Joyas Modernistas. René Lalique y Lluis Masriera

Mujer-libélula. Broche. Lalique. Art Nouveau

Las joyas alcanzan gran protagonismo en el Modernismo por las formas decorativas, la utilización de piedra semipreciosas, por la inspiración en la naturaleza y por la influencia  del arte japonés. Los dos focos más importantes fueron París y Bruselas.

René Lalique (1860-1945). EL PADRE DE LA JOYERÍA MODERNA. 

Consulta este enlace. René Lalique; orgánico, innovador y transversal

René Lalique, joyero y vidriero francés; uno de los mejores  diseñadores del Art Nouveau. Fue el joyero más importante de finales del siglo XIX y principios del XX.

El estilo de Lalique se caracteriza por inspirarse en  la naturaleza creando formas de gran elegancia y delicadeza.  El uso del vidrio se convertirá  en un elemento característico de los diseños de los objetos y joyas del artista. POPULARIZÓ EL CRISTAL.

Se inspiró en el arte japonés para diseñar los broches de libélulas. Revolucionó el mundo de la joyería al dar prioridad a las formas  escultóricas y a la introducción de materiales (hasta ahora descartados) como cristales, mosaicos, marfil, piedras semipreciosas y sus característicos esmaltes opalescentes (gama de colores del azul al verde). Otra de sus señas de identidad es la presencia de la mujer metamorfeada en partes de insectos y  el mundo animal: libélulas, mariposas, insectos, pájaros, seres fantásticos…

Lalique dio a conocer sus obras en la Exposición Universal de París del año 1889, aunque el éxito le llegará más tarde, a finales del XIX, convirtiéndose en el joyero de lujo de Francia. Trabajó para la casa Cartier o Boucheron. Consiguió fama en vida y hoy es un referente del lujo, creatividad e imaginación.

Broche- cabeza de mujer. René Lalique. Modernismo

Enlace a más obras de Rene Lalique

Las joyas de Lluis Masriera

Joyas. Masriera.Modernismo

Lluís Masriesa, barcelonés, pertenece a una familia culta  de joyeros y orfebres. La firma Masriesa es una de las más prestigiosas
del mundo joyero.

El descubrimiento del trabajo de los orfebres franceses en la Exposición Universal de París fue un momento clave para él. Empezó a hacer sus propios diseños hasta convertirse en el joyero del Modernismo catalán y uno de los principales representantes de la joyería del Art Nouveau, logrando renombre internacional. Creó la técnica de esmaltado Barcelona y moldes que aún se conservan.  Sus joyas tienen un singular carácter decorativo, desde temas simbolistas, hasta joyas plagadas de ninfas, flores y libélulas. Hizo Colgantes, pulseras, pendientes, broches, peinetas, cuberterías, juegos de café, etc. Trabajaba el oro, plata, marfil, pero lo más apreciado son sus esmaltes.

Artes decorativas. El mueble modernista

Rennie Mackintosh. Detalle vidriera. Art Nouveau. Escocia

El Art Nouveau ó modernismo no sólo se dió en  pintura, escultura y arquitectura, sino también en artes aplicadas o decorativas y en artes gráficas. Influyó en el diseño de mobiliario, cerámica, cristalería, lámparas, joyería, etc.  En definitiva, influyó en todo tipo de objetos útiles de la vida cotidina.

• Sus raíces pueden encontrarse en el Reino Unido, en el movimiento Arts & Crafts  liderado por el artista y diseñador William Morris.
• Los elaboran de forma artesanal.
• Utilizan diseños donde prima lo ornamental y lo simbólico.
• Se inspiran en la naturaleza: Hojas y ramas entrelazadas (arabescos), lianas, algas y lirios.
• Animales exóticos ondulantes (cisnes, pavo real, pulpos).
• Figuras humanas femeninas (ninfas, sirenas, damas voluptuosas, etc.)
• Predominan las líneas látigo o serpentinas
• La forma de los muebles eran reducidos a curvas elegantes adornadas con latón, tallados, dorados o marfil.
• Eran muebles muy complejos, que por su detalle  eran hechos artesanalmente.
• Utilizan maderas tropicales.
• Una pieza característica del Art Nouveau son las lámparas Tiffany que se produjeron entre 1885-1920, caracterizadas por bases de metal, decoradas con vitrales únicos en su tipo. Hoy en día es difícil encontrar una lámpara Tiffany original, pero podemos encontrar este estilo de lámparas en la decoración de muchos hogares.

