escultura de los Años 20. Brancusi y Gargallo. Análisis y comparación.

Realice la identificación, análisis y comparación de las siguientes obras:

Kiki de Montpamasse. Gargallo.  Bronce dorado, pulido, representación del vacío, del volumen, contrastes lumínicos masa-hueco.

Musa durmiendo. Brancusi. Broncedorado, pulido. Predominio de la línea cerrada, pureza de formas, contrates de lumínicos

Constantin Brancusi, rumano,  y Pablo Gargallo, español, tienen muchos puntos en común. Son dos de los escultores más emblemáticos del siglo XX. Para muchos, los pioneros de la vanguardia escultórica. Innovan  en todos los campos (temática, formas, materiales, técnicas, etc); buscan un nuevo lenguaje expresivo. Viven en París, ambos conocen la obra de Rodin, el precursor de la escultura contemporánea (más Brancusi). Entran en contacto con artistas y  los distintos movimientos artísticos. Sus trayectoria s artísticas experimentan una gran evolución: parten del clasicismo, poco a poco, se alejan de la temática figurativa, realista y a través del primitivismo, cubismo y expresionismo avanzan hacia la abstracción.

Brancusi

Pájaro en el espacio. Brancusi

Señorita Pogany. Bronce pulido y dorado. Brancusi

Columna del infinito. Brancusi

El beso. Piedra. Brancusi

Pablo Gargallo  ( consulta comentario de Enseñarte)

El Profeta. Chapas de acero. Gargallo

Aconsejable consultar comentario del Blog Señor del Biombo (enlace)

Greta Garbo con mechón. Gargallo

La bailarina. Gargallo

6. Art Déco. Moda. La revolución de Coco Chanel

“En mi juventud, las mujeres no parecían humanas. Sus ropas eran contra natura. Yo les devolví su libertad. Les di brazos y piernas de verdad, movimientos que eran auténticos y la posibilidad de reír y comer sin tener necesariamente que desmayarse”

Elevó el estilo de las clases populares a chic y convirtió a sus clientas -princesas y duquesas- en secretarias con falsas perlas, vestidos sencillos y jerseys de lana, prendas y materiales hasta entonces destinados a los mozos de cuadras, asistentas y clases trabajadoras. Sacó el punto a la calle, en aquella época solo se usaba en la ropa interior femenina, e impuso el pantalón, reservado exclusivamente a hombres y obreras de países atrasados. La propia diseñadora usaba trajes y ropas masculinas –que robaba del armario de sus amantes- y llevaba cuello y corbata. Se vestía con pantalones ajustados a la pantorrilla, en una época en la que la policía detenía a las mujeres que usaban bombachos para andar en bicicleta, por ser considerado un atuendo indecoroso

Para entender la revolución del Coco Chanel hay que empezar describiendo su personalidad y el mundo de la mujer de principios del siglo XX.

La vida de Coco Chanel es la vida de un ascenso desde lo más bajo a lo más alto. De una infancia triste, solitaria y falta de cariño, a una mujer trabajadora y tenaz que llegaría a convertirse en un mito viviente. Hizo de la moda una forma de liberar a la mujer y sus creaciones marcaron las páginas de la historia del diseño. Sin embargo, aquella que se hizo llamar Coco Chanel tuvo una vida entregada al trabajo, en el que se refugió para huir de una constante soledad que la acompañó a lo largo de su vida.

Coco Chanel tuvo una infancia difícil, estuvo en un orfanato, pronto aprendió el oficio de costurera, tenía un carácter fuerte, perfeccionista, muy inquieta, extrovertida y controvertida, libre e independiente, tenía  una capacidad asombrosa para atraer a los hombres adinerados, que le ayudaron a  llegar a la cima de la fama.

