10. El cine español en la Transición

 

fcom – Universidad de Sevilla

La Transición española fue, desde el punto de vista cinematográfico, uno de los periodos más productivos del cine español. Desde los tiempos de la II República no se habían realizado tantas películas de tan distintos temas, géneros, estilos y enfoques.
Para algunos el cine de Transición comienza en los años 60, cuando un grupo de directores de izquierdas realizan películas de gran calidad y dura hasta los inicios de los 80 cuando el PSOE  llega al poder.

El primer paso para acabar con el cine del Franquismo fue suprimir la censura (Real Decreto del 1 de diciembre de 1977). A modo de ejemplo observa las fotos “Retoques”. Después, permitir la filmación de cualquier tipo de cine,  tolerar la entrada del cine internacional, ayudar con subvenciones a los directores y crear la infraestructura necesaria para modernizar la industria cinematográfica. Muchos analistas son de la opinión de que la herencia del franquismo en la cultura, como en otras parcelas de la vida de los españoles, sobreviviría al cambio político. Había que acabar con algo mucho más fuerte: la autocensura, y los fantasmas del Posfranquismo.

Ava Gardner posa en la década de los 50

El cine de la Transición buscó diferentes caminos para narrar los cambios que experimentaba la sociedad española pero a excepción de Juan Antonio Bardem con Siete días de enero, 1977, pocos directores recogen los acontecimientos de la Transición.

Temás y géneros:

 1.Cine históricoNarración de hechos históricos sobre la República, la Guerra Civil, la posguerra,  los maquis, la pobreza, etc. sin tergiversaciones. Películas como Pim, pam, pum…¡fuego! (1975) de Pedro Olea, La ciutat cremada (1976), Companys (1979), La largas vacaciones de 1936 (1976), Los días del pasado (1978) o Caso Savolta (1979).  Soldados (1977), de Alfonso Ungría.

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Uno de los grandes directores de esta etapa fue Manuel Gutiérrez Aragón con tres películas:  El corazón del bosque (1979),  Camada negra (1977) o Sonámbulos (1978). También se dedica a revisar el franquismo más inmediato, el de los momentos anteriores a la muerte de Franco Jose Luis Garci en Asignatura pendiente (1977).

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 Una pareja retoma una relación anterior fuera de los prejuicios y tópicos que habían influido en si educación es el tema central, y social, de la trama, la cual tiene ramas secundarias: él es un abogado sindicalista (se da a entender que es el recientemente fallecido Marcelino Camacho, líder histórico de CCOO) es una de las imágenes que el franquismo no hubiera permitido: la imagen de un líder sindical.

2. El cine  humor.  Furtivos (1975), de José Luis Borau, pone el humor en el personaje bobo de un Gobernador Civil dedicado a la caza y no en el provincia; en La escopeta nacional (1978), de Luis García Berlanga, donde se muestran las intrigas políticas y los grandes negocios turbios que se pactaban y sellaban en la cacerías. Cuenta la historia de un vendedor catalán de porteros automáticos que trata de conectar con un ministro para conseguir contratos jugosos. Para ello, se va de cacería y lo empieza a observar a toda una serie de personajes de la España del franquismo: curas, miembros del Opus Dei, un dictador de Sudamérica, personas económicamente influyentes…

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3. El Cine Documental. Pero si hay un género que trata de recuperar el pasado es el documental. En cuanto acaba la censura, la necesidad de contar de otra forma todo lo que había ocurrido en los cuarenta años antes se vuelve casi una obsesión. De todos los documentales de la época destacan La vieja memoria (1977), de Jaime Camino, que recorre, con testimonios, la II República y la Guerra Civil.  El proceso de Burgos (1979), de Imanol Uribe, donde se recoge el proceso a los presos de ETA en el año 1970, y las tres grandes obras de Basilio Martín Patino: Queridísimos verdugos, Caudillo y Canciones para después de una guerra. 

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4. Cine de  adaptaciones literarias: Pascual Duarte (1975), de Ricardo Franco, que se basa en la obra de Camilo José Cela, Parranda (1976), de Gonzalo Suárez o Akelarre (1982), de Pedro Olea. Pero quizás, la película más importante de la Transición sea El crimen de Cuencia (1979), de Pilar Miró. La historia de este crimen, que no fue tal, cuanta como un hombre que se había marchado de un pueblo a otro, pero por las presiones de los poderes locales se había apresado a dos pobres hombres que confesaron un crimen falso bajo las torturas. Pilar Miró quería con esta película hablar, no solo de la tortura de la monarquía Alfonsina, sino de las torturas que se habían realizado el multitud de cárceles durante el franquismo.

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5. El cine erótico y sexual, uno de tabúes del franquismo debido a la enorme influencia de la Iglesia católica. Frente al cine sexual heredado del “landismo”, aparece otro tipo de cine más adulto, serio y reflexivo reflejado en películas como La petición (1976), de Pilar Miró, Cambio de sexo (1977), de Vicente Aranda y con Victoria Abril, o Los placeres ocultos (1977), de Eloy de la Iglesia. De fuerte ruptura fue también las películas que tocaban el tema de la homosexualidad. Tema  prohibido taxativamente por el código de censura del régimen. Ahora surgen películas como  Un hombre llamado Flor de Otoño (1978), de Pedro Olea, o El diputado (1978), de Eloy de la Iglesia, donde el director trata dos vertientes del cine de la Transición: la propia homosexualidad y la política.

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6. Cine ambientado en los acontecimientos de la Transición. Hubo pocos directores que se atrevieran con los acontecimientos de este periodo destaca J. Antonio Bardem en 7 Días de Enero

Reconstrucción de los trágicos acontecimientos ocurridos en España en el mes de enero de 1977: el atentado de un grupo de ultraderecha contra un despacho de abogados laboralistas de la calle Atocha, vinculados al Partido Comunista, en el que murieron cuatro letrados y un administrativo y quedaron malheridos otros cuatro abogados. La matanza fue reivindicada por La Triple A (Alianza Apostólica Anticomunista) y fue el suceso más grave ocurrido en la llamada Transición españ

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Otra película de corte más social es Redondela (1987), de Pedro Costa, y que hace una crónica de un extraño suceso relacionado con la desaparición de 4.000 toneladas de aceite de un depósito gallego. El abogado que lleva el caso trata de aclarar el asunto ante los tribunales pero se encuentra que los posibles testigos son asesinados de forma sospechosa al darse cuenta que los intereses políticos y empresariales llega hasta el mismo hermano de Franco.

