11. Los cambios en el mundo de la moda en los 80: Fenómeno de masas.

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Desde las últimas décadas del siglo XX irrumpen con fuerza tres fenómenos intercomunicados: la Globalización, la revolución tecnológica y el dominio de las comunicaciones audiovisuales. Estos hechos transformarán la económica, social y cultural. El arte en todas sus facetas participa de esta mundialización. La moda y el cine ocupan un papel relevante en este proceso. Las pasarelas, tendencias, modelos, etc. ocupan los primeras portadas de la prensa, anuncios, televisión y el mundo digital, influyendo en nuestra forma de comportarnos, relacionarnos, vestirnos…

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En los 80, la moda deja de ser un fenómeno de las grandes élites para convertirse en un fenómeno de masas. Los avances en las nuevas tecnologías han hecho posible que modelos creados por los grandes modistos se puedan adquirir en un plazo mínimo en las boutiques más selectas de cualquier parte del mundo, y que modelos casi idénticos a estos se vendan en tiendas más asequibles por lo que cualquier persona puede adquirir prendas “a la última moda”. Las fotografías de las pasarelas de París, Milán o Nueva York llegan a todo el mundo.

Dos figuras contribuyen a que la moda se transforme en un fenómeno de masas, uno desde arriba transformando el mundo del lujo y la alta costura, otro desde abajo creando diversas marcas que permiten al gran público acceder a diversas tendencias a precios muy económicos, ambos se benefician de la globalización de los mercados y se convierten multimillonarios.

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Bernard Arnault

Bernard Arnault crea un grupo empresarial de lujo LVMH en 1987 que albergaría industrias vinícolas, relojeras, automovilísticas y especialmente de moda más selectas del mundo. Desde esa fecha la moda se ha convertido en una compra-venta de diseñadores, directores creativos y modelos que se mueven de una firma a otra cual jugadores de fútbol, cobrando en muchos casos las mismas cantidades que ellos en sus fichajes a otras marcas.  Arnault fichó a diseñadores extranjeros para la mayoría de las firmas francesas que adquirió (Marc Jacobs para Louis Vuitton, John Galliano en Dior o Alexander McQueen en Givenchy).

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Amancio Ortega crea Inditex en 1985. En 1988, con su tienda en Oporto (Portugal), comienza su expansión internacional. Hoy tiene tiendas en todo el planeta. Ha creado firmas como Pull & Bear, Uterque, Bershka y Oysho, y ha adquirido el grupo Massimo Dutti (1995) y Stradivarius (1999). Ha revolucionado el mundo de la moda. La moda se convierte en un fenómeno de masas. Todo el mundo puede comprar moda a un precio asequible. Se impone la teoría Trickle-across effect, la nueva forma de ver la moda en la actualidad, Las personas se diferenciarse entre sí no por las clases sociales, sino por el estilo y la rapidez que tienen en la adopción de innovaciones.

El mundo de la moda segmenta la población en varios grupos:

  • Trend creators (creadores de tendencias), que constituyen el 1% de la población. Son los arriesgados y los visionarios.
  • Trend setters, son un grupo más amplio que constituyen un 15% de la población y representan a aquellos que adoptan las innovaciones antes que el restos inspirados por los que han creado esa innovación.
  • Trend followers, cuyo grupo imita a los anteriores adoptando con cautela y mayor lentitud sus tendencias. Constituyen la mayor parte de la población. Este modelo es muy curioso, ya que podríamos incluso a llegar a predecir algunas tendencias, que cambian, cuando la diferenciación deja de funcionar.

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Surge el fenómeno Top Model o Supermodelo. Fue acuñado en los años 1980 para designar a las modelos de élite, altamente cotizadas por marcas y diseñadores de renombre mundial. La supermodelo era una belleza de aspecto saludable y aire de amazona, atlética y con curvas; y lo mas importante, tenía personalidad.Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Elle Macpherson, Linda Evangelista, Eva Herzigova,  Naomi Campbell o Stephanie Seymour marcaron una era en el mundo de la moda. Se convirtieron en las celebrities de la década: copaban alfombras rojas, portadas de revistas de moda. Firmaba contratos multimillonarios con casas de cosméticos, aparecía en programas de televisión, películas, protagonizaba anuncios, alguna lanzó su propia línea de ropa. Las supermodelos exigian honorarios muy elevados. No obstante a finales de la década de 1990 la moda cambió. Se acabaron las supermodelos sanas y de piel brillante y nació un nuevo modelo de chica más joven, frágil, andrógina y casi anoréxica.

