Movimiento artístico que surge en Francia en 1873 cuando realizan la primera exposición colectiva en los salones del fotógrafo Nadar y finaliza en 1886 cuando tiene lugar la última exposición conjunta.
Los pintores impresionistas rechazaban los mandatos de la Academia Francesa de Bellas Artes, que indicaba cómo había que pintar, y patrocinaba las exposiciones de los pintores clásicos. Por eso realizaron su primera exposición en el que se llamó el Salón de los Rechazados, lugar donde exponían los no aceptados en el Salón Oficial.
El mejor pintor impresionista fue Claude Monet, su cuadro “Impresión: sol naciente” dio pie para que un crítico, en un tono despectivo, denominara “impresionistas” a todos los pintores que habían participado en la exposición, a raíz del nombre del citado cuadro. Pero los impresionistas adoptaron con gusto el nombre porque respondía a sus principios.
Partiendo de las investigaciones en el campo de la física y de la óptica, según los cuales la luz no es blanca sino que está compuesta por todos los colores, comenzaron a pintar observando y representando la realidad que veían, de otra manera.
Era necesario para ello ver la luz en todas las cosas, y tratar de captar de manera rápida, el efecto fugaz de la luz sobre los elementos. Todas las cosas tienen color, decían ellos, incluso las sombras (rechazan el negro). Y partiendo de la composición de la luz por todos los colores, aplicaban sobre la tela pinceladas yuxtapuestas de colores puros, pretendiendo que fuera el observador quien, en su retina, realizara la mezcla del color buscado. La pintura realizada no podía ser demasiado elaborada, ni las formas excesivamente definidas. Sólo se aplicaban manchas de color, y de manera rápida, ya que la luz sobre los elementos cambia a cada momento.
Otros pintores impresionistas fueron Auguste Renoir, Camille Pissarro, Edgard Degas, y Alfred Sisley. Mujeres impresionistas: Berthe Morisot (expone en la primera exposición), Mary Cassatt que participa en varias y Eva Gonzales. En España destacan: Regoyos, Rusiñol, Casas y sobretodo Sorolla.
PAUTAS:
Estudia los apuntes
Repasa las características, autores y obras con las siguientes presentaciones.
Presentación de la profesora Ana Rey para conocer las características del Impresionismo
Presentación del profesor Tomás Pérez Molina para autores y obras.
Charles Chaplin es uno de los grandes creadores de la historia del cine, el pionero. Es considerado un genio, un símbolo del humorismo por sus películas mudas, que dirigió y protagonizó.
Nace en Londres en 1889 y desde pequeño se busca la vida realizando pantomimas en la calle y actuando en teatros. Pronto se labra una carrera como actor profesional. Con 17 años ya actuaba como actor de mimo. En 1910 viaja a EEUU y en seguida graba películas que le llevan al estrellato y a independizarse. Se convierte en guionista, director y protagonista de sus películas:
• En la película El Vagabundo, da forma a su personaje universal: Charlot, icono del cine antiguo, un vagabundo con modos refinados, ropa y decencia de un caballero elegante; con frac, zapatos grandes, el sombrero hongo, bigote y bastón de bambú.
• Las películas más importantes fueron: “Una Mujer de París” (1923), seguido por “La quimera” (1925) y el “Circo” (1928) entre otros. Su única obra dramática fue “La opinión pública” (1923).
• “Tiempos modernos” es la primera película en la que se escuchó por primera vez su voz.
• Como cine sonoro gravó “El gran dictador”, donde realizó una parodia a Adolfo Hitler.
La palabra ópera proviene de la lengua italiana y hace referencia a la obra teatral cuyo texto se canta con acompañamiento de una orquesta. El término se aplica para nombrar a la obra, al poema dramático destinado a este tipo de representación, al género que agrupa estas obras, a la música típica del género y al teatro construido para representar óperas.
Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este género a su cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros por toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias. A lo largo del siglo XIX destacan dos artistas: Verdi en Italia y Wagner en Alemania
VERDI
Biografía de Guiseppe Verdi,
(Roncole, actual Italia, 1813-Milán, 1901) (enlace)
Principales obras: Nabucco, Rigoletto, La Traviata, Aida, Otello y Falstaff
Ludwig van Beethoven, 1770, Bonn, Alemania- 1827, Viena, Austria. Fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo musical.
Compuso una gran número de obras: Sinfonías, Sonatas, etc.