No era nada fácil para las mujeres expresar su punto de vista durante Los Años 20, lo cual la convirtió en revolucionaria, pero al mismo tiempo logró entender la frustración de las mujeres, cansadas de corsés y bustos entallados, grandes sombreros que escasamente las dejaban realizar movimientos. El principal pilar de Chanel fue luchar por  la “libertad de movimiento” de las mujeres. Quiso que la mujer mantuviera la elegancia pero liberándolas de la carga de ser meros objetos para el hogar y acompañantes de los maridos.

Se codeó con nobles, hombres acaudalados, con la élite artística (Picasso, Dalí,  Misia, Sergei Diaguilev, Igor Stravinsky

• Su primer paso hacia esta liberación fue la eliminación de los grandes sombreros llenos de  pájaros, las flores, las grandes plumas y demás objetos. Sustituyéndolos por modelos sencillos, de tamaño  reducido para que la mujer se moviera con comodidad (su primera tienda fue una sombrerería). Ella misma hacía de su modelo y los lucía.
•  El siguiente paso fue la alta costura, al estallar la 1ª Guerra Mundial marchó a Biarritz y allí abrió su segunda tienda. Chanel, decidió crear un estilo más sencillo, con prendas cómodas y rectas pero sin olvidar su sello de alta costura.Logró impone
  r un sello que ningún diseñador había logrado en la historia de la moda, mezclando lo masculino con lo femenino.

Las mayores aportaciones fueron

• El famoso traje de chaqueta en tweed
• Las blusas blancas de cuello con  corbatines y  faldas negras
• Las medias oscuras
• El vestido negro, el Little Black Dress (LBD)
• Los zapatos blancos  de punta negra  y tacón plano.
• Las telas tipo  “jersey”, material que se usaba para las prendas interiores de los hombres,
•  Vestidos de lineas amplias, colores neutros y de materiales elásticos
• Incorporó jerseys de cuello alto y camisetas a rayas, que llevaban los marineros
• Incorporó los pantalones.
• Impuso el bronceado, el pelo corto, y la bisutería.
• Acortó la longitud de la falda, liberó la cintura, aligeró los tejidos y masculinizó algunas prendas.

• Relanzó la bisutería:Las joyas pasaron a ser un adorno y no un símbolo de riqueza. Sus favoritas fueron las perlas, a tamaño natural o más grandes, con las que creó largos collares o pulseras de varias vueltas, que junto con la camelia y el logo de la doble C ,se convirtieron en el símbolo de su firma.
• El bolso acolchado de cadena alargada.
• Un paso más hacia el triunfo fue la creación En 1923 del perfume Chanel número 5.

 

En los años treinta estuvo en Hollywood, vistiendo a actrices. Le costó remontar  Tras la 2ª Guerra Mundial por sus relaciones con los nazis durante la ocupación. En los años 50  vuelve a París donde lleva a cabo los desfiles de alta costura y se consagra como una diseñadora de alta costura que viste a las élites.

La vida de Coco Chanel fue la vida de una mujer tenaz, provocadora, transgresora pero por encima de todo la de una mujer trabajadora. Sus creaciones estuvieron inspiradas por su propia experiencia, desde las sobrias indumentarias que observó en el orfanato de su infancia hasta el lujo de sus amantes ingleses y rusos.  Coco Chanel trabajó incansable hasta el último día de su vida, el 10 de enero de 1971. Tenía 87 años.

Chanel logró crear un imperio que en la actualidad, con Karl Lagerfeld a la cabeza, sigue vigente.

Visualiza los siguientes vídeos donde se resumen las claves e innovaciones de Chane.

6. Art Déco. El diseño en Joyería. Cartier

«Los joyeros de los reyes, los reyes de los joyeros»

Durante los Felices Años 20, la euforia, las ganas de vivir, el consumismo, la prosperidad, etc. se extienden por EEUU  y por las élites europeas. Surge un nuevo estilo, el Art Déco, hasta hace poco tiempo minusvalorado por su carácter estético y elitista.  El Art Déco se presenta oficialmente en la Exposición Universal de París de 1925, como un estilo total que engloba arquitectura, pintura, decoración de interiores, muebles, diseño de moda y joyas.