Portada de Vogue UK
Portada de Vogue UK (Propias)

La evolución de los pases de modelos a espectáculos audiovisuales. El Desfile como Espectáculo multimedia. El pase de modelos fue creciendo en espectacularidad: se van incorporando elementos teatrales o de perfomance artísticas.

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En la década de 1980 se prestó cada ves mas atención a la alta costura y los diseñadores se convirtieron en celebridades. Los nombre de algunos se identificaban con sus icónicas piezas:

  • El italiano Gianni Versace con sus vestidos de fiesta de colores metálicos que sentaban como un guante
  • Christian Lacroix con la falda globo y los estampados rosas,
  • Gautier con el sujetador de copas cónicas,
  • Karl lágerfeld con el clásico traje Chanel modernizado con colores vivos.

La moda está presente en los diferentes medios de comunicación: radio, televisión y prensa desde los más generalistas a los suplementos semanales, las revistas especializadas. La presencia de diseñadores y supermodelos beneficia a las marcas pues las vale como publicidad. La alfombra roja de los Oscars y festivales de cine se convierte en la mejor forma de difundir el nombre de la marca entre las masas.

Top de los grandes diseñadores

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Exámenes. EBAU. Comunidades Autónomas

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Preparación.

Consulte y practique con las pruebas de las distintas Universidades que aparecen en el portal ExámenesdePau.com.  Están todos los exámenes de los cursos anteriores, clasificados por prueba ordinaria y extraordinaria.

Universidad de Andalucía. El portal recoge las orientaciones y todos los exámenes (también los suplentes) organizados por asignaturas.

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Exámenes Fundamentos del Arte Universidad de Murcia

Arte Abstracto

 

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Blue Orange Red. Rothko. Expresionismo abstracto

ORIGEN Y DEFINICIÓN.

El arte abstracto es una gran tendencia artística que han practicado muchos artistas desde la Primera Guerra Mundial a nuestros días. No podemos llamarle ni estilo ni movimiento puesto que en este concepto se encierran muchos presupuestos pictóricos. Es el último paso hacia la “desestructuración” de las formas ya iniciado por artistas del siglo XIX, como Turner o Monet, y por otros, como Picasso o Miró, en el siglo XX. Sin embargo, ninguno de ellos, aunque estuvieron cerca, llegaron a la destrucción total de la figuración. En realidad, casi todos los pintores del siglo XX son de alguna manera abstractos, porque han tenido la tentación de separarse de la realidad y de jugar o expresarse libremente.

HASTA LA II GUERRA MUNDIAL

  • Abstracción Lírica. VASILY KANDINSKY (1866-1944)
  • Abstracción Geométrica. PAUL KLEE (1879-1940)
  • Suprematismo. KASIMIR MALÉVIC (1878-1935)
  • Neoplasticismo. PIET MONDRIAN (1872-1944) y BEN NICHOLSON (1894-1982)

DESDE LA II GUERRA MUNDIAL

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Tierra y paja Tapies.1981. 
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Rothko

Tras la Segunda Guerra Mundial se produce en el mundo artístico occidental un auge de la abstracción. Algo que en la ciudad de Nueva York en concreto desembocará en la creación de un nuevo lenguaje o estilo artístico: el expresionismo abstracto. Pero antes de explicar qué es debemos entender sus orígenes:

  • El expresionismo abstracto tiene sus raíces en el surrealismo europeo, una vanguardia que desplazaría al dadaísmo en París a principios de los años 20. El surrealismo se basa en la exaltación del subconsciente, de la individualidad y trata de expresar, según escribe André Breton en el “Primer Manifiesto Surrealista”, el verdadero funcionamiento del pensamiento. Cuando comienza la guerra, muchos de los artistas de esta corriente (como Max Ernst o Salvador Dalí) se ven obligados al exilio y acaban viviendo en la ciudad de Nueva York, donde muchos artistas locales se interesan por su obra.
  • Otro antecedente, en este caso autóctono, del expresionismo abstracto es la pintura americana de los años 20 y 30, basada en el realismo de las imágenes, sobre todo paisajes urbanos. Este realismo americano buscaba, además, establecer una identidad nacional propia sin basarse o verse influida por estilos europeos. Destaca la “Ashcan School” y el Regionalismo como escuelas de este estilo pictórico.
  • Pero no podemos olvidar la influencia de otro tipo de pintura: la pintura mural que desarrollarán artistas mexicanos como Diego Rivera. Se trata de un arte popular plasmado en los muros de instituciones públicas con imágenes históricas. Se trata en muchos casos de una crítica social, con implicaciones morales, plasmada en obras de grandes formatos.

¿Por qué en Nueva York? Debido a la guerra y al ascenso de los totalitarismos en algunos países europeos, el centro artístico se desplaza ahora de París a Nueva York, donde, como hemos dicho anteriormente, se exilian muchos de los artistas de vanguardia. Allí, estos artistas forman grupos junto con artistas americanos, además de escritores, para el intercambio de ideas. Es una ciudad donde se vuelven a sentir con libertad para crear y donde reciben un gran apoyo, en muchos casos institucional. Este será el origen del expresionismo abstracto.
Concepto. ¿Sabías qué es el expresionismo abstracto? Se trata de un intenso movimiento artístico de los años cuarenta del siglo XX que agrupa artistas de personalidades muy distintas y que defiende la libertad individual y el carácter expresivo del arte, ahora que éstos, debido a la guerra, se sienten desengañados por el mundo que les rodea. Lo importante para ellos será la materialidad del cuadro como superficie y la individualidad del artista. Es una pintura no figurativa que intenta expresar la experiencia dramática e interior que vive el propio artista, que forma parte de su personalidad. Así se deja llevar por su mundo interior en un proceso no meditado ni planeado.
En su primera etapa, esta corriente se vuelve a los mitos primitivos que contienen las verdades universales. A mediados de los años 40 se llega a una abstracción total y se produce un aumento en la escala de las obras, algo que se convertirá en sus señas de identidad.
Pero el expresionismo abstracto no es homogéneo, sino que podemos distinguir dos clases de pinturas dentro de él: la primera será gestual, cuyo máximo representante es Jackson Pollock o Kooning; la segunda será más calmada, se centrará en el color y un claro ejemplo de ella serán las obras de Mark Rothko.

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Hombre rojo con bigote. Kooning. 1971
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Kooning

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Artemisia Gentileschi. Pintora barroca

 

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Artemisia Gentileschi. Autoretrato

Sus obras demuestran que fue una gran artista. Muy admirada por los compañeros de la época. Tuvo una vida complicada, fue violada por su maestro y humillada en un juicio por esta causa. Hecho que le marcó su vida y que plasma en su obra. Luchó por buscarse un sitio en un mundo misógino. Merece la pena conocer su obra y reivindicar su sitio en la Historia del Arte.

Artemisia Gentileschi, 1593 – 1654. Pintora italiana del Barroco. Aprende el oficio en el taller de su padre, Orazio Gentileschi. Por ser mujer no puede matricularse en la Escuela de Bellas Artes, su padre le lleva al taller del pintor Agostino Tassi para que le enseñase perspectiva.

Tassi violó a Artemisia, intentó calmarle con promesas de matrimonio que no se cumplieron porque estaba casado. Orazio, padre de Artemisa, le denuncia en el Tribunal Papal. El proceso, que duró siete meses, fue humillante y traumático. Artemisia relató con crudeza los hechos de su violación -testimonio que se conserva en los registros de la época-, fue sometida a exámenes ginecológicos y se le aplicaron instrumentos de tortura en los dedos para comprobar la veracidad de su relato.  En el juicio se pudo comprobar también que Tassi intentó asesinar a su esposa, a quien consiguió por violación, cometió incesto con su cuñada y quiso robar unas pinturas de Orazio, y por todo esto fue condenado a un año de prisión y el exilio de los Estados Pontificios. Para restablecer su honra, Artemisia contrajo matrimonio con un modesto pintor, Piero Antonio Stiattesi, un mes después del juicio. Marcha a Florencia, después a Venecia, lugar donde es admirada por su valía, también estuvo en la corte de Londres, volvió a Roma, también a Génova y por último a Nápoles donde estará el resto de su vida.

