Charles Chaplin (16 de abril de 1889 – 25 de diciembre de 1977) fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico. Con casi noventa películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo. Adquirió fama mundial y es considerado uno de los grandes genios de la historia del cine. En su obra abundan imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje.
LA COMEDIA ACIDA: “Desde cerca, la vida parece una tragedia; desde lejos, una comedia”. Parafraseando a Chaplin.
Lo que hace la comedia ácida es precisamente eso: Muestra una “realidad” relativamente trágica, sin esperanzas, sin ilusiones y la convierte en chiste, en motivo de risa. Satirizando sutilmente situaciones y personajes. En el caso de estas películas, la visión trágica de la trama se cierne en la situación político-social por la que atraviesan.
El humor de estos films se basa en situaciones incómodas. Se expresa libremente sobre las preferencias, los gustos, el aspecto físico de otras personas… La comedia ácida: mitad poética, mitad bufa, se caracteriza por el sarcasmo y la ironía constantes.
El Gran Dictador. Comedia dramática. 1940 con guion, dirección, producción y actuación de Charles Chaplin.
El gran dictador ( The Great Dictator) es una película estadounidense de 1940 escrita, dirigida y protagonizada por el británico Charles Chaplin. Es una sátira cómica de Hitler y una contundente denuncia pública sobre el Holocausto de los judíos. Primer largometraje anti-nazi de la historia. En el momento de su estreno, Estados Unidos todavía estaba en paz con la Alemania nazi, pero la película ya era una feroz y controvertida condena contra el nazismo, el fascismo, el antisemitismo y las dictaduras en general.
Sinopsis. Un humilde barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la Primera Guerra Mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnésico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada, y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo.
El Gran Dictador. Foto.
En la película, Chaplin define a los nazis como «hombres-máquinas, con cerebros y corazones de máquinas». Chaplin interpreta dos papeles, el del dictador Adenoid Hynkel (clara parodia de Adolf Hitler) y el del barbero judío. Este último guarda muchas similitudes con el personaje más famoso de Chaplin, el vagabundo Charlot. Aunque no se especifica si se trata de él o no, se considera que en esta película se produce la última aparición de Charlot.
El Gran Dictador. El barbero judío.
Chaplin era el único cineasta en Hollywood que seguía realizando películas mudas cuando el sonido ya estaba plenamente implantado en el cine, y esta fue su primera película sonora y la de mayor éxito.
El largometraje recibió cinco nominaciones en la 13.ª edición de los Premios Óscar, sin embargo no ganó ninguno. Esta película estuvo censurada en España hasta la muerte de Franco,1975.
El Presidente Roosevelt contactó con Chaplin para que siguiera con su osado proyecto artístico-político, la industria cinematográfica norteamericana no lo apoyó. Chaplin, la leyenda del cine mudo, realiza uno de los discursos más memorables de la historia del cine, un manifiesto humanista en su máxima expresión.
«To be or not to be” Ernst Lubitsch. Ser o no ser (1942) es, junto a El gran dictador (1940, Charles Chaplin), la parodia más divertida e inspirada que ha hecho el cine sobre Hitler y el nazismo.
Tuvo la valentía deabordar los conflictos de su tiempo desde el humor e ironizar sobre alguno de los rasgos más deleznables del ser humano. Todo eso sin perder de vista al público, confiando en su inteligencia y garantizando su disfrute. Es una comedia sofisticada cuyo objetivo principal es la evasión y la sátira política. Se desarrolla en un ambiente aristocrático, con un esmerado refinamiento estético, con diálogos brillantes, repleta de situaciones equívocas y todo tipo de confusiones que, a pesar de su cariz ingenuo o amable, destaca la hipocresía latente en la sociedad.