Logotipo

En esta exposición, participa la  joyería más emblemática y precursora  de este estilo, la casa Cartier. Louis-François Cartier la funda en París en 1847. Se especializa en joyas y relojes de lujo. La firma, desde mediados del siglo xx  pertenece a al grupo suizo  Richemont.

Louis Cartier y sus diseñadores, en los años 20 dan un giro al estilo de  sus joyas. Apuestan por la  estilización geométrica y orientalista en los diseños e introducen  colores audaces como el azul  y el verde. Se convierten en los pioneros  del Art Déco. 

La pantera. Símbolo de Cartier

 

La compañía ha atendido a clientes muy famosos,  familias acuadaladas, artistas  y personajes de la realeza, de hecho, uno de los Príncipes de Gales se refirió a Cartier como «los joyeros de los reyes, los reyes de los joyeros». A Cartier se le encomendó la misión de confeccionar las tiaras de los reyes de las principales monarquías del mundo.

Las creaciones más famosas de Cartier son:

EL COLLAR BESTIARY DE DIAMANTES

Diseñado, en los años 1920, para el majará indio Yadavindra Singh.

EL RELOJ SANTOS 

En 1904, Louis Cartier concedió al famoso aviador brasileño Alberto Santos Dumont su deseo: poder leer la hora durante el vuelo. Es el nacimiento del  primer reloj de pulsera, caracterizado por los ángulos redondeados de la esfera, la curva de los cuernos sin transiciones, los tornillos aparentes  y los números romanos, hicieron de él un reloj mítico que inspiraría incontables interpretaciones.

EL RELOJ TANK (el icono)

Reloj Tank. 1917 . Cartier

Cartier en 1917 crea una leyenda, el reloj Tank, modelo que recuerdan a la silueta de un tanque de combate visualizado desde el cielo durante la 1ª Guerra Mundial. Con los años se ha convertido en el principal icono relojero de Cartier y de la historia misma de la relojería. Hay demasiados parámetros subjetivos para coronar un reloj como el más legendario o el más icónico, cuatro rasgos distintivos que forman parte del ADN del Tank: la geometría de su caja, los números romanos, el índice tipo ferrocarril y el cabujón de zafiro en su corona.

Las  características de los diseños Cartier:

• Por primera vez, la  tipología  de  joyas  están  en  función  de  la  indumentaria.  Así  por  ejemplo,  el  cabello  a  lo  garçonne  influyó  en   el  diseño  de  joyas  ya  que  al  exponer  las  orejas  y  el  cuello,  permitía  la  introducción  de  largos  pendientes,  que   hacia  1929  llegaban  hasta  el  hombro.  Cartier,  por  ejemplo,  se  adaptó  a  los  nuevos  tiempos  y  diseñó  joyas  para  ser   llevadas  con  el  pelo  corto.   El  vestido  sin  cintura  y  la  afición  por  los  deportes  que  se  desarrolló  en  los  años  veinte  ayudó  a  popularizar  el  reloj   de  pulsera. El  vestido  característico  de  esta  etapa  era  sin  mangas  y  ello  permitía  al  diseñador  de  joyas

  

  Brazalete. Cartier

  imaginar   toda  clase  de  decoraciones  para  la  muñeca   y   el   brazo.  Surgieron  diversos  tipos  de  brazaletes. Podían  tener   diseños  de  flores,  dibujos  geométricos  o  motivos  exóticos.  Se  podía  llevar  hasta  cuatro  o  cinco  de  ellos  a  la  vez.

• El   sombrero   campana   o   cloche,    fue   otro   de   los   símbolos  del  Art  Déco.  Cuando  la  mujer  salía  sin  su  cloche,  resaltaban  el  cabello  con  clips  de  pedrería,  que  se   llevaban   planos   sobre   la   cabeza. Este   último,   por   la   noche,   se   colocaba   sobre   la   línea   del   cabello  o  se  sujetaba  atrás  en  la  coronilla,  como  un  halo.

