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Exámenes Fundamentos del Arte Universidad de Murcia

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Arte Abstracto

 

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Blue Orange Red. Rothko. Expresionismo abstracto

ORIGEN Y DEFINICIÓN.

El arte abstracto es una gran tendencia artística que han practicado muchos artistas desde la Primera Guerra Mundial a nuestros días. No podemos llamarle ni estilo ni movimiento puesto que en este concepto se encierran muchos presupuestos pictóricos. Es el último paso hacia la “desestructuración” de las formas ya iniciado por artistas del siglo XIX, como Turner o Monet, y por otros, como Picasso o Miró, en el siglo XX. Sin embargo, ninguno de ellos, aunque estuvieron cerca, llegaron a la destrucción total de la figuración. En realidad, casi todos los pintores del siglo XX son de alguna manera abstractos, porque han tenido la tentación de separarse de la realidad y de jugar o expresarse libremente.

HASTA LA II GUERRA MUNDIAL

  • Abstracción Lírica. VASILY KANDINSKY (1866-1944)
  • Abstracción Geométrica. PAUL KLEE (1879-1940)
  • Suprematismo. KASIMIR MALÉVIC (1878-1935)
  • Neoplasticismo. PIET MONDRIAN (1872-1944) y BEN NICHOLSON (1894-1982)

DESDE LA II GUERRA MUNDIAL

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Tierra y paja Tapies.1981. 
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Rothko

Tras la Segunda Guerra Mundial se produce en el mundo artístico occidental un auge de la abstracción. Algo que en la ciudad de Nueva York en concreto desembocará en la creación de un nuevo lenguaje o estilo artístico: el expresionismo abstracto. Pero antes de explicar qué es debemos entender sus orígenes:

  • El expresionismo abstracto tiene sus raíces en el surrealismo europeo, una vanguardia que desplazaría al dadaísmo en París a principios de los años 20. El surrealismo se basa en la exaltación del subconsciente, de la individualidad y trata de expresar, según escribe André Breton en el “Primer Manifiesto Surrealista”, el verdadero funcionamiento del pensamiento. Cuando comienza la guerra, muchos de los artistas de esta corriente (como Max Ernst o Salvador Dalí) se ven obligados al exilio y acaban viviendo en la ciudad de Nueva York, donde muchos artistas locales se interesan por su obra.
  • Otro antecedente, en este caso autóctono, del expresionismo abstracto es la pintura americana de los años 20 y 30, basada en el realismo de las imágenes, sobre todo paisajes urbanos. Este realismo americano buscaba, además, establecer una identidad nacional propia sin basarse o verse influida por estilos europeos. Destaca la “Ashcan School” y el Regionalismo como escuelas de este estilo pictórico.
  • Pero no podemos olvidar la influencia de otro tipo de pintura: la pintura mural que desarrollarán artistas mexicanos como Diego Rivera. Se trata de un arte popular plasmado en los muros de instituciones públicas con imágenes históricas. Se trata en muchos casos de una crítica social, con implicaciones morales, plasmada en obras de grandes formatos.

¿Por qué en Nueva York? Debido a la guerra y al ascenso de los totalitarismos en algunos países europeos, el centro artístico se desplaza ahora de París a Nueva York, donde, como hemos dicho anteriormente, se exilian muchos de los artistas de vanguardia. Allí, estos artistas forman grupos junto con artistas americanos, además de escritores, para el intercambio de ideas. Es una ciudad donde se vuelven a sentir con libertad para crear y donde reciben un gran apoyo, en muchos casos institucional. Este será el origen del expresionismo abstracto.
Concepto. ¿Sabías qué es el expresionismo abstracto? Se trata de un intenso movimiento artístico de los años cuarenta del siglo XX que agrupa artistas de personalidades muy distintas y que defiende la libertad individual y el carácter expresivo del arte, ahora que éstos, debido a la guerra, se sienten desengañados por el mundo que les rodea. Lo importante para ellos será la materialidad del cuadro como superficie y la individualidad del artista. Es una pintura no figurativa que intenta expresar la experiencia dramática e interior que vive el propio artista, que forma parte de su personalidad. Así se deja llevar por su mundo interior en un proceso no meditado ni planeado.
En su primera etapa, esta corriente se vuelve a los mitos primitivos que contienen las verdades universales. A mediados de los años 40 se llega a una abstracción total y se produce un aumento en la escala de las obras, algo que se convertirá en sus señas de identidad.
Pero el expresionismo abstracto no es homogéneo, sino que podemos distinguir dos clases de pinturas dentro de él: la primera será gestual, cuyo máximo representante es Jackson Pollock o Kooning; la segunda será más calmada, se centrará en el color y un claro ejemplo de ella serán las obras de Mark Rothko.