Para saber más consulta enlace

 

Silla Hill- House o silla Mackintosh. Modernismo

La Hill House Chair, conocida popularmente como la “silla Mackintosh”, fue diseñada en 1902/1904 por el arquitecto Charles Rennie Mackintosh para el dormitorio de la Hill House (casa de la Colina) de Helenburgh, cerca de Glasgow. Dos de estas sillas, junto con un taburete eran los únicos elementos negros de una estancia con predominio de tonalidades blancas. El mismo arquitecto se encargó también del resto de la decoración interior.

Una técnica que se repite en el interior de Mackintosh fue su uso de sillas negras como foco visual, a menudo en contraste con las paredes blancas para un mayor impacto.

Existe la versión blanca de esta silla, aunque cabe destacar que la negra es la  utilizada en la Hill House. La retícula de pequeños cuadrados superiores en esta silla es precisamente el motivo decorativo más asociado a Mackintosh. De hecho en el dormitorio de la Hill House esta retícula se encontraba también a los pies de la cama, en el espejo del tocador, en el copete de la silla, y en el batiente de la ventana, haciendo de elemento damnificador del conjunto.

Elaborada en madera de fresno teñida de negro (actualmente laqueada) con asiento tapizado en terciopelo blanco, se la reconoce especialmente por su característico respaldo de 1,41m de alto. Su principal objetivo nunca fue funcional o comercial, sino decorativo: Es una obra de arte para contemplar y admirar, más que para sentarse a diario.

A finales del XIX fue la cultura  japonesa  influyó en el diseño europeo, aunque de forma minoritaria, ya que sus formas rectas y ortogonales se oponían a las modernistas de la época. La combinación de estas dos influencias (modernismo con toques japoneses) fue desarrollada en Escocia por Charles Rennie Mackintsoh, emulada hasta la saciedad en Estados Unidos por Frank Lloyd Wright, y secundada por algunos diseñadores de la Secesión Vienesa como Joseph Hoffmann.

Mackintosh se ocupó también de la construcción de la Escuela de Arte de Glasgow

Para saber más de los diseños de Mackintosh

 

 

Artes decorativas. La revolución del vidrio. C. Tiffany y E. Gallé

 

Vidriera. Louis Comfort Tiffany

Louis Comfort Tiffany (18 de febrero de 1848 – 17 de enero de 1933). Artista y diseñador industrial estadounidense, muy conocido por sus trabajos en vitral. Es el artista norteamericano que más se asocia con el movimiento Art Nouveau.

Tiffany fue pintor, decorador de interiores, diseñador de ventanas y lámparas en vitral, mosaicos de vidrio, vidrio soplado, cerámica, joyería y trabajos en metal.

 

 

 

EMILLE GALLÉ (para saber más consulta el enlace)

Emile Gallé fue un artista francés que trabajó el cristal y es considerado uno de los mayores representantes del movimiento Art Nouveau francés. La fama le llega a partir de la Exposición Universal de París de 1889. Trabajó todas las técnicas del vidrio opalescente. Sus mayores aportaciones son: la técnica de tratar el vidrio como si fuera una pintura (técnica de marquetería), la variedad de tonalidades en una misma obra superponiendo capas de vidrios, las monturas y la temática variada (se inspiró en la naturaleza, la Antigüedad, el Impresionismo, Japón, la literatura, etc.). Realiza jarrones con formas zoomorfas, ánforas, platos, etc.