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En El caso Almería (1983), de Pedro Olea, narra un trágico suceso acontecido el 10 de mayo de 1981 en España. Ese día tres jóvenes residentes en Cantabria murieron después de ser torturados, vejados y asesinados por varios miembros de la Guardia Civil, tras ser confundidos con tres etarras, cuando se dirigían desde Santander por carretera para asistir a una Primera Comunión en la localidad almeriense de Pechina.

Del golpe de Estado del 23-F apenas hay películas que traten el tema: Operación Miguelete (1981), de Juan Luis Morales y Juan Carlos Rivas, que ha circulado muy poco y la reciente 23-F: La película (2011), de Chema de la Peña.

Resultado de imagen de disputado voto del señor cayoPor último, de la llegada al poder del PSOE tras las elecciones de 1982, hay una película titulada El disputado voto del señor Cayo (1986), de Antonio Giménez-Rico, basada en la novela de Pérez Galdós y que refleja lo sucedido en las elecciones de 1982.
En la parte social, películas como El nido (1980), de Jaime de Armiñan, se critica la mentalidad española de la época y retrata las relaciones sentimentales entre una niña y un hombre con bastante más edad. El film tiene un tono excesivamente intelectual y se ceba con la mentalidad española, al tiempo que expone sin tapujos cierta idiosincrasia, con sus distintos elementos, vicios.

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También se muestra el mundo de la televisión en filmes como Gary Cooper, que estás en los cielos… (1980) de Pilar Miró, donde describe el mundo del periodismo y la televisión de Madrid de un modo pesimista para la mujer.

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Uno de los temas que sí se han filmado es el del terrorismo, en concreto el de ETA.  Quizás el director que más ha tratado el tema es Imanol Uribe. El director vasco, es uno de los directores más respetados dentro del cine español y uno de los que ha puesto en peligro su vida por mostrar la crueldad de ETA en la gran pantalla. Su primera incursión en el conflicto es El proceso de Burgos (1979), de un documental basado en entrevistas a los prisioneros en las cárceles que protagonizaron el atentado de Melitón Manzana, comisario de Guipúzcoa, en agosto de 1968. En 1983 dirige La muerte de Mikel, donde narra como el asesinato de un farmacéutico por parte de la banda es aprovechado por los partidos políticos en sus intereses partidistas.

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En 1981 filma La fuga de Segovia, donde en el verano de 1977, un preso político, que vive en el exilio, relata las circunstancias de su fuga a un reportero: en abril de 1976, un grupo de etarras planea fugarse de la cárcel, pero el proyecto fracasa cuando los guardias descubren el túnel que están excavando. Los reclusos, lejos de desanimarse, empiezan un segundo túnel. Tras ocho meses de dificultades, consiguen fugarse. Dadas las delicadas circunstancias de los últimos meses del franquismo y el despertar de los primeros brotes de la Transición, la fuga del grupo tuvo sorprendentes consecuencias.

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Con Días contados, 1994, consigue el aplauso de la crítica y del público. Protagonizada por Carmelo Gómez, el film muestra como un pistolero de ETA se va dando cuenta paulatinamente del sin sentido de asesinar por unos ideales en los que ya no cree. La película recrea la colocación de un coche-bomba y un posterior atentando que acaba en un fracaso en las primeras operaciones de la banda terrorista.
Gillo Pontecorvo filma Operación Ogro (1979), donde en una casa del País Vasco un hombre y una mujer recuerdan su pasado. En su juventud, él y otros tres hombres formaban un comando cuya misión era secuestrar al almirante Carrero Blanco para intercambiarlo por presos políticos. Sin embargo, cuando estaban a punto de cumplir su objetivo, Carrero fue nombrado Presidente del Gobierno y, entonces, sus planes cambiaron. El hombre se está muriendo, pero sigue siendo partidario de la lucha armada, mientras que sus antiguos compañeros piensan que ha llegado la hora de seguir los cauces democráticos.
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Pero quizás, donde más se ha mostrado la fatalidad de la violencia etarra sea en los documentales. El mejor de todos es La pelota vasca (2003), donde Julio Medem hace un espléndido trabajo de archivo y entrevistas a ciudadanos vascos que cuentan en primera personas como viven el conflicto en el día a día de sus vidas.

 

Pero no todo es negativo en el cine español de la Transición. Los cineastas, productores y espectadores de los años 1975-1982 cambiaron de forma drástica sus modos de vida y de pensamiento y deseaba fervientemente el cambio y apoyaron de una forma u otro la forma de hacer cine, aunque la taquilla no acompañase. Pero el problema de la taquilla no se debe solo al tipo de cine sino al medio en el que se exhibía las películas y la calidad de las proyecciones, aunque en gran parte, eso hay que reconocerlo, se debió al cambio tan radical del tipo de películas, películas que el público no estaba acostumbrado a ver y que en un principio generó rechazo.
Hay que olvidar el tópico de cine de “tetas y de guerra civil” que hasta ahora ha impregnado el ideario colectivo del espectador español y reconocer el por qué de ese cine, el por qué de la necesidad de reinterpretar la historia y poner en valor el cine social incipiente de la Democracia. Es cierto que la época de la Transición estuvo en parte encasillada por esa temática, al igual que lo estuvo el cine norteamericano de los 40 y 50 en las películas sobre la II Guerra Mundial o el cine francés de corte social de la Nouvelle Vague tras los movimientos sociales de Mayo del 68.
Tras una perspectiva de casi 40 años va siendo hora de superar esos tópicos y reconocer en su justa medida el cine de la Transición así como a sus protagonistas y colocar en la historia cinematográfica española esta época.  Carlos Saura, Pedro Olea, un joven Pedro Almodóvar con Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón y otros muchos intentaron mostrar una sociedad cambiante. El pico , de Eloy de la Iglesia, película considerada por los autores como la que mejor retrata la época de la Transición española.