Entre los más apasionados admiradores e intérpretes del compositor alemán Ludwig van Beethoven figura el director de orquesta austriaco Herbert von Karajan, considerado el más innovador que dio el siglo XX. Al frente desde 1955 hasta 1989 de la mejor orquesta del mundo, la Filarmónica de Berlín, el austriaco revitalizó la lectura de las partituras del genio en extraordinarios conciertos y grabaciones. En el siguiente vídeo podemos apreciar su vigorosa interpretación de parte del primer movimiento (allegro con brio) de la Sinfonía nº 5 de Beethoven, que es también una de páginas más célebres del genial compositor. Biografías y vidas
Paco de Lucía: “Cuando otros cantaores recurrían a letras con temática social, la voz desgarrada de Camarón evocaba por sí sola la desolación de su pueblo»
Camarón: “Paco de Lucia es un guitarrista redondo”
Camarón y Paco de Lucía, dos artistas que tras anexionar su voz y su guitarra fundaron las bases del flamenco moderno y la difusión mundial del flamenco. La mítica pareja, surgió en Madrid, grabaron más de diez discos como El Duende Flamenco (1972) y Fuente y Caudal (1973)
José Monje, Camarón de la Isla, y Paco de Lucía se conocieron a principios de los años sesenta en Jerez de la Frontera. Con la tutela del padre de Paco de Lucía, Antonio Sánchez Pecino, el cantaor y el tocaor comenzaron a circular por los tablaos más importantes de España levantando una pasión casi divina entre los seguidores del Flamenco.
Íntimos amigos y fumadores empedernidos, Paco de Lucía y Camarón grabaron más de una decena de discos hasta que Camarón cambio de productor y abandonó al padre del guitarrista. Pero los genios saben reencontrase y tras dos años sin hablarse volvieron a aunar sus talentos en el disco de Camarón “Como el agua”.
Fueron ellos, dos maestros, cada uno de un palo distinto del flamenco, los “culpables” de la introducción al flamenco de nuevos estilos e instrumentos. Nuevas influencias que sorprendieron a los flamencos más puristas pero que transformaron este arte que, en parte gracias a ellos, comenzó a cruzar fronteras. Una pareja de amigos que iniciaron una nueva escuela de Flamenco.
«Abbey Road», la foto más emblemática de los Beatles.
The Beatles fue una banda de pop/rock inglesa activa durante la década de 1960, reconocida como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular.
Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por
John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), fue asesinado.
Paul McCartney (bajo, vocalista),
George Harrison (guitarra solista, vocalista) (ya muerrto) y
Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años 1950, la banda trabajó más tarde con distintos géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico, incorporando a menudo elementos clásicos, entre otros, de forma innovadora en sus canciones. La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «Beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Su estilo inicial fue muy original, con ritmos irresistiblemente pegadizos como el rock and roll y R&B, The Beatles pasaron el resto de la década de 1960 expandiendo las fronteras estilísticas del rock, siempre apostando a nuevos territorios musicales en cada versión. Su más sofisticada experimentación fue utilizada en una gran variedad de géneros, incluyendo el folk rock, country, psicodelia, pop y barroco,
Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.
El icónico logotipo de The Beatles con la letra «T» alargada hacia abajo hizo su debut en 1963, cuando fue utilizado por primera vez al frente de la batería de Starr,
Su primer sencillo, «Love Me Do» les dio fama internacional, hicieron un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente a la grabación en el estudio hasta su disolución en 1970
El álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), es considerado por muchos como su obra maestra.
En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número uno en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos».1 De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años 1960.
Una de las bandas más influyentes de todos los tiempos
Popularizaron y comercializaron la música.
Música de masas
El amor fue la temática principal de las canciones
Las letras de sus canciones, influyeron a que el idioma inglés se aprendiera en países no anglosajones, a través de la música grabada.
Modelos a imitar por la juventud que vistió y se peinó como ellos. Representaron a una generación con ganas de libertad. Marcaron las tendencias de la moda masculina y fueron ejemplo a seguir por su imagen rebelde que los muestra irrespetuosos ante la autoridad y la política.
Es la banda que inicia las giras multitudinarias y dan conciertos en estadios
Son los primeros en lanzar los álbunes musicales y con las letras impresas
Los primeros en realizar un vídeo musical
Provocaron la mejora las técnicas de los estudios de grabación
Lanzan la industria musical
Yesterday es el tema más versionado de todos los tiempos.
Miles Davis y Chet Baker, dos genios del jazz, dos de los mejores trompetistas de la historia.