El cartel publicitario en Cataluña. Alexandre de Riquer

Cartel para alfombras. Riquer

Alexandre de Riquer i Ynglada, fue una de las figuras más importantes del modernismo catalán. Pertenece a una familia aristocrática, recibe una formación exquisita en Roma, París y Londres, en esta última ciudad descubre a los prerrafaelistas y  a la pintura japonesa que ejercerán una gran influencia en su obra.
Riquer destacó especialmente como diseñador gráfico, con gran dominio del dibujo. Su gran producción artística influyó en la estética modernista, siendo el autor de algunas de las imágenes gráficas más representativas del modernismo catalán. Hizo carteles, aguafuertes, ilustraciones en libros y revistas, diplomas, postales, sellos, recordatorios, menús, partituras, tarjetas comerciales y ex-libris.

En esta época el  cartel ve crecer su importancia como elemento de promoción comercial, cualquier tipo de producto – alimentos, bebidas, medicamentos, muebles, espectáculos, vehículos, etc. – es anunciado por este procedimiento.
Los mejores carteles de Riquer se caracterizan por la decoración simbólica, por la técnica japonesa del formato muy alargado y por la disposición de los colores en manchas sin relieve, separadas por líneas espesas, de tonalidad cromática apagada, muy armónica. Aparece, como elemento central, la figura femenina acompañada habitualmente de formas curvas,  junto a representaciones de elementos naturales, básicamente vegetales. Los motivos que aparecen en los carteles transmiten una imagen de vitalidad que exalta la juventud, la vida, la representación de lo positivo: el sol naciente, la alegría.

 

Cartel granja avícola. A. Riquer

Escribir una leyenda

Escultura modernista. Josep Llimones

 

El Desconsuelo. Mármol.  J LLimones. Modernismo

Escultor barcelonés de la 2ª mitad del siglo XIX (1964) y primeras décadas del XX (1934). Completa su formación escultórica en Roma, París y otras ciudades europeas donde entra en contacto con las diferentes corrientes artísticas. Fue un artista que triunfó en vida; alcanza gran reconocimiento de la crítica y de las instituciones a raíz del monumento a Ramón Berenguer El Grande.
En su primera época se caracteriza por una escultura neoclásica.

A partir del siglo XX, su experiencia vital, el conocimiento de los clásicos y la influencia de Rodin le lleva a buscar nuevas formas de expresión. Es el mejor representante de la escultura modernista y simbolista catalana y española, se especializa en el modelado de cuerpos y temas religiosos. Domina el mármol blanco. Destaca la elegancia de los desnudos femeninos, la emoción que transmiten sin estridencias. Muchas de sus esculturas femeninas adornan parques y cementerios.

Obras:

• Femeninas: Desconsuelo, Juventud, Cordelia, Meditación, Belleza…
• También representa cuerpos musculosos masculinos como el Forjador, Sant Jordi o monumento a los Mártires de la Independencia.
• Grupos escultóricos funerarios con gran presencia femenina en el cementerio de Montjuit, Cadaqués, etc.

Escultura ecuestre de Ramón Berenguer III. Llimona.

Juventud o Cabellera. Llimona. Modernismo

Maternidad. J Llimona. Modernismo

Modesta. Bronce.

 

1ª Comunión. Estofado. Madera. Llimona

María Llimona. Mármol. Tibidabo. Modernismo

El ángel guardián. Cementerio de Comillas. J LLimona

San Jordi. Bronce. J LLimona. Parque de Montjuic

El Forjador. Plaza de Cataluña. J. Llimones

Antoni Gaudí. Modernismo

Detalle. Casa Batlló. Gaudí. Modernismo.

Recursos:

REPASA LA OBRA DE GAUDÍ A PARTIR  DE LA DIAPOSITIVA 61

El despertar de la Casa Batlló. Mapping oficial

DETALLES: ARCOS PARABÓLICOS, CATENARIOS, BÓVEDAS HIPERBÓLICAS INSPIRADOS EN LA NATURALEZA.