Clip de lapislázuli. Cartier. Art Déco

• Como en  el  resto  de  las  artes,  la  joyería  Déco  es  una  evolución  de  su  precedente  Nouveau,  pero  ambas  siempre,   con   la   misma   carga      De   diseños   esencialmente   florales   se   evoluciona   hacia   formas   claramente   geométricas,  aunque  la  temática  naturalista  no  se  abandona.
•   Las   joyas   Déco   pretenden   ser   diseños   exclusivos,   lujosos   y   elegantes,   solo   aptos   para   una   minoría   que   los   pudiera   costear.

• Las tipologías   son   muy   variadas,   son   verdaderas   obras   de   arte.   Tienen   mucha   importancia   los   accesorios.  Podemos  destacar:  anillos;  pendientes;  colgantes,  broches;  clips  para  el  pelo;  collares  de   perlas;   pulseras   y   brazaletes;   tiaras,   diademas   y   bandeaux   (diadema   con   forma   de   banda   sobre   la   frente);   relojes;   vanity   case   (o   cajitas   de   maquillaje); pitilleras;   los   bolsos-joyas   se   confeccionaban   con   telas   lujosas   o   pieles   exóticas   y   con   monturas   o   cierres   de   oro   o   platino.   Las   gemas,   embellecidas  con  rubíes,  esmeraldas,  zafiros  y  diamantes  tallados  o  en  cabujón  adornaban  las  monturas.  Para  los   cierres  se  utilizaban  piedras  semipreciosas,  talladas  con  motivos  egipcios  y  orientales.  Entre  1925  y  1930  se  hizo   muy  popular  el  reloj  colgante,  suspendido  de  un  cordón  o  de  una  cinta  de  seda.

• Utiliza materiales de gran calidad: diamantes, perlas,  los   corales, el  jade,   el   ámbar,   el   ónice,   la   piedra   de   luna,   el   lapislázuli,   los   rubíes,   las   esmeraldas   y   aguamarinas  y  otras  piedras  exóticas. Oro, platino, etc
• Los motivos   principales   en   el   diseño   de   joyas   Art   Déco   son   formas   simples:   cuadrados,   círculos,   zigzag,   rectángulos,   triángulos   u      Las   formas   abstractas   procedentes   de   la   arquitectura   de   las   antiguas   civilizaciones,  de  los  zigurats  babilónicas  y  de  los  templos  escalonados  mayas  y  aztecas,  se  vieron  reflejados  en  el   diseño  de  joyas.  Se  eliminaron  los  detalles  superfluos  tendiendo  a  la  simplificación  máxima.

 

Las figuras y los diseños fueron influidos por la geometrización del cubismo de Braque o Picasso,  el neoplasticismo de Mondrian, sobre todo del futurismo, cuya imaginería derivada del culto a la era industrial mecanizada acabó dotando a la joyería del momento de formas, estructuras y procesos que querían simular el movimiento de la maquinaría que revolucionaba el día a día de la época.

Sugerencias

Vídeo de la Fundación Juan March. El gusto moderno. Art déco en París, 1910-1935

Vídeos recomendables de la casa Cartier

Los fundadores

Descubra L’Odyssée de Cartier, una película épica que gira en torno a la historia de la Maison, sus valores y su inspiración, su ámbito artístico y universal

Los relojes

Joyero de reyes

6. Art Déco. La Pintura de Tamara Lempicka

 

Transgresora, independiente y moderna, es la pintora del estilo Art Déco por antonomasia. Nació en el seno de una familia adinerada en Varsovia (Polonia) en 1898.