Fuente consultada: fcom – Universidad de Sevilla

 

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11. Los cambios en el mundo de la moda en los 80: Fenómeno de masas.

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Desde las últimas décadas del siglo XX irrumpen con fuerza tres fenómenos intercomunicados: la Globalización, la revolución tecnológica y el dominio de las comunicaciones audiovisuales. Estos hechos transformarán la económica, social y cultural. El arte en todas sus facetas participa de esta mundialización. La moda y el cine ocupan un papel relevante en este proceso. Las pasarelas, tendencias, modelos, etc. ocupan los primeras portadas de la prensa, anuncios, televisión y el mundo digital, influyendo en nuestra forma de comportarnos, relacionarnos, vestirnos…

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En los 80, la moda deja de ser un fenómeno de las grandes élites para convertirse en un fenómeno de masas. Los avances en las nuevas tecnologías han hecho posible que modelos creados por los grandes modistos se puedan adquirir en un plazo mínimo en las boutiques más selectas de cualquier parte del mundo, y que modelos casi idénticos a estos se vendan en tiendas más asequibles por lo que cualquier persona puede adquirir prendas “a la última moda”. Las fotografías de las pasarelas de París, Milán o Nueva York llegan a todo el mundo.

Dos figuras contribuyen a que la moda se transforme en un fenómeno de masas, uno desde arriba transformando el mundo del lujo y la alta costura, otro desde abajo creando diversas marcas que permiten al gran público acceder a diversas tendencias a precios muy económicos, ambos se benefician de la globalización de los mercados y se convierten multimillonarios.

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Bernard Arnault

Bernard Arnault crea un grupo empresarial de lujo LVMH en 1987 que albergaría industrias vinícolas, relojeras, automovilísticas y especialmente de moda más selectas del mundo. Desde esa fecha la moda se ha convertido en una compra-venta de diseñadores, directores creativos y modelos que se mueven de una firma a otra cual jugadores de fútbol, cobrando en muchos casos las mismas cantidades que ellos en sus fichajes a otras marcas.  Arnault fichó a diseñadores extranjeros para la mayoría de las firmas francesas que adquirió (Marc Jacobs para Louis Vuitton, John Galliano en Dior o Alexander McQueen en Givenchy).

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Amancio Ortega crea Inditex en 1985. En 1988, con su tienda en Oporto (Portugal), comienza su expansión internacional. Hoy tiene tiendas en todo el planeta. Ha creado firmas como Pull & Bear, Uterque, Bershka y Oysho, y ha adquirido el grupo Massimo Dutti (1995) y Stradivarius (1999). Ha revolucionado el mundo de la moda. La moda se convierte en un fenómeno de masas. Todo el mundo puede comprar moda a un precio asequible. Se impone la teoría Trickle-across effect, la nueva forma de ver la moda en la actualidad, Las personas se diferenciarse entre sí no por las clases sociales, sino por el estilo y la rapidez que tienen en la adopción de innovaciones.

El mundo de la moda segmenta la población en varios grupos:

  • Trend creators (creadores de tendencias), que constituyen el 1% de la población. Son los arriesgados y los visionarios.
  • Trend setters, son un grupo más amplio que constituyen un 15% de la población y representan a aquellos que adoptan las innovaciones antes que el restos inspirados por los que han creado esa innovación.
  • Trend followers, cuyo grupo imita a los anteriores adoptando con cautela y mayor lentitud sus tendencias. Constituyen la mayor parte de la población. Este modelo es muy curioso, ya que podríamos incluso a llegar a predecir algunas tendencias, que cambian, cuando la diferenciación deja de funcionar.

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Surge el fenómeno Top Model o Supermodelo. Fue acuñado en los años 1980 para designar a las modelos de élite, altamente cotizadas por marcas y diseñadores de renombre mundial. La supermodelo era una belleza de aspecto saludable y aire de amazona, atlética y con curvas; y lo mas importante, tenía personalidad.Cindy Crawford, Claudia Schiffer, Elle Macpherson, Linda Evangelista, Eva Herzigova,  Naomi Campbell o Stephanie Seymour marcaron una era en el mundo de la moda. Se convirtieron en las celebrities de la década: copaban alfombras rojas, portadas de revistas de moda. Firmaba contratos multimillonarios con casas de cosméticos, aparecía en programas de televisión, películas, protagonizaba anuncios, alguna lanzó su propia línea de ropa. Las supermodelos exigian honorarios muy elevados. No obstante a finales de la década de 1990 la moda cambió. Se acabaron las supermodelos sanas y de piel brillante y nació un nuevo modelo de chica más joven, frágil, andrógina y casi anoréxica.

Portada de Vogue UK
Portada de Vogue UK (Propias)

La evolución de los pases de modelos a espectáculos audiovisuales. El Desfile como Espectáculo multimedia. El pase de modelos fue creciendo en espectacularidad: se van incorporando elementos teatrales o de perfomance artísticas.

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En la década de 1980 se prestó cada ves mas atención a la alta costura y los diseñadores se convirtieron en celebridades. Los nombre de algunos se identificaban con sus icónicas piezas:

  • El italiano Gianni Versace con sus vestidos de fiesta de colores metálicos que sentaban como un guante
  • Christian Lacroix con la falda globo y los estampados rosas,
  • Gautier con el sujetador de copas cónicas,
  • Karl lágerfeld con el clásico traje Chanel modernizado con colores vivos.