DETALLES: INTERIOR CASA BATLLO ( dinamismo, trencadis)

CASA MILÁ O LA PEDRERA (cantera en catalán)

Fachada casa Milá o Pedrera

Patio. Casa Milá o Pedrera

PARQUE GÜELL (Fantasía, organicismo, dinamismo, trencadis)

 

Detalle Parque Güell. Técnica Trencadis*. GaudíTrencadís (trozo de azulejo), tipo de técnica ornamental del mosaico a partir de fragmentos cerámicos —básicamente azulejos— unidos con argamasa; muy habitual y característico en la arquitectura modernista catalana., especialmente utilizado por Gaudí.

SAGRADA FAMILIA

La Sagrada Familia, en imágenes
Recorrido por la basílica del máximo exponente de la arquitectura modernista catalana, diseñada por Antoni Gaudí.

Arquitectura Art Nouveau. Víctor Horta

Escalera de la Casa Tassel. Víctor Horta

 Arquitecto belga (Gante, 1861 – Bruselas, 1947). Es  uno de los pioneros y principales representantes del modernismo arquitectónico. Creó un lenguaje original, basado en el predominio de la línea curva y en la integración de elementos arquitectónicos y decorativos. En la Casa Tassel, su primera obra, se advierte ya esta orientación estilística, que culminó en el Casa Solvay, caracterizada por una original decoración diseñada por él mismo e inspirada en motivos vegetales.

La Casa Tassel, casa unifamiliar, fue una obra rupturista que generó una viva polémica entre la sociedad de Bruselas. En ella aparecen algunos de los rasgos que caracterizan la arquitectura Art Nouveau:

• Equilibrio armónico de la estructura (se ve) y ornamentación.
• Rechazo de las líneas geométricas y gusto por  las curvas.
• Por primera vez en una vivienda particular se utilizan los materiales más modernos de la época (vidrio e hierro) que ha aportado la Revolución Industrial.
• Nueva distribución de la planta del edificio: Víctor Horta sustituyó el formato típico de los vestíbulos de las casas belgas, un pasillo, por un espacio octogonal más amplio.
• Protagonismo de la Escalera.
• Luz cenital.
• Simular espacios mucho más grandes de lo que son.
• Compendio de todas las Bellas Artes.

PRINCIPALES OBRAS DECLARADAS PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD DESDE 2000

• CASA DEL PUEBLO
• CASA HORTA
• HOTEL SOLVAY
• CASA TASSEL (lee comentario)

Fachada Casa Tassel

Fachada casa Horta

Casa del pueblo

DETALLES DE FACHADAS

Detalles de la Casa- Museo Horta

Detalles de Casa Horta

 

Música española. Isaac Albéniz y Enrique Granados

Isaac Albéniz. Compositor español

Información obtenida de Biografías y vidas

(Camprodón, 1860 – Cambo-les-Bains, Francia, 1909) Compositor y pianista español. Niño prodigio, debutó como pianista a los cuatro años, con gran éxito, en un recital en Barcelona. Tras estudiar piano en esta ciudad  prosiguió sus estudios en Madrid, adonde su familia se había trasladado en 1869.

Aunque cultivó variados géneros, en su obra predominan las composiciones para piano. En su música para este instrumento se pueden distinguir tres épocas. En la primera, que abarca desde sus composiciones de juventud hasta aproximadamente 1880, Albéniz compone obras de carácter romántico e intimista, influidas claramente por la música de salón. Entre las principales piezas de dicha etapa cabe citar sus siete sonatas para piano y sus tres Suites anciennes, además de los Seis pequeños valses.

Su etapa nacionalista española se abre con las cinco piezas que integran los Cantos de España (Preludio, Oriental, Bajo la palmera, Córdoba, Seguidillas). La mayoría de las composiciones de esta segunda etapa están inscritas en la corriente de tintes andaluces denominada «alhambrismo», caracterizada por la profusión de ritmos de danzas populares y de elementos del cante jondo, así como por el uso de escalas modales como la frigia y ornamentaciones propias de la escritura para guitarra; no obstante, en algunas piezas de este período también se escuchan rasgos folclóricos de otras provincias españolas. Otras obras incluidas dentro de este apartado son las Doce piezas características, la Suite Española y el Concierto fantástico en La menor.