Posteriormente, en su obra “Judith decapitando a Holofernes” (1612-1613), se dice que la artista reflejó su sufrimiento emocional en el gesto casi placentero y de intensa determinación de Judith al realizar este acto.  La obra recoge toda la furia, el enojo y el deseo de venganza.

Judith Slaying Holofernes
Judith decapitando a Holofernes. A. Gentileschi. Galería Ufizzi

Técnicamente pertenece a la escuela de Caravaggio, aplica un claroscuro más acentuado y dramático. Unas tonalidades contundentes. Destaca por sus retratos y escenas con heroínas bíblicas. Tenía predilección por las obras de gran tamaño, lo que era poco habitual ya que el mercado compraba a las (pocas) mujeres, obras pequeñas para estancias como cocinas o cuartos de estar de mujeres; otro rasgo curioso es su absoluta devoción por representar a grandes heroínas bíblicas, siempre mujeres, como Susana, Judith, Lucrecia o Esther, y la forma en que lo hacía

Se convierte en pintora de la corte y es la primera mujer en ingresar en la Academia del Diseño de Florencia. Sus obras son de altísima calidad. Así lo reconocieron sus compañeros.

La profesora Patricia Mayayo recoge en su libro “Historias de mujeres, historias del arte” cómo el estilo pictórico de Gentileschi “descolocó” a los historiadores del arte, al no corresponderse con ninguno de los estereotipos asociados tradicionalmente al “arte femenino” (delicadeza, elegancia, blandura, debilidad…).

Este discurso hegemónico en la historia del arte, masculino y dominante, incapaz de clasificar su estilo como “arte femenino” utilizó dos estrategias para desprestigiarla: calificando a Gentileschi de “pintora mujer” (desde un punto de vista peyorativo) y calificándola de “mujer masculina”; e hipersexualizándola “Artemisia es una mujer lasciva”.

Obras más destacadas

 

Susana y los Viejos. Artemisia Gentileschi

Susana y los viejos es un tema recurrente en la pintura (Tintoretto, Rembrandt, Cagnacci, etc.) pero com un tratamiento totalmente opuesto. Mientras que en las obras de los pintores el deseo de los viejos es respondido por una Susana complaciente. Artemisa, representa a la mujer con todo el terror, rechazo (de nuevo vuelve a aparecer su experiencia traumática).

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Judith y su criada. A Gentileschi
Resultado de imagen de Artemisia Gentileschi Mujer con Laud. Artemisia Gentileschi
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Magdalena en extasis. Artemisia Gentileschi

Interesante el artículo y obras que aparecen en el Blog Mujeres pintoras

 

Lee Krasner. Expresionismo abstracto. La artista a la sombra de J. Pollock

 

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Lee Krasner. 1908-1984. Estadunidense. Pintora Expresionista Abstracta.

Lee Krasner vivió siempre bajo la alargada sombra de su marido Jackson Pollock, pese a que la pintora tenía igual o incluso mayor talento que él. Ambos fueron figuras claves del expresionismo abstracto norteamericano.

Neoyorquina de Brooklyn, estudió arte en unos tiempos en los que la mujer lo tenían difícil. Sólo pudo acceder al Instituto Washington Irving de Manhattan, el único centro en Nueva York donde las mujeres podían cursar estudios de arte.

El carácter independiente de Lee provocó enfrentamientos con sus profesores en muchas ocasiones, que despreciaron su obra por el hecho de ser mujer. Sin embargo, el descubrimiento de las vanguardias artísticas (en concreto la Escuela de París) le provocó una enorme impresión y decidió que era por ese camino por donde iba a ir su trabajo.

Mientras desarrollaba este nuevo estilo, simultaneó sus estudios para ser profesora en el City College de Nueva York con un trabajo de camarera.