La moda está presente en los diferentes medios de comunicación: radio, televisión y prensa desde los más generalistas a los suplementos semanales, las revistas especializadas. La presencia de diseñadores y supermodelos beneficia a las marcas pues las vale como publicidad. La alfombra roja de los Oscars y festivales de cine se convierte en la mejor forma de difundir el nombre de la marca entre las masas.

Top de los grandes diseñadores

Francis Ford Coppola. Cineasta

Francis Ford Coppola (Detroit, 7 de abril de 1939) es un guionista, productor y director de cine estadounidense. Es la figura más destacada del Nuevo Hollywood que tuvo lugar en la década de 1970, junto a cineastas como Martin Scorsese, Steven Spielberg, Brian de Palma y George Lucas, entre otros.

Nació en el seno de una familia de artistas italoamericanos. Su padre, Carmine, era músico; su madre, Italia, actriz. En su niñez enfermó de polio. Pasó mucho tiempo sin salir de casa como consecuencia de la enfermedad, tiempo que dedicó a jugar con sus títeres y a la lectura,  le apasionaban la ciencia y la ingeniería,  estudió música. Desde muy joven rodaba películas caseras en 8mm. Estudió Arte Dramático y Cine en la Universidad de California-Los Ángeles pero donde de verdad aprendió todos los secretos de su oficio fue en la factoría del productor Roger Corman, el rey de la serie B. De aquella época son sus primeros trabajos.

En los años 60 comienza en el mundo cinematográfico como asistente, montador y guionista. Su primera cinta fue Dementia 13 en 1963 y  con  The Rain People (1969)  consiguió la Concha de Oro del Festival de San Sebastián.

Films de Coppola

Siempre ha intentado ser independiente, tratar el cine como una obra de arte y fusionar  lo que se estaba haciendo en Hollywood y el apasionante cine de Europa y Japón de los 50. Inspirándose en el cine de entretenimiento  de Wyler, Hitchcock, Wilder, Vidor y muchos otros grandes–,  e introduciendo la literatura,el cine de autor, el  arte de la obra de Bergman, Kurosawa, Fellini, Rossellini y Buñuel… “Esta mezcla de los dos extremos de la propuesta de cine inspiró a toda mi generación…” dijo en Oviedo al recibir el Príncipe de Asturias de las Artes.

A lo largo de una carrera que abarca ya seis décadas, Francis Ford Coppola se ha movido en una permanente contradicción.

  • Trabajos para las grandes estudios de Hollywood: protagonizadas por conocidísimas estrellas como Apocalypse Now o la saga de El Padrino.
  • Películas más independientes, de autor con su productora a American Zoetrope que fundó en 1969 junto a George Lucas; una compañía independiente, alternativa a Hollywood para financiar proyectos menores y dar oportunidades a cineastas debutantes. Apostando por un cine distinto y simple, mucho más cercano al arte puro y alejado de cualquier condicionamiento comercial pero con varias quiebras económicas que llevaron a su desaparición.

De esta lucha entre lo que quería y lo que podía hacer, han surgido  obras maestras, como

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Trilogía de Godfather o El Padrino. 1972, 74 y 90. Basada en la novela  de Mario Puzo, es  considerada una de las más importantes de la historia del cine. La primera fue, durante  años, la película más taquillera de la historia. La película combina violencia, valores y lealtad dentro de una familia mafiosa italo-americana. El padrino, con su historia, el estudio de caracteres y el retrato de la sociedad, conserva el estilo tradicional del género de gángsters y, a la vez, renueva el modo de hacer estas películas. En ella trabajaron Marlon Brando y Al Pacino. El rodaje fue duro y Coppola tuvo enfrentamientos con la Paramount. Por El Padrino I consiguió tres Óscar, entre ellos mejor película y por El Padrino II, seis Oscar entre ellos el de mejor película.

 

La conversación.​ 1974. Para muchos una obra maestra filmada  entre los dos Padrinos

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Esta cinta, protagonizada por Gene Hackman (encarna a un profesional de las escuchas telefónicas) es un relato sombrío y lento, de gran densidad psicológica, basada en los silencios y en la reflexión más que en una dinámica más habitual en el género de la intriga. Una película asfixiante y desquiciada que atrapa la desoladora vida de un detective que trabaja como escucha profesional. Las conversaciones de otros dan sentido a su apagada existencia en un demoledor retrato de la soledad de los individuos en el mundo moderno, un mundo tan gélido como las sombrías imágenes de esta maravilla.

Heart of Darkness o Apocalypse Now ( se inició el rodaje en 1976 y finalizó en 1979).  Para muchos es  el mejor filme bélico jamás realizado. Una obra de arte de la segunda mitad del siglo XX. Ganó dos Óscar, a la mejor fotografía y al mejor sonido y la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1979.

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Es célebre la rueda de prensa en la que Coppola dijo la famosa frase: «Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam».

 Basada en El corazón de las tinieblas, de Joseph Conrad pero trasladándola a la Guerra de Vietnan. Coppola demostró su talento para extraer de un texto materiales insospechados cuando dotó a su filme de una épica militarista. Pero casi desde el principio la desgracia se alió con el rodaje, y las tragedias y los desastres se sumaron uno tras otro. El protagonista Martin Sheen sufrió un infarto que a punto estuvo de acabar con su vida, aunque pudo regresar en sorprendente buena forma al rodaje. Un huracán destruyó gran parte de los decorados. Marlon Brando mortificó a Coppola con exigencias excesivas de dinero y planes de rodaje a su gusto. El presupuesto del filme se disparó rápidamente. El gobierno de Filipinas se llevaba los helicópteros que Coppola utilizaba para las escenas de batalla sin previo aviso, pues estaban en guerra. Además, tiene una versión Redux (editada en 2001), con escenas cortadas del metraje original.

En los años 80 rueda: Rebeldes (1981), Corazonada, 1982, The Cotton Club (1984), La ley de la calle, 1984, Dracula (1992), etc.

Francis Ford Coppolla con sus luces y sombras, es considerado por muchos especialistas e historiadores, uno de los más importantes cineastas norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX, y uno de los más grandes de todos los tiempos.  Su hija Sofía Coppola sigue sus pasos.