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Hombre rojo con bigote. Kooning. 1971
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Kooning

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Artemisia Gentileschi. Pintora barroca

 

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Artemisia Gentileschi. Autoretrato

Sus obras demuestran que fue una gran artista. Muy admirada por los compañeros de la época. Tuvo una vida complicada, fue violada por su maestro y humillada en un juicio por esta causa. Hecho que le marcó su vida y que plasma en su obra. Luchó por buscarse un sitio en un mundo misógino. Merece la pena conocer su obra y reivindicar su sitio en la Historia del Arte.

Artemisia Gentileschi, 1593 – 1654. Pintora italiana del Barroco. Aprende el oficio en el taller de su padre, Orazio Gentileschi. Por ser mujer no puede matricularse en la Escuela de Bellas Artes, su padre le lleva al taller del pintor Agostino Tassi para que le enseñase perspectiva.

Tassi violó a Artemisia, intentó calmarle con promesas de matrimonio que no se cumplieron porque estaba casado. Orazio, padre de Artemisa, le denuncia en el Tribunal Papal. El proceso, que duró siete meses, fue humillante y traumático. Artemisia relató con crudeza los hechos de su violación -testimonio que se conserva en los registros de la época-, fue sometida a exámenes ginecológicos y se le aplicaron instrumentos de tortura en los dedos para comprobar la veracidad de su relato.  En el juicio se pudo comprobar también que Tassi intentó asesinar a su esposa, a quien consiguió por violación, cometió incesto con su cuñada y quiso robar unas pinturas de Orazio, y por todo esto fue condenado a un año de prisión y el exilio de los Estados Pontificios. Para restablecer su honra, Artemisia contrajo matrimonio con un modesto pintor, Piero Antonio Stiattesi, un mes después del juicio. Marcha a Florencia, después a Venecia, lugar donde es admirada por su valía, también estuvo en la corte de Londres, volvió a Roma, también a Génova y por último a Nápoles donde estará el resto de su vida.

Posteriormente, en su obra “Judith decapitando a Holofernes” (1612-1613), se dice que la artista reflejó su sufrimiento emocional en el gesto casi placentero y de intensa determinación de Judith al realizar este acto.  La obra recoge toda la furia, el enojo y el deseo de venganza.

Judith Slaying Holofernes
Judith decapitando a Holofernes. A. Gentileschi. Galería Ufizzi

Técnicamente pertenece a la escuela de Caravaggio, aplica un claroscuro más acentuado y dramático. Unas tonalidades contundentes. Destaca por sus retratos y escenas con heroínas bíblicas. Tenía predilección por las obras de gran tamaño, lo que era poco habitual ya que el mercado compraba a las (pocas) mujeres, obras pequeñas para estancias como cocinas o cuartos de estar de mujeres; otro rasgo curioso es su absoluta devoción por representar a grandes heroínas bíblicas, siempre mujeres, como Susana, Judith, Lucrecia o Esther, y la forma en que lo hacía

Se convierte en pintora de la corte y es la primera mujer en ingresar en la Academia del Diseño de Florencia. Sus obras son de altísima calidad. Así lo reconocieron sus compañeros.