Autorretrato en un Bugatti verde. T. Lempicka

A  pesar  de  su  aparente  vida  glamurosa,  sufrió  intensas  depresiones  que  no  le   daban  tregua.   Esta   fascinante   artista,   que   tuvo   una   vida   de   película,   fue   adorada   y   despreciada   a   partes   iguales,   pues   para   algunos  vanguardistas  “bienpensantes”  representaba  el  paradigma  de  lo  kitsch  o  un  personaje  esteticista  de  otra   época.  Ella  y  su  arte  eran  considerados  como  la   esencia  de  la  frivolidad.  Su  pasión  por  la  belleza  y  el  lujo  no  casaban  con  los  artistas  de  vanguardia.   Aunque  no  la  faltó  trabajo  como  retratista  de  las  elites  aristocráticas, no  fue aceptada  en  general,  ni  por  su  colegas  pintores  ni  por  los  críticos  de  arte.  

Su  objetivo  como  pintora  no  era  copiar  la  realidad  sino  crear  un  nuevo  estilo,  brillante  y  de  colores  luminosos   donde   predomine   la   elegancia   de   las   figuras   representadas.   Y   es   que   Lempicka  se  especializó  en   retratos   de   mujeres  déco,  con  fondos  arquitectónicos  de  rascacielos  de  ese  estilo,  muy  abundantes  en  sus  cuadros.  En  sus   obras  retrata  el  nuevo  paradigma  de  la  mujer  de  los  años  20  y  30,  mujeres  que  pretenden  ser  emancipadas,  que   fuman,  conducen  su  propio  coche,  adoptan  una  indumentaria  un  tanto  andrógina,  con  cabello  Bob  o  a  lo  garçon,  Retrató  a  escritores,  actores,  artistas,  científicos,  industriales  y  muchos  nobles  de  Europa  del  Este  exiliados  en  París.  Fue  la  pintora  de  la  alta  sociedad  de   su  tiempo que  hacen  deporte,  viajan  y  disfrutan  de  la  vida…

Duquesa de la Salle.Lempicka. Art Déco

La música. Tamara Lempicka. Art Déco

Doctor Boucard, bacteriólogo. T. Lempicka

Consulta

• Tamara Lempicka, la reina del Art Déco
• Biografía, obras, 

 

Madonna le dedicó un vídeo. Actualmente es una de las mayores coleccionistas de su obra.

6. El Art Déco. La influencia de la Escuela de Chicago en la arquitectura de los Años

The Chrysler Building

New York, la ciudad Art Déco por excelencia.

La influencia de la  Escuela de Chicago en la Arquitectura Art Deco.

A finales del siglo XIX  surge la Escuela de Chicago y con ella el nacimiento de la arquitectura contemporánea

• El nacimiento de la arquitectura funcional. Primer estilo norteamericano.
• La aparición de los rascacielos
• Aplicación de los materiales de la industrialización: hierro, acero, cemento, hormigón y cristal
• Abaratamiento y rapidez constructiva.

Sullivan. El Pionerro

Los principios de la arquitectura de la Escuela de Chicago se utilizarán en la Arquitectura Art Deco,   en  particular  en  la  ciudad  déco  por  antonomasia,  Nueva  York.

Flatiron Buiding. 1902. Uno de los primeros rascacielos de New York

Estados   Unidos experimentó  un  boom  de  la  construcción  en  los  años  20. La  arquitectura  Art  Déco  triunfó  en  teatros,  cines,  hoteles,  restaurantes,  transatlánticos  y  por  supuesto  en  los   rascacielos.

La  ornamentación  Art  Déco se  concentraba  masivamente  en  la  entrada  del  edificio:  rejas  exteriores,   puertas,  vestíbulos,  ascensores. Proliferaron   los   diseños   geométricos,   florales,   con   recuerdos   cubistas,   adornados  con  arcos,  rayos  de  sol,  muchachas  y  ramilletes  de  flores en los rascacielos.