Representa uno de los empeños más genuinos por hacer cine de autor dentro de la maquinaria de los grandes estudios en las ultimas décadas. En el camino queda un balance con obras muy importantes y otros intentos menores, incluyendo algunos fracasos. A cambio de ello, Coppola ha logrado plasmar en algunas obras su visión, en la medida en que pudo controlar las condiciones de producción, creando un cine innovador e inquietante para la visión reaccionaria de la vida y la sociedad que tiene un amplio sector de su país, y lo que constituye el sello Coppola por excelencia, su capacidad de narrador y su maestría como cineasta.

Cincuenta años después de conseguir la Concha de Oro a su primera película, en 2015 recibió el Premio Princesa de Asturias de las Artes.

Recursos

 

 

El resurgimiento del cine norteamericano (años 60-80).

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Scorsese – Spielberg – Coppola – Lucas

El cine norteamericano vive, de mediados de los 60 a la década de los 80, una época dorada. A esta época se conoce como Nuevo Hollywood, Cine Post-Clásico, Renacimiento de Hollywood  o Nueva Ola Norteamericana. Durante este periodo desaparece el Studio System, el cine  que realizaba una producción sistemática y prácticamente industrial. Hollywood se vio obligado a dejar a actores y técnicos en libertad, de modo que ya no debían responder a un contrato por varias películas.

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Surgen cineastas de gran talento como Francis Ford Coppola, Steven Spielberg (Tiburón (1975)/ ET, etc)  Martin Scorsese (Taxi Driver, Toro Salvaje…) George Lucas (Star Ward) o Dennis Hopper, conocidos como Generación de los 70.

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Las características cinematográficas que identifican al nuevo periodo son:

  • Gran importancia al papel de los cineastas en detrimento de los productores de los grandes estudios. Defienden el cine de autor.
  • Les influye el cine europeo (neorrealismo italiano y la Nouvelle Vague francesa) y japonés.
  • Utilizan una narrativa cinematográfica nueva,  narrar historias de manera diferente
    • Ya no es un cine lineal.
    • Los finales pueden ser abiertos, no solucionan todos los conflictos (no están todos los cabos cerrados).
    • Predomina el realismo.
    • Ruedan en exteriores.
    • Introducen efectos artísticos
    • Es un cine con mensaje político, liberal e independiente.
  • Tratan nuevos temas hasta ahora tabús: como la violencia o la sexualidad,  renovaron los géneros de cine clásico americano —western, cine negro— liberándolos de las convenciones.
  • El cine se aprovecha del vídeo y DVD para rentabilizar las inversiones.
  • A partir de este nuevo cine surgen dos tendencias:
    • Las superproducciones taquilleras que contratar a grandes estrellas y
    • El cine independiente que da prioridad a la calidad de los guiones, direcciones, interpretaciones, etc.

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Información consultada en el Blog Pantalla Adicta

Expresionismo. Concepto. Origen. Tendencias.

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Composición IV. Kandisky. Del Expresionismo figurativo a la abstracción 

El expresionismo fue un movimiento artístico vanguardista que tuvo gran importancia en el mundo  germánico. A través de las obras, los intelectuales reflejan el impacto, la angustia y rechazo  de la Europa de la Paz Armada,  de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). La brutalidad de la Guerra y el Nazismo provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos.

La realidad se distorsiona, el artista refleja una visión persona de la realidad a través de la estridencia del color o distorsionando, desfigurando o exagerando las figuras. Los  primeros artistas que lo reflejan, antecedentes, son  Goya y Van Gogh, ambos a través de sus obras dan rienda a su interior y denuncian la situación que les ha tocado vivir.

El expresionismo defiende la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido.

Dan prioridad a una visión subjetiva del mundo, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una expresión  existencialista y la visión trágica del ser humano con una preocupación por la vida y la muerte,

Pionero del Expresionismo. E. Munch

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El Grito. E. Munch. Precursor del Expresionismo

Edvard Munch (Loten, Noruega, 1873 –  cerca de Oslo,1944) Pintor y grabador noruego. Refleja los problemas psicológicos de la sociedad , la enfermedad y la muerte se convierten en una constante en su obra. El “Grito” su obra mas conocida la describe el autor como la expresión de la soledad, angustia y miedo al sentir la fría naturaleza, con colores irreales, violentos situando en el centro a la persona en situación desesperada.

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El Baile de la Vida, Edvard Munch.

El PRIMER MOVIMIENTO EXPRESIONISTA TIENE DOS FOCOS:

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Fränzi ante una silla tallada – Kirchner, Museo Thyssen-Bornemisza

Die Brücke (1905-1913) (el Puente). Expresionismo alemán.  Considerado el grupo más importante del expresionismo alemán, sus integrantes tenían un estilo poco convencional para su época: estaban de acuerdo con la lucha por la libertad e independencia absolutas, y esta lucha se reflejaba en su temática y estilo de vida.  Surge en la ciudad alemana de Dresde, en el año 1905. Cuatro estudiantes de arquitectura, Kirchner, Bleyl, Schmidt-Rottluff y Heckel, nacidos en familias burguesas y sin formación académica pictórica, deciden luchar y romper radicalmente con el arte anterior. La fundación de este grupo marca el inicio del movimiento expresionista; sus miembros trabajan constantemente en equipo, aprendiendo unos de otros, criticando sus propias obras e interpretando las de sus compañeros. El grupo quería crear un arte que no imitase la realidad, sino que creara una nueva realidad, resultado del espíritu del artista y de su necesidad de expresión. Con esta fuerza en su comunicado y en su ideal estético, pronto se unieron al grupo otros artistas, tanto alemanes como extranjeros. Los dos artistas más representativos son: Kirchner, Nolde y Heckel. Estos expresionistas anunciaron la creación de su grupo a la comunidad artística alemana en un manifiesto redactado y grabado en madera por el propio Kirchner.