Breve historia del Jazz.
El jazz es un género musical, nacido a mediados del siglo XIX en los estados del sur Nueva Orleans) de Estados Unidos. Los esclavos de origen africano que trabajaban en las plantaciones tenían por costumbre en sus reuniones divertirse cantando y tocando palmas, batiendo pies y diferentes tipos de instrumentos de percusión artesanales como tambores.
En los años 10 surgen las 1ª agrupaciones compuestas por tres instrumentos básicos: la tuba, la corneta y el saxofón más la batería, el bajo, el clarinete y el trombón que se encargaban de la base rítmica; y más tarde se incorpora un pianista.
Años 20. La expansión de los Estados del Sur al Norte: Las bandas en San Luis acompañan los funerales con música triste y alegre al volver. Alcanzan gran popularidad y se contratan para los burdeles. Las autoridades los cierran en Nueva Orleans y las bandas se van al norte, a tocar a los clubs de las mafias de Chicago y NY. Estas bandas constaban de seis miembros: piano, banjo o guitarra, tuba o contrabajo en la sección rítmica; y en la melódica, el trombón, la trompeta y el clarinete. El jazz de esta década se caracteriza por la pulsación rítmica en los tiempos débiles, se desplazan los acentos rítmicos hacia el segundo y cuarto tiempo, sobre todo en la batería.
Años 30: La dignificación y profesionalización del Jazz. Los solistas como Louis Amstrong. El swing (Glen Miller) y las Big Bands. Esta época se caracteriza por los ritmos improvisados de bases del blues y en el riff (frase repetitiva) y por el auge de los/las cantantes.
Años 40. El Jazz se internacionaliza. Comienza la improvisación (Be Bop). Desaparecen las Big Bands.
Años 50. El nacimiento del cool Jazz. música más cerebral, que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera “calma y meditativa”.
Años 60. El free jazz o la improvisación
Años 70. Jazz fusión (mezcla de jazz-rock, jazz-flamenco, jazz-afrocubano). Miles Davis.
Años 80. El auge del “neo-tradicionalismo”. Sigue la crisis de identidad por el alejamiento de las raíces del jazz.
Años 90 hasta la actualidad. A partir de la década de los 90, este género musical convivió con otros como el rock, el pop, blues etc.
«Pocos genios de la música han dejado, además de una gran obra, una vida de película. Siempre al borde del abismo, Miles Davis y Chet Baker – tan distintos musicalmente- llevaron vidas muy parecidas. Intensas, rotas y marcadas por la droga. Dos filmes indagan en la desenfrenada biografía de estos dos colosales trompetistas.»Lee Hollywood se engancha al Jazz
MILES DAVIS. ÉL ES EL JAZZ. Del Cool-jazz al jazz-fusión (años 60-70)
Miles Davis. Un genio del Jazz y de la trompeta
Datos biográficos. TROMPETISTA. Calidad. Intimismo y suavidad. Experimentación
Nació el 25 de mayo de 1926 en Alton, Illinois (Estados Unidos) en el seno de una familia de clase alta. A los 13 años le regalaron su primera trompeta. Muere en 1991.
Fue uno de los más grandes innovadores y pioneros del jazz. El toque de su trompeta tenía una inconfundible calidad y característico gracias a la sordina (Pieza que sirve para disminuir la intensidad del sonido o para cambiar el timbre de algunos instrumentos musicales, generalmente los de metal) de acero Harmon, que le proporcionaba un toque íntimo y suave.
A finales de los años 40, se encontró con el arreglista Gil Evans, con el que abriría el camino al cool jazz y con quien grabó Birth of the Cool, Miles Ahead, Porgy and Bess y Sketches of Spain. Se rodeó de músicos de bebop y funda el hard bop, una forma musical revolucionarla que tuvo importantes consecuencias.
A finales de los años 60 empezó a experimentar con el jazfusssion con más ritmos de rock e instrumentos eléctricos y en los 70, se dirigió a los sonidos más frescos del funk. Fue uno de los músicos más innovadores de su generación y contribuyó a formar jóvenes talentos.
Davis, graba a los 33 años ‘Kind of blue’ (1959) -su disco insignia y una de las obras esenciales del jazz y de la música en general- e incluso así hoy sería considerado una leyenda. Escucha King Of Blue.