 Paulatinamente  dejaron   de   lado   los   materiales   tradicionales   de   construcción   a   favor   de   los   nuevos,   sobre   todo   el   metal   y   el   cristal,  más  en  armonía  con los principios de la  nueva  arquitectura.  Se  comenzó,  además  a  utilizar  el  acero,  que  creaba  brillos  y  era   resistente.   La  piedra  y  la  terracota comenzaron a estar desfasadas.

La  construcción  de  algunos  de  los rascacielosmás emblemáticos  de  Nueva  York  se  realizan bajo  los  dictados   estilísticos   del   Art   Déco   como

Crysler Building. 1928, 72 plantas, 319 mts. Arquitecto Willian van Allen

Interesante artículo y  fotografías en  la página wikiarquitectura

Chrysler Building en Nueva York. Art Deco

Empire State Building.

1930. 443 mts. 102 plantas. Arquitecto: Wiliam Lamb

Consulta wikiarquitectura

El edificio nace de un pique entre los empresarios Walter Chrysler, propietario de Chrysler y John Jakob Raskob, ejecutivo de la General Motors Company por levantar el edificio más alto del mundo.

Rockefeller Center (GE)

259 mts. 70 plantas. 1933. . Arquitecto: Raymond  Hood

Consulta tu blog de Arquitectura

10. Escultura española 2ª mitad siglo XX. Chillida, Oteiza, Ibarrola

Bloque temático X: Los Años 60-70

Monumento a la Tolerancia. Chillida. Hormigón.

LA ESCUELA VASCA. 2ª MITAD DEL SIGLO XX. LA REPRESENTACIÓN DEL ESPACIO, DEL VACÍO, DE LA ANTIMATERIA. LA ABSTRACCIÓN.

La escultura española de la 2ª mitad del siglo XX cuenta con artistas de prestigio mundial como Eduardo Chillida, Jorge Ojteiza o Agustín Ibarrola. Todos pertenecen a la Escuela Vasca, en ellos las raíces vascas, el respeto por la naturaleza y un trabajo infatigable son algunos de los rasgos que les identifican. Son sucesores de las innovaciones de Julio González y Gargallo.

Otras características comunes son:

• Son obras donde predomina la abstracción. Se alejan de la realidad.
• El lenguaje escultórico se basa en el estudio del volumen, la antimateria, la representación del espacio.
• Predominan las formas geométricas.
• Experimentan con los materiales, especialmente hierro, hormigón, etc.
• Son obras monumentales, expuestas en parques y espacios públicos
• Les influye el Constructivismo.

Artículos de ampliación

• La obra y vida de Chillida (El País)
• Oteiza contra Chillida (el enfrentamiento eterno)
• Oteiza: mito y modernidad (Museo Reina Sofía)

EDUARDO CHILLIDA

 Eduardo Chillida (1924- 2002). Destaca por la monumentalidad  de sus obras en hormigón e hierro; lo podemos considerar una continuidad de Gargallo y González. Es el mejor representante de la abstracción y el expresionismo subjetivo en España.

En  París  realiza sus primeras esculturas en yeso, impresionado por la escultura griega arcaica del Louvre. Allí celebra su primera exposición en 1950.

En 1951 regresa definitivamente a San Sebastián, y comienza a trabajar en hierro, material con el que trabajará el resto de su vida. Con la idea de que el arte debía ser accesible a todos, realizó a lo largo de su vida numerosas obras públicas, así como esculturas para museos de todo el mundo. Sus obras dialogan con el entorno, por lo que muchas son ya consideradas lugares emblemáticos para los ciudadanos, como ocurre con el donostiarra “Peine del viento” y con la “Puerta de la Libertad” de Barcelona.

A lo largo de su vida, Chillida recibió numerosos premios y galardones. Fue académico de San Fernando, y miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias, Honorario de la Royal Academy of Arts de Londres y de la Orden Imperial del Japón, y obtuvo la Gran Cruz al Mérito Humanitario de la Institución del mismo nombre de Barcelona.