 

 

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Retablo La vida de Cristo, tríptico de 1911. Nolde

2ª Grupo expresionista. El Jinete Azul. Sur de Alemania

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Grandes caballos azules, 1911, Franz Marc

Der Blaue Reiter (1911-1918) (El jinete azul). El origen de este segundo grupo expresionista está en Munich en 1911 con la creación de un almanaque que llevaría el nombre de Der Blaue Reiter (El jinete azul). Pintores procedentes de Baviera y muy preocupados por la relación de la pintura con la música y todas las formas de creación, reflejan el simbolismo en el uso del color. Presentan una tendencia hacia la abstracción, aparecen con mayor frecuencia líneas curvas,  los colores tienden a ser más suaves y luminosos en lugar de ser oscuros; son más poéticos. El grupo es menos homogéneo. Recibió una importante aportación internacional sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que lo integraron numerosos artistas extranjeros. Sus máximos representantes fueron Kandinsky y Franz Marc, sus fundadores; el resto del grupo lo compusieron Macke, Javlensky y Klee.

 

Wassily Kandinsky, El diluvio universal (composición VI), 1913. Época del Jinete Azul.
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Paul Klee, la música en pintura

Expresionismo Austriaco. El grupo de Viena.

 

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Oskar Kokoschka – Adolf Loos, 1909. Expresionismo austriaco

Durante la guerra algunos pintores necesitan expresar su dolor ante la destrucción. Destaca Kokoschka. Los retratos coparon gran parte de su producción y acapararon buena parte de sus reflexiones artísticas, hasta el punto de convertirse en su principal interés temático. Con esta práctica consiguió crear un lenguaje completamente personal fundamentado en el deseo de lograr captar la esencia de los personajes representados, hasta el punto de querer retratarles el alma, basándose para ello en la profundización en sus aspectos psicológicos
Nueva objetividad (1918). Expresionismo alemán durante las dos guerras mundiales

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EL ESPÍRITU MILITAR DE LAS FUERZAS ARMADAS, POR OTTO DIX

Destaca Otto Dix, pintor de la Nueva Objetividad y el Expresionismo alemán fruto de la 1ª Guerra Mundial . El trabajo pictórico de Otto Dix abarca una gran diversidad de estilos, aunque el gran público conoce, principalmente, sus pinturas sobre la guerra. Las obras expresan la decadencia de la sociedad.

El expresionismo como movimiento no desapareció hasta 1933, cuando fue reprimido por el nazismo. Hitler, bajo la consigna de “Arte degenerado” condenó a todo el movimiento expresionista. El nazismo los persiguió los dispersó, confiscó sus obras, las excluyó de los museos, las destruyó . Aun así, a partir de 1950 volvió en Estados Unidos, bajo el nombre de expresionismo abstracto, y también en el arte mexicano.

Segundo Expresionismo (años 50- 70). Explicado en el bloque temático X.

 

 

Luis García Berlanga. Cineasta

Luis Garcia Berlanga

Datos Biográficos

Nació en Valencia (1921-2010). De  familia burguesa y republicana. Estudia en los jesuitas y en un colegio de los Alpes Suizos. Después de participar en la guerra civil española y en la Segunda Guerra Mundial, Decidió estudiar Derecho y más tarde Filosofía y Letras, hasta que en 1947 cambió su vocación e ingresó en la primera promoción del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid, donde más tarde sería profesor. Allí hizo amistad con Juan Antonio Bardem, y juntos escribieron un primer guión, La huída, que fue prohibido por la censura. Después realizan su primera película, Esa pareja feliz (1951). Se casó con su mujer, María Jesús, en 1954 de la misma manera a como retrata la boda que aparece en su film “El verdugo“. Fue presidente de la Filmoteca Nacional entre 1978 y 1982, período en el cual consiguió que el NO-DO dejara de estar en manos de TVE y pasara a la FN.

CONTEXTO HISTÓRICO

Vive  los difíciles años de la postguerra. Las diferencias sociales son numerosas y muchos intelectuales y cineastas de la época trataron de reflejarlas en sus obras, como una crítica al sistema. Por otro lado, tenemos el cine que se está realizando en una Europa que apenas acaba de despedir a la Segunda Guerra Mundial. El pesimismo, las dificultades para sobrevivir y el protagonismo en el personaje de baja extracción social cobran una importancia vital. Los directores de cine sienten que necesitan contar esa realidad, y hacer un cine de denuncia, anclado al día a día de miles de ciudadanos que luchan por seguir adelante. También filma con ironía la Transición.

Influencias

  • El neorrealismo italiano. ‘Ladrón de bicicletas‘ De Sica y ‘Roma, ciudad abierta‘ Rossellini,  la película que más le impactó en la época fue “Los inútiles” de Fellini,
  • El cine francés de  René Clair
  • Los clásicos de la comedia muda, sobre todo Chaplin y Keaton.
  • Las comedias Frank Capra, las lecturas de Rilke, Neruda o Giraudoux
  • El teatro de Valle Inclán, Jardiel Poncela o Miguel Mihura, lo rocambolesco, el surrealismo, el esperpento que tanta y tanta influencia ha tenido siempre…

Las características de Berlanga:

  • Cine realista que filma la dureza social de España.
  • Utiliza el humor ácido y castizo.
  • Denuncia el abuso de las clases dirigentes del franquismo.
  • Refleja el mundo rural.
  • Gran diversidad de personajes. Personas que pertenecen o a una clase muy humilde o se mueven en ambientes selectos, que sirven de “cronistas” de la evolución-involución de nuestro país y de su sociedad.
  • Desde un punto de vista técnico, el tipo de cine Berlanga irá evolucionando y adaptándose a las diferentes historias: comenzando con un estilo muy cercano al neorrealismo y acabando con la marca de la casa que fueron esos larguísimos planos secuencia de más de siete minutos, como el de “Nacional III“, todo dentro de un toque “fallero” y “castizo”. Suele utilizar una trama estructurada en pequeños episodios.
  • Uso de exteriores naturales, ya sean pueblos enteros, cárceles, fincas, palacios y demás lugares.
  • Fue un defensor de la libertad de acción y pensamiento del individuo y del prohibido prohibir. El director, a través de sus películas, siempre luchó contra el fascismo o cualquier forma de represión en particular y de todo tipo de poder establecido en general, contra la Iglesia y contra la Escuela.
  • El Mediterráneo también es parte esencial de la carrera de Berlanga.
  • Crítica continua a la iglesia como pilar del Franquismo.
  • Crítica la política: atacando no sólo los excesos de la dictadura franquista en unión con la Iglesia, también lanzando dardos de ironía y sarcasmo a los funcionarios y políticos de todas las épocas y regímenes de nuestro país.
  • Critica el comportamiento de los medios de comunicación.
  • La escuela como centro de conocimiento y saber pero de las clases que quieren dominar a la sociedad, por lo que están plagadas de elementos autoritarios al servicio de lo político y lo eclesial,

FILMOGRAFÍA

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‘Bienvenido Mr. Marshall‘ de 1953.  Sátira del Plan Marshall y Comedia costumbrista de la España rural de los 50

 Escribió el guion junto a Miguel Mihura y Bardem. Se convirtió en un análisis realista de la política internacional de la época. El plan Marshall había sido concebido por este general para la ayuda a la reconstrucción europea. España, que quedaba fuera de la lista de democracias, no se benefició, en un principio, de sus fondos, aunque la película recoge el incipiente aperturismo internacional.  En el Festival Internacional de Cine de Cannes  recibió el premio a Mejor Comedia y Mención Especial por el guion.

Este título ejemplifica bien su cine, generalmente coral y narrado en planos secuencia con rasgos de sátira, farsa, humor negro y una visión crítica y esperpéntica de la realidad sociocultural y política española.

Plácido. 1961. Una de sus películas más sarcásticas. Nominada a los Oscar.

Obra cumbre de nuestra cinematografía. El humor de Berlanga se une al de Azcona y construye una amalgama de personajes única. El protagonismo coral nos lleva por la celebración navideña de una ciudad de provincias en la que la campaña ‘Siente un pobre a su mesa’ (que existió realmente) marca la historia de Plácido, un trabajador que necesita pagar la letra de su carromato, la herramienta para trabajar. Es una gran comedia de enredo que muestra, en pequeñas dosis, algunos de los problemas sociales más acuciantes. El tema principal es la crítica a las clases altas que desean limpiar su conciencia con un acto de caridad superficial.

El verdugo,1963. Humor ácido y pesimismo social. Alegato contra la pena de muerte.

Considera la mejor película de Berlanga y una de las mejores de la historia del cine español.  El País

El filme se enfrentó a la censura en España, fue premiado en La Mostra  de Venecia por la crítica internacional, en Moscú y en Francia. José Isbert, Emma Penella, José Luis López Vázquez y Nino Manfredi protagonizaron la película.

Una vez más, el humor tras el que se esconde Berlanga es un reflejo de su pesimismo social, pues las situaciones planteadas son cínicas y macabras. Es en 1963 cuando realiza este filme en el que pone el punto de mira sobre la pena de muerte y escoge para ello una de las figuras más imprescindibles del régimen: el verdugo, el instrumento humano necesario para llevar a cabo las condenas dictadas por la justicia.

Dentro una línea más cómica se encuentran:

  • Década de los 50: Bienvenido Mister Marhsal, Novio a la vista (1953), Calabuch (1956) historia de un prestigioso científico nuclear refugiado en la pequeña localidad de Calabuch tras cansarse de que sus investigaciones fuesen empleadas en intereses militares. El film fue premiado en el Festival de Venecia. “Los Jueves, Milagro” (1957)
  •  Los años 60 comenzaron con dos de sus obras más importantes, “Plácido” (1961),  y “El Verdugo” (1963),  La Boutique, 1967.
  • Década de los 70: destaca la Escopeta Nacional, 1977.
  • Década de los 80: su cine se trivializa, rueda La vaquilla, 1984, la serie Nacional en 1978, 1980 y 1982, la floja Moros y Cristianos” (1987); “Todos a La Cárcel” (1993), y “Paris Tombuctú” (1999). El sueño de una maestra, 2002. Intenta mantener el tono divertido y el enfoque crítico y ácrata que caracteriza la mejor obra del director y guionista valenciana.
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Detalle del museo virtual Berlanga Film Museum.

Ha obtenido las siguientes distinciones: Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1986, Medalla de Oro de las Bellas Artes en 1981, Premio Nacional de Cinematografía en 1980 y ha sido condecorado con la Orden Italiana de Commendatore. En los últimos años ha sido presidente de la Filmoteca Nacional de España y director de la colección de relatos eróticos La sonrisa vertical. En el Festival de Karlovy Vary fue premiado como uno de los diez cineastas más relevantes del mundo.

El 27 de mayo de 2008, depositó un legado en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes que se abrirá el 12 de junio de 2021. Es una de las personalidades que deja un objeto personal en la antigua cámara acorazada de la sede central del Instituto.

Web

Pilar Miró. Cineasta

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Pilar Miró. Cineasta

“No es fácil para una mujer, hacerse un sitio en un mundo de hombres”

Directora de cine y teatro. Realizadora de televisión. Fue también directora general de RTVE (Radio Televisión Española) y miembro del Consejo Internacional de la Academia de la Televisión, Artes y Ciencias.” España es cultura

BIOGRAFÍA Y TRAYECTORIA PROFESIONAL

 Pilar Miró (Madrid 1940-1997). Mujer de carácter férreo, controvertida y de frágil salud, nació en la España de posguerra, en una familia de padre franquista. Estudió Derecho, algo que  en esa época se consideraba para chicos, Periodismo  y también se graduó en la Escuela Oficial de Cine como guionista, donde también fue profesora. En los años 60, empezó su carrera en TVE desempeñando distintos trabajos como ayudante de redacción y a mediados de los 70 como la primera mujer realizadora, introduciendo valores democráticos y progresistas.