Miles Davis era un tipo contradictorio, irascible pero entrañable. Miles era irritable y, en muchas ocasiones, irritante. Paradójicamente, la contención y el silencio fueron los vectores que delimitaron muchos de los pasajes de mayor intensidad emocional de su obra jazzística.
Dejó más de 120 grabaciones, incluyendo varias en vivo de las giras que realizó sobre todo en los últimos años por Europa.
En 1929, nacía en Yale (Oklahoma) un mito del jazz: Chesney Henry Baker Jr. Conocido por el nombre artístico de Chet Baker. Su formación como músico sencillamente no existió, fueron sus grandes aptitudes para la música junto con la práctica incansable quienes forjaron a este excepcional artista. Un gran oído musical y una gran memoria hicieron el resto.
Cantaba y tocaba la trompeta al estilo del jazz de la Costa Oeste de los años cincuenta y con el tiempo recibiría la influencia de otro trompetista legendario: Miles Davis.
Pronto empezaron sus problemas con la droga, por los que ingresó varias veces a prisión en algunos países europeos y también sufrió una agresión brutal.
Chet Baker hipnotizó a sus audiencias con su manera de tocar y cantar, única e irrepetible, lánguida, como abstraida, angel y demonio al mismo tiempo, que funcionaba especialmente bien cuando interpretaba baladas en las que era un auténtico maestro ya fuera soplando la trompeta o cantando con esa peculiar manera que, apenas musitando las palabras, parecía que la melodía se perdiera entre el humo de la audiencia que escuchaba extasiada.
La madrugada del 13 de mayo de 1988, Chet Baker moría al precipitarse desde la ventana del tercer piso de un hotel holandés. Tenía 59 años
El arte abstracto, de la segunda mitad del siglo XX, transforma el lienzo en grito, en algo aparentemente inarticulado e incomprensible.
Jackson Pollock (1912-1956) fue catalogado como: “El mejor pintor que Estados Unidos de América había tenido jamás“. Crea el expresionismo abstracto. 1ºestilo artístico genuinamente norteamericano.
Un personaje que alcanzó la fama y el éxito, sin embargo, su vida también estuvo marcada por “tintes negros” debido a su creciente alcoholismo y sus cambios drásticos de humor. Su hada madrina fue Peggy Guggenheim, le dio un sueldo mensual, le consiguió la casa de Long Island y lo lanzó a la fama.
Entre sus influencias, está el automatismo surrealista, el cual buscaba crear a partir de actos “no coherentes”, el muralismo mexicano (recibió clases experimentales de pintura con el famoso muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, quien le enseñaría a utilizar diversos tipos de pintura acrílicas que le facilitarían su obra futura). El Greco, Picasso, Miró.
El ascenso a la fama de Pollock se detonó gracias a cuatro personajes clave en su vida: el artista Marcel Duchamp, la art dealer Peggy Guggenheim, el crítico Clement Greenberg y su esposa Lee Krasner. Murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico debido a que conducía en estado de ebriedad.
Pollock en su estudio. Técnica actio-painting por Joe Fig
La técnica Pollock
Rompió las convenciones pictóricas al pintar sus grandes lienzos (2, 3 ó 4 metros) en el suelo para que su pintura gestual fuera más sencilla y le permitiera moverse libremente, trasladando lo vertical del cuadro a lo horizontal del suelo.
El dripping painting o chorreado era la técnica que este artista empleaba para pintar. En ella, el tipo ponía el lienzo sobre el que iba a pintar sobre el piso; y después iba caminando y saltando a su alrededor, tirando pintura como quien tira chorreaduras o manguerazos, usando para eso pinceles (utilizaba palos o pinceles endurecidos para hacer que la pintura chorreara sobre ellos) y latas agujereadas. Con esto el artista se preocupaba no por representar objetos o ideas, sino por el movimiento que el creaba sobre el lienzo, lo que le daba un elemento de gestualidad y de corporeidad a su pintura.
Este involucrar el cuerpo dentro de la pintura se le llamó action painting o pintura de acción, un tipo de pintura que se realiza en el momento y que se funde con el performance al utilizar el cuerpo y al lienzo como soporte, y sobre todo por la inmediatez de la acción.
Utilizó el esmalte sintético.
Aunque pareciera que Pollock hacía todo al azar, realmente era muy consciente de los balances de color, las cantidades de chorreado en cada sección del cuadro y la composiciones de este, por lo que este artista sí cuidaba los detalles de sus pinturas. Incluso llegaba a utilizar jeringas para dar otros efectos a sus composiciones.
