El nacimiento de la escultura de hierro. Dibujar en el vacío.
Pablo Picasso y Julio González se conocen desde la estancia del pintor en Barcelona, frecuentan la Taberna Dels Quatre Gats y desde entonces fraguan una gran amistad. Su colaboración artística es breve pero fecunda.
En 1928, Picasso se plantea realizar una escultura como monumento a su amigo y poeta Guillaume Apollinaire, fallecido a finales de la década anterior. El proyecto nunca vio la luz. Decide recurrir al consejo de Julio González, del que conoce su pleno dominio de la técnica del hierro, aprendida por el escultor catalán desde su infancia, pues su padre tenía un taller de orfebrería y forjado. Comienza así un trueque de conocimientos y sensibilidades que durará hasta 1931 y que dará como resultado la creación de una serie de obras que revolucionaron la escultura del siglo XX.
Picasso extrae la habilidad de tratar el hierro y utilizarlo para dibujar en el aire. La obra de González, por su parte, se hace más abstracta, aunque sin perder su vínculo con la figuración, adquiriendo de este modo una mayor expresión y fuerza que habrán de ser determinantes para la evolución de la escultura contemporánea.
La genialidad de Julio González, que a los 50 años, decide dejar definitivamente la pintura, consistió en combinar dos técnicas que procedían de ámbitos distintos: la forja del mundo artesanal y la soldadura autógena del mundo de la industria (este último procedimiento lo aprendió trabajando en la fábrica de Renault). La utilización de ambas técnicas permitía una gran libertad formal ya que requería poca superficie de contacto para la unión de las partes y proporcionaba una gran ligereza de volúmenes. Siguiendo este camino se convirtió en pionero del arte de la escultura en hierro aplicando lo que él definía como “dibujar en el espacio”. Esta expresión ha hecho fortuna y ha quedado asociada definitivamente al nombre de Julio González.
La amistad con Picasso determinará su evolución hacia la aceptación de innovaciones técnicas y una aproximación al cubismo. De este periodo es la escultura hecha por Picasso en hierro y pintada después de blanco Mujer en el jardín, Cabeza de mujer.
Su experimentación escultórica llegará a la cumbre en la década de los años 20, en concreto con las esculturas de alambre de 1928, concebidas dentro de una estética surrealista y utilizando la técnica del ensamblaje que aprendió de González. En ellas se acerca al collage con la utilización de materiales diversos como arpilleras, arena, hojas de plantas e incluso mariposas.
Julio González formula un lenguaje escultórico que supone la mayor revolución formal llevada a cabo hasta ese momento en el campo de la escultura. Esa revolución consistía en sustituir las masas y volúmenes de la escultura tradicional, por un nuevo lenguaje hecho de planos, líneas y vacíos. La utilización activa del vacío y del espacio. Como se ve en sus obras Montserrat, arlequín, mujer ante el espejo, etc.
Mujer ante el espejo. Es una síntesis de temas figurativos que Julio González ya había tratado repetidamente: mujeres de pie, peinándose o moviéndose, cabezas descompuestas,máscaras, cabelleras y espejos. El artista combina estos temas por medio del nuevo lenguaje escultórico que ha venido creando, un lenguaje de varillas y planchas repujadas, forjadas o soldadas, aristas, líneas, planos, huecos, perfiles, etc. Mujer ante el espejo es un compendio de la nueva etapa de González: tendencia hacia la abstracción, influencia del cobusimo en la descomposición de los planos figurativos, dibujar en el espacio, dar protagonismo al vacío.
ESCULTURAS FIGURATIVAS EXPRESIONISTAS Y SIMBOLISTAS. EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE PARÍS DE 1937. LAS MONTSERRAT
Cabeza de Montserrat ( Blog de Señor del Biombo) El escultor nos presenta un personaje anónimo, más como un símbolo que como un verdadero retrato en el que se busca, fundamentalmente, la expresión de una idea: el sufrimiento, el dolor de toda una guerra incivil (como diría Unamuno)
El material utilizado es el bronce, en ciertas zonas pulido.
Se trata de una escultura exenta y fragmentaria, que rehuye presentar todo el cuerpo a favor de la cabeza, para así concentrar el mensaje (Esta práctica se había vuelto habitual en el Renacimiento y Barroco, aunque Rodin es el que más había insistido en ella a finales del XIX)
La composición insiste en las líneas diagonales (perfil, paños del pañuelo) que le den una mayor expresividad, prefiriendo las líneas rectas y cortantes que le den un sentido más universal, sin profundizar en detalles que personalizaran más la imagen.
El modelado juega con planos bien diferenciados, sin dar importancia a las transiciones entre unos y otros. De la misma manera mientras algunas zonas se pulen otras se dejan sin terminar por completo, dejando una serie de huellas del proceso que lo emparentaría con algunas formas ya iniciadas por Miguel Ángel y luego muy trabajadas por Rodin. Por último, los profundos huecos oculares o la boca abierta juegan con el claroscuro para potenciar (una vez más) la expresión.
La figura, expresiva y un tanto esquemática, renuncia al naturalismo total a favor de lo emotivo, del gesto casi universal del Grito (aunque de una forma mucho menor que la pintúra homóloga de Munch)
La Montserrat. González llega a su plenitud creativa con esta obra que se va a convertir en un símbolo. El tema es el de una campesina que lleva a un niño en los brazos y sostiene una hoz en la mano derecha. Julio González supera la anécdota y la convierte en un símbolo de representación universal para ello recurre a una escultura figurativa expresionista y simbolista. El uso de chapas de hierro irregulares y fragmentadas, como si de pura chatarra se tratasen ayuda a aumentar el carácter trágico de la figura. La mujer que defiende con la dignidad y el orgullo de un guerrero su mundo, su familia y su tierra. Ante la tragedia de la Guerra Civil, González la convierte en un símbolo que traspasa su propia individualidad. El tema de la mujer campesina no es una novedad en su obra, desde sus comienzos, junto con el de la maternidad, es un tema recurrente.
Cuando murió Julio González en 1943 era un artista reconocido por la vanguardia artística en el extranjero pero un completo desconocido en España. Entre los pocos amigos que asistieronal entierro se encontraba Picasso. Ni siquiera su hija Roberta pudo asistir pues estabaretenida lejos de París. Hay que tener en cuenta que eran los años de la ocupaciónalemana. Unos días después Picasso pintó unos óleos donde aparece un cráneo de torobravo sobre una mesa pintada de verde y azul y junto a ella, una cortina con los colores violeta y negro. Se trataba de los colores que tenían las vidrieras de la iglesia deArcueil, el pueblo cercano a Paris donde vivió y murió Julio González. Era su particular manera de rendir homenaje a su admirado amigo
Exposición de las esculturas de Picasso en el MOMA (pincha)
Fundamentos del Arte II 