Enrique Granados. Compositor y pianista español

 

 Lérida, 1867 – en el canal de la Mancha, 1916 Pianista y compositor español. Era hijo de padre cubano y de madre gallega. Su disposición para la música se reveló ya en su niñez.

Su obra maestra como compositor es la suite para piano Goyescas (1912 y 1914), inspiradas en obras del pintor español Francisco de Goya. Varios temas de la suite aparecieron de nuevo en una ópera también titulada Goyescas (1916).

Se representó por primera vez en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Del resto de su producción se pueden destacar las Doce danzas españolas para piano y las canciones amatorias.

Enrique Granados falleció el 24 de marzo de 1916 cuando viajaba a bordo del SS Sussex, hundido durante la I Guerra Mundial en el canal de la Mancha por un submarino alemán. El barco comienza a hundirse y su mujer cae al mar, Granados intenta salvar a su esposa pero ambos mueren ahogados.

Música española. Manuel de Falla (1876-1946)

 

 Compositor y pianista  español que influyó en las posteriores generaciones. Su estilo evolucionó desde el nacionalismo inicial y tendencias populares, como la zarzuela, hacia el Impresionismo. Después, su obra se vuelve completamente andalucista,  en los últimos años la composición es pura, libre de tintes locales.

Su madre, que era pianista, le transmite los primeros conocimientos musicales. En Madrid cursa los siete años de carrera de piano en sólo dos y obtiene un Primer Premio.  Más tarde visitó París, Londres y otras capitales europeas. La Guerra Civil lo sume en un encierro del que sólo salió para exiliarse en Argentina, donde continuó trabajando en el oratorio Atlántida.

Principales Obras
1905 La vida breve (ópera).
1906 Cuatro piezas españolas (piano).
1915 Siete Canciones Populares Españolas (voz y piano), El amor brujo (ballet), Noches en los Jardines de España (piano y orquesta).
1919 El sombrero de tres picos (ballet basado en El Corregidor y la Molinera), Fantasía Bética (piano).
1920 Homenaje a Debussy (guitarra).
1922 El retablo de Maese Pedro (obra escénica basada en El Quijote).
1924 Psyché (canto y cinco instrumentos).
1926 Concierto para clave y cinco instrumentos.
Póstuma; Atlántida (oratorio completado por Ernesto Halffter)

Música Impresionista. Ravel

MAURICE RAVEL ( 1875-1937)  fue un compositor francés del siglo XX. Su obra vinculada al movimiento artístico del Impresionismo, posee hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para la orquesta.

 Ravel nació en la ciudad francesa de Ciboure, en la frontera con España. Su madre era del País Vasco y creció en Madrid. Ravel estaba muy apegado a su madre y la herencia española tendrá  gran influencia en su música y en su vida. Entre sus primeros recuerdos aparecen las canciones populares que ella le cantaba. Maurice empezó a recibir clases de piano en París, a la edad de seis años. Aunque poseía un gran talento para el piano prefería la composición.

Sentía un gran aprecio por los animales y los niños y sus obras tratan sobre ellos por ejemplo en “Mi madre la oca”, se incluye música basada en los cuentos de hadas (La Bella Durmiente, Pulgarcito, La Bella y la Bestia, etc.) Ravel se alistó como soldado en la Primera Guerra Mundial, pero debilitado y enfermo tuvo que regresar a París. Tras la muerte de su madre entró en un estado de gran tristeza y se retiró a vivir al campo encontrando la inspiración en sus paseos por los bosques.

Fue un músico muy perfeccionista, componiendo poco y lentamente. La música es refinada y elegante, destaca por su extraordinario colorido orquestal y el exquisito uso que hace de la instrumentación. Entre sus obras podemos citar «Pavana para una infanta difunta», «Espejos» y «Bolero».