LOS INICIOS: UN PILAR EN EL CINE DE TRANSICIÓN DE LOS AÑOS 70 
De la pequeña pantalla saltó al mundo del cine, escribiendo y dirigiendo algunas de las películas más importantes de la Transición.

La Petición, 1976. Primera película de Pilar Miró. Se presentó al Festival de Teherán.  Adaptación del relato de Émile Zola “Por una noche de amor”. Aunque no es una de sus mejores películas, debemos destacar el atrevimiento al tratar un tema hasta ahora censurado, el erotismo a través de una mujer, Teresa, interpretado  por Ana Belén. Sirve como ejemplo de censura  del Tardofranquismo (unas 20 escenas fueron cortadas).

En una entrevista a El País dijo ” Intenté reflexionar sobre la educación de la infancia, una forma de educación que todos hemos soportado y padecido,  en la que, paradójicamente, todo lo que desearíamos hacer está prohibido”

El crimen de Cuenca, 1979. Única película prohibida de la Democracia

Basada en hechos reales,  acaecidos entre los pueblos conquenses de Tresjuncos y Osa de la Vega, cuando en 1910 dos hombres inocentes fueron injustamente acusados del robo y asesinato de un tercero, que había desaparecido ocho años antes sin dejar rastro.  Pasó a la historia como uno de los mayores errores judiciales y fue utilizado por la prensa de la época para cuestionar el sistema, el jurado popular y los métodos de la Guardia Civil.

Escena de torturas en 'El crimen de Cuenca'

Fue la única película prohibida durante la democracia. Se estrenó con gran éxito en 1981 después de que la cinta fuera secuestrada por la autoridad militar, y su directora, objeto de un proceso también militar. Refleja y denuncia  la leyenda negra de España, la crudeza del mundo rural que ya Carlos Saura, Mario Camus o Luis Buñuel habían plasmado.

Con un ritmo vertiginoso, absolutamente innovador para la época, y un reparto hoy envidiable, ‘ El crimen de Cuenca’ no es solamente el retrato de un suceso ocurrido hace casi un siglo, sino la fotografía áspera y rugosa de un trozo de nuestro país sumido en la miseria, en cortijos, caciques, mujeres de negro y sirvientes, donde las rencillas entre pueblos, los resultados electorales y la política hicieron de estos hechos algo más que un titular.

Las torturas a las que fueron sometidos los dos reos por parte de la Guardia Civil hasta conseguir que ambos firmaran una confesión falsa, fueron entonces, y siguen siendo hoy, muy difíciles de contemplar y asimilar. Los planos-detalle de Miró, primero oscurecidos, y luego tan transparentes como si fuéramos nosotros los propios verdugos, arrojaron luz sobre una cuestión espinosa e intocable en España, con la que la directora no tuvo ninguna piedad, y que hizo que una copia de la película fuera retenida 1980 por el entonces ministro de Cultura, Ricardo de la Cierva, y puesta a disposición militar bajo el Gobierno de Adolfo Suárez. Dos años más tarde, tras el famoso 23-F, se sobreseyó el proceso y El crimen de Cuenca salió del secuestro que había padecido.

Gary Cooper que estás en los cielos. 1980.  Tercera película Con tintes autobiográficos. Historia de Nuestro Cine RTV

DIRECTORA GENERAL DE CINEMATOGRAFÍA (1982-1986) Y DE RTVE (1986-1989)

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1982, el PSOE gana por primera vez las elecciones generales. Felipe González nombra a Pilar Miró directora general de la Dirección General de Cinematografía (1982-1986) para preparar al cine español para la entrada del país en la CEE.
“La gestión de Pilar Miró tuvo entusiastas y detractores alrededor de sus nuevas medidas proteccionistas“
Elaboró una nueva ley cinematográfica, conocida como ley Miró, que pretendió relanzar el cine de calidad, darlo a conocer internacionalmente y modernizar las pautas para dar subvenciones a directores y productores.
Poco después, aceptó la Dirección General de RTVE (1986-1989) y renovó la televisión preparándola para competir con las futuras emisoras privadas. Bajo este cargo se enfrentó a un proceso por malversación de fondos públicos. Dimitió en 1989. Miró fue tachada de corrupta; la compra de vestuario personal a cargo del Ente RTVE. Todo ello desembocó en un juicio del que salió absuelta tres años más tarde.

Éxito y enfermedad (1989-1997)

Beltenebros, 1991. Adaptación de la novela de Antonio Muñoz Molina rodada en inglés e interpretada por Terence Stamp y que le valió un Oso de Plata en el Festival de Berlín. En la película habla del perdón y la manipulación de militantes de partidos políticos.

El Perro del Hortelano. 1996. Comedia de enredo. Ambientada en el siglo de Oro

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Adaptación de la obra en verso de Lope de Vega.  El Perro del Hortelano la colmó de reconocimiento y éxito. Obtuvo 7 premios Goyas: Dirección, mejor actriz protagonista Emma Suárez, mejor guión adaptado, mejor fotografía,  dirección artística, vestuario, maquillaje y peluquería. Fue su última película.

https://youtu.be/uBDc-B216CU
Acometió aún dos grandes proyectos: Tu nombre envenena mis sueños y su segunda boda real, la de Cristina de Borbón en 1997, quince días antes de que falleciera de un fulminante ataque al corazón.

CONCLUSIÓN

Con nueve largometrajes en veinte años de trayectoria cinematográfica y casi doscientas realizaciones para televisión, aparte de varios montajes de teatro y ópera, Pilar Miró (1940-1997) es una figura clave en la historia del cine español. Su paso por las Direcciones Generales de Cinematografía y de Radiotelevisión Española, en los años ochenta, será recordado siempre, más que por las polémicas que pudo suscitar, por el impulso que desde ambas intentó dar a la producción y difusión de un cine de calidad, no pensado exclusivamente de cara a la taquilla.