Nada de perspectiva, de figuración académica ni de escalas cromáticas. Todo parece dejarlo a un aparente caos.
Pintaba con gran tensión para que fluyera el inconsciente.
OBRAS
Mural fue un encargo personal de la coleccionista y mecenas de arte Peggy Guggenheim, que había fichado a Pollock. Corre la leyenda que lo pintó en una noche. Aquí comenzó el expresionismo abstracto y accion painting.
Mural resume las influencias artísticas que habían empapado a Pollock desde sus inicios: el interés por los grandes muralistas mexicanos, como David A. Siqueiros, José C. Orozco y Diego Rivera, al que tuvo la oportunidad de ver pintar el mural para el Rockefeller Center de Nueva York; y también la honda impresión que le causó el Guernica, que pudo contemplar en 1939, primero en la galería Valentine y luego en la retrospectiva del MOMA sobre Picasso, también admiraba a Miró y El Greco.
Número 8, Pollock
Número 18, Expresionismo Abstracto, action painting, Pollock
Blue poles 11, J Pollock
Blue poles, o la número 11, tuvo una polémica de compra en 1972 donde la Australian National Gallery adquirió la imagen por 1.3 millones de dólares. La sociedad australiana se escandalizó por el alto precio por una pintura abstracta. Hoy en día es una de las imágenes más visitadas y consideradas
Autum, 30, Pollock
Otoño es una de las más icónicas pinturas de la etapa dripping painting de Pollock. La predominancia de tintes negros y blancos sobre fondo café inspiran precisamente el paso estacional del otoño en occidente. La pintura se exhibe actualmente en el MoMa de Nueva York.
Lo profundo, 1953, J. Pollock, Expresionismo Abstracto
Los contrastes negros sobre blanco dan precisamente una sensación de profundidad.
Fue la Escuela de arte más influyente de la historia. Pionera en unir técnica y arte al servicio de la Arquitectura. Cuna de la vanguardia arquitectónica Europea y occidental.
La Bauhaus cambió tres veces de sede, por eso podemos distinguir varias etapas:
1ª etapa: Weimar (1919-25): Gropius estuvo a cargo de la dirección hasta 1928. 2ª etapa: Dessau (1926-32) Entre 1926 y 1932 la Bauhaus se estableció en Dessau. Meyer era el director. 3ª etapa: Berlín fue la última sede (1932-33). Mies van der Rohe fue su director y con él pasó a ser una escuela privada.
La Bauhaus (escuela de construcción en alemán) es una escuela que surge en 1919 en Weimar, a 200 km de Berlín, fruto de la fusión de la Escuela de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. Se unieron el carácter artesano y práctico de una con el carácter artístico de otra. Los temas principales de la enseñanza de la nueva escuela serían el diseño y la construcción de edificios. El primer director fue Walter Groupus
La importancia de esta escuela se debe a que de aquí salieron las vanguardias que dominarán el panorama arquitectónico europeo y muchos de los arquitectos con la llegada del fascismo emigrarán a los Estados Unidos y extenderán el estilo. Es la primera escuela de diseño donde los estudiantes realizan todo lo que proyectan.
Método de enseñanza
En el peculiar sistema de enseñanza de la Bauhaus se empezaba con un curso preliminar de seis meses que era muy importante, en esos meses tomaban conciencia de conceptos como: color, forma, volumen, textura… El sistema era revolucionario ya que el alumno aprendía por sí mismo e iba abandonando paulatinamente ideas preconcebidas. El alumno debía trabajar con una libertad total, sin condicionantes, y proyectar cosas adaptadas a la función específica para la que se iba usar. Después cursaban tres años en los que el alumno se formaba en un oficio concreto y posteriormente se estudiaba arquitectura y se obtenía la calificación de doctor. Gran parte de los profesores de la Bauhaus en el curso preliminar eran pintores: Kandinsky, Klee, Nagy era escultor… y casi todos los pintores que enseñaban a los alumnos habían pasado por varios estilos y llevaban influencias cubistas, expresionistas… Para llegar a ser arquitectos los alumnos pasaban por una formación muy completa en el aspecto estético. Desde el año 1924 encontramos en la Bauhaus un estilo ya maduro y con una personalidad peculiar.
Evento a celebrar entre el 4 al 10 de marzo de 2019 en Sevilla que engloba diversas actividades relacionadas con la historia, el patrimonio, la cultura y la ciudadanía.
Fundamentos del Arte II 