En noviembre de 1941 conoció a Jackson Pollock y sintiéndose inferior a él abandonó la práctica de la pintura y se dedicó en exclusiva a atender las necesidades de Pollock. Fue una época tensa marcada por el alcoholismo del pintor. Los escasos cuadros que pintó Lee en la época reflejan una enorme influencia de su marido, pero con unas formas abstractas más refinadas y geométricas.

Cuando quedó viuda, se liberó progresivamente del influjo de Pollock; abandonó el automatismo y presenta un geometrismo cada vez más acusado. (Enlace)

Lee el artículo, Lee Krasner: la artista relegada a ser “la mujer de Jackson Pollock” (Broadly)

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Self-portrait,  Lee Krasner. 1929.  Metropolitan Art Museum

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Pablo Gargallo. Padre de la escultura vanguardista

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Acabo de concluir algo que quizá le interese. Es de bastante importancia. Creo haber hallado el camino de mi tranquilidad estética: lo que ya es algo en los tiempos que corren. (carta a Jacques Bernheim hacia 1933). Dijo al concluir su obra cumbre, El Profeta

Nació el 5 de enero de 1881 en Maella, Zaragoza. En 1888, su familia se traslada a Barcelona, donde inicia su formación artística en el taller del escultor Eusebio Arnau y en la Chimenea de la Fonda de España. Acude a las tertulias del café Els Quatre Gats con Casas y Picasso. En 1903 viaja a París becado por la Escuela de Bellas Artes, allí conoce a Juan Gris, quien le influirá con su estética cubista.

En 1913 conoció en París a Magalí. Se casarón. Durante la 1ª Guerra Mundial regresa a Barcelona. En 1920 fue nombrado profesor de Escultura de la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña. Al proclamarse al Dictadura de Primo de Rivera en 1923 es destituido al negarse a retractarse de firmar un manifiesto en favor de un profesor relegado por cuestiones políticas. Se traslada ya definitivamente en París con su mujer y su hija, Pierrette.  Pablo Gargallo tuvo una salud frágil, falleció durante un viaje a Reus el 28 de diciembre de 1934, a la edad de 53 años. En el año 1985 se inaugura en Zaragoza, por iniciativa de su hija y del propio ayuntamiento, el Museo Pablo Gargallo.

Es no de los padres de la vanguardia española. En su estancia en París descubre el Cubismo y evoluciona desde la figuración hacia la abstracción y el expresionismo. Forma parte de la Edad de Plata de la cultura española.

Innova con el hierro. Trabaja con planchas metálicas que moldea y da forma. Sus obras son ligeras, va vaciando la masa para  esculpir el vacío, los contrastes de luz,…

No abandona la escultura “más tradicional”, las figuras de bulto redondo, pero innova con el material. Utiliza metal recortado, trabajado a martillo.  Su obra se puede definir como la combinación armónica del espacio y del volumen. Su relación con el modernismo se establece a través de los encargos del arquitecto modernista Domènech i Montaner para el Hospital de San Pau i Santa Creu de Barcelona.

Entre sus obras destacan: El Profeta (1933), a la que Gargallo definió como su “tranquilidad estética”, Kiki de Montparnasse, El Arlequín, La Bañista, David, Mujer del Espejo, Academia y los retratos de Greta Garbo, Antinoo, etc.

Acceso al Museo Pablo Gargallo de Zaragoza (enlace)

El Profeta. Una de sus obras más emblemáticas. Muy recomendable escuchar y mirar atentamente el vídeo inicial

Copia la ficha técnica  y análisis en el siguiente enlace

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EL Profeta. Pablo Gargallo. Planchas de bronce
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Greta Garbo con pestañas. Pablo Gargallo

Cuando Gargallo realiza la primera máscara metálica, en 1907, y sobre todo al desarrollar su primera época del cobre, utiliza finas chapas de cobre o hierro, de las que recorta las distintas piezas que han de componer la escultura. Una vez repujados, modelados, torsionados los elementos del conjunto, la unión de todos ellos se resuelve mediante ligeros remaches e ingeniosos ribeteados y engarzados.

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Bailarina. P Gargallo
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Kiki de Montpamasse. Gargallo. 1928

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Puedes ver más obras en el blog forma es vacío, vacío es forma (enlace)