Además de en su Museo Chillida-Leku de Hernani, está representado en museos y colecciones de todo el mundo, como el Guggenheim de Bilbao, el MOMA de Nueva York, el Reina Sofía de Madrid, la Tate Gallery de Londres o la Neue Nationalgalerie de Berlín.

 

 Experimenta con distintos materiales pero da prioridad al hierro, con  la geometría, la luz y la sombra y  con el tratamiento del  espacio interior esculpiendo bloques de hierro o madera donde aparece una mezcla de arquitectura y escultura, como en su El peine del viento en la costa de San Sebastián. Desde los años 80 esculpe monumentales obras que aparecen las ciudades o en espacios naturales como Elogio del horizonte o Monumento a la tolerancia en Sevilla.

Acceso a obras del Museo de Chillida-Leku en Hernani

El peine del viento. Playa de San Sebastián.

Elogio del Horizonte

Buscando la luz (Batió récords en la subasta de la Casa Christie.

Buscando la luz IV. Chillida. 16 toneladas, acero, 8 m de altura

Grabado Chillida

JORGE OTEIZA. “El arte está en los hombres no en los museos”.

Pensar, investigar sobre el vacío. “Hago escultura para saber de que trata la escultura”. “La escultura es un  combinado de espacio con volúmenes”

Jorge Oteiza (1900- 2003). Artista vasco. Realiza una escultura abstracta, siente admiración por Malevich y el Constructivismo ruso, su obra se basa en la experimentación matemática y geométrica de las formas que envuelven el vacío. Representa el espacio y la desmaterialización. Sus obras son fruto del análisis objetivo y la abstracción geométrica.  Sus obras adquieren dimensiones arquitectónicas. Anuncia el minimalismo. Destacan sus series de cajas vacías, la ola.

Caja vacía. Jorge Oteiza

Desocupación de la esfera. Jorge Oteiza

Construcción vacía. Jorge Oteiza

 

Agustín Ibarrola (nacido en 1930)

Experimenta con materiales diversos: traviesas, bosques, acero, cartones, piedras.  Representa el Constructivismo. Muy comprometido política y socialmente. Destaca la monumentalidad, colorido y el expresionismo de sus obras. Se inspira en la naturaleza. Obras más destacadas El Bosque de Oma cerca de Guernica, El bosque Encantado en Salamanca, Los cubos de la memoria en el puerto de Llanes. Sus intervenciones en la naturaleza han despertado controversia por el impacto ambiental de las pinturas sobre los troncos de los árboles.

El bosque de Oma. Ibarrola

Cubos de la memoria. Llanes. Agustín Ibarrola

Jardín de Oma, Ibarrola

Escultura española del siglo XX. Pablo Gargallo

Bloque VI

Uno de los padres de la vanguardia española. En su estancia en París descubre el Cubismo y evoluciona desde la figuración hacia la abstracción y el expresionismo. Forma parte de la Edad de Plata de la cultura española.

Innova con el hierro. Trabaja con planchas metálicas que moldea y da forma. Sus obras son ligeras, va vaciando la masa para  esculpir el vacío, los contrastes de luz,…

Acceso al Museo Pablo Gargallo de Zaragoza (enlace)

El Profeta. Una de sus obras más emblemáticas

Copia la ficha técnica  y análisis en el siguiente enlace

EL Profeta. Pablo Gargallo. Planchas de bronce

Greta Garbo con pestañas. Pablo Gargallo

Cuando Gargallo realiza la primera máscara metálica, en 1907, y sobre todo al desarrollar su primera época del cobre, utiliza finas chapas de cobre o hierro, de las que recorta las distintas piezas que han de componer la escultura. Una vez repujados, modelados, torsionados los elementos del conjunto, la unión de todos ellos se resuelve mediante ligeros remaches e ingeniosos ribeteados y engarzados.

Bailarina. P Gargallo

Kiki de Montpamasse. Gargallo. 1928

 

Para ver más obras en el blog forma es vacío, vacío es forma (enlace)