La profesora Patricia Mayayo recoge en su libro “Historias de mujeres, historias del arte” cómo el estilo pictórico de Gentileschi “descolocó” a los historiadores del arte, al no corresponderse con ninguno de los estereotipos asociados tradicionalmente al “arte femenino” (delicadeza, elegancia, blandura, debilidad…).

Este discurso hegemónico en la historia del arte, masculino y dominante, incapaz de clasificar su estilo como “arte femenino” utilizó dos estrategias para desprestigiarla: calificando a Gentileschi de “pintora mujer” (desde un punto de vista peyorativo) y calificándola de “mujer masculina”; e hipersexualizándola “Artemisia es una mujer lasciva”.

Obras más destacadas

 

Susana y los Viejos. Artemisia Gentileschi

Susana y los viejos es un tema recurrente en la pintura (Tintoretto, Rembrandt, Cagnacci, etc.) pero com un tratamiento totalmente opuesto. Mientras que en las obras de los pintores el deseo de los viejos es respondido por una Susana complaciente. Artemisa, representa a la mujer con todo el terror, rechazo (de nuevo vuelve a aparecer su experiencia traumática).

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Judith y su criada. A Gentileschi
Resultado de imagen de Artemisia Gentileschi Mujer con Laud. Artemisia Gentileschi
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Magdalena en extasis. Artemisia Gentileschi

Interesante el artículo y obras que aparecen en el Blog Mujeres pintoras

 

Lee Krasner. Expresionismo abstracto. La artista a la sombra de J. Pollock

 

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Lee Krasner. 1908-1984. Estadunidense. Pintora Expresionista Abstracta.

Lee Krasner vivió siempre bajo la alargada sombra de su marido Jackson Pollock, pese a que la pintora tenía igual o incluso mayor talento que él. Ambos fueron figuras claves del expresionismo abstracto norteamericano.

Neoyorquina de Brooklyn, estudió arte en unos tiempos en los que la mujer lo tenían difícil. Sólo pudo acceder al Instituto Washington Irving de Manhattan, el único centro en Nueva York donde las mujeres podían cursar estudios de arte.

El carácter independiente de Lee provocó enfrentamientos con sus profesores en muchas ocasiones, que despreciaron su obra por el hecho de ser mujer. Sin embargo, el descubrimiento de las vanguardias artísticas (en concreto la Escuela de París) le provocó una enorme impresión y decidió que era por ese camino por donde iba a ir su trabajo.

Mientras desarrollaba este nuevo estilo, simultaneó sus estudios para ser profesora en el City College de Nueva York con un trabajo de camarera.

En noviembre de 1941 conoció a Jackson Pollock y sintiéndose inferior a él abandonó la práctica de la pintura y se dedicó en exclusiva a atender las necesidades de Pollock. Fue una época tensa marcada por el alcoholismo del pintor. Los escasos cuadros que pintó Lee en la época reflejan una enorme influencia de su marido, pero con unas formas abstractas más refinadas y geométricas.

Cuando quedó viuda, se liberó progresivamente del influjo de Pollock; abandonó el automatismo y presenta un geometrismo cada vez más acusado. (Enlace)

Lee el artículo, Lee Krasner: la artista relegada a ser “la mujer de Jackson Pollock” (Broadly)

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Self-portrait,  Lee Krasner. 1929.  Metropolitan Art Museum

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Las mujeres olvidadas en los libros de Hª del Arte

 

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La sorpresa del trigo. 1936. Maruja Mallo. Surrealista

El profesor Pablo Jerez, en el Blog Arte En Parte publica una  interesante entrada dedicada a las mujeres olvidadas en los libros de Hª del Arte, a raíz de la exposición que realizó el Museo del Prado sobre Clara Peeters.

El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer. La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico. Para muestra, un botón: en la pinacoteca nacional hay obra de más de 5.000 hombres y tan solo de 53 mujeres. De las cerca de 8.000 pinturas catalogadas (expuestas y en los almacenes), solo cuatro de artistas mujeres se exhiben. Sigue leyendo.

 

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