Argumento: En la Polonia ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de actores de teatro de recursos limitados realizan interpretaciones en las que ridiculizan a los nazis. Un espía les comunica una información, que de ser conocida por los nazis, resultaría muy perjudicial para Polonia. En vista de ello, el grupo decide movilizarse para evitar que esa información caiga en manos de los alemanes. En vez de la Gestapo, tendrá que ceder ante las presiones políticas y hacer, en su lugar, la representación del clásico de Shakespeare “Hamlet”.
El comienzo de la película es magistral: nos encontramos en Varsovia, capital de Polonia en Agosto de 1939. Una compañía teatral promociona una obra sobre el nazismo llamada “Gestapo” y uno de sus actores se pasea disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia, sembrando el desconcierto en la población. Lubitsch utiliza la comedia no como un género ligero sino como un arma magistral y afilada contra el apogeo nazi. A través de la caricaturización del opresor, consigue desautorizar sus actos, su ideología. A pesar de las innumerables críticas que recibió por este enfoque, su atrevimiento es indudable y sólo el paso del tiempo le dio el lugar que merecía. En España, por ejemplo, no se estrenó hasta 1971, casi treinta años después de ser filmada.
Vídeos con alguno de los momentos más memorables.
El cinismo que emana del tratamiento del conflicto bélico contrasta con el humor blanco que empapa las relaciones entre los personajes.
Lo más curioso de Ser o no ser es donde reside la ironía.
Su obra se ha caracterizado por un modo irónico especial, el llamado «toque Lubitsch», que usaba no solo para saltarse la censura, sino también para complicar la trama, para divertirse, para hacer ambiguas las situaciones.
A parte del contexto político, esta película es un homenaje al teatro, a sus actores y a su vital labor de entretenimiento en un mundo que, en demasiadas ocasiones, sólo deja paso al horror.
Admiración por Shakespeare –de gran influencia para Lubitsch–, en concreto ‘Hamlet’ y su célebre monólogo existencial, e intemporal.
Confusión entre realidad y ficción, entre la representación y la autenticidad.
Interpretación magistral de los actores.
La película, exhibida en su tiempo como propaganda anti-nazi, ataca con perspicacia y sutileza a todo tipo de totalitarismo ideológico y político. Sobrepasando el mero calificativo de producto propagandístico coyuntural y permaneciendo como uno de los mejores ejemplos de comedia (fresca, entretenida, ágil, chispeante, corrosiva, repleta de brillantes diálogos…) que jamás se hayan realizado en la historia del séptimo arte.
Columna de la paz. 1954 A. Pevsner. Constructivismo ruso. Abstracción
Los hermanos Pevsner, Antoine y Gabo (este, elige el apellido de la madre para diferenciarse de su hermano), son los artistas más representativos del Constructivismo ruso junto a Tatlin, de la escultura abstracta y de las vanguardias soviéticas.
Antoine Pevsner comenzó su carrera como pintor. Una estancia en París de 1911 a 1914 lo introdujo en el cubismo y el futurismo, dos enfoques nuevos y radicales para hacer arte. Después de que la Unión Soviética se retiró de la Primera Guerra Mundial en 1917 y la amenaza de un reclutamiento terminó, Pevsner y su hermano, el escultor Naum Gabo, regresaron a Moscú para participar en el fervor utópico de construir una nueva sociedad igualitaria.
En 1922 abandonan definitivamente la Unión Soviética y se instalan en París. En 1930, Pevsner consigue la nacionalidad Francesa. A partir de la 2ª Guerra Mundial sus esculturas consiguen un gran prestigio, exponiendo en numerosas ciudades.
Antoine Pevsner destaca por la utilización de materiales industriales (vidrio, plexiglás, metal, cemento, plásticos, etc.). De los materiales tradicionales sólo utiliza el bronce pero con un tratamiento nuevo. Introduce el color como en la obra Fuente
A partir de mediados del siglo XX emplea láminas, estructuras e hilos de bronce soldados entre sí para lograr formas complejas y enrevesadas utilizando líneas tanto rectas como curvas. Construye estructuras en torno a un eje central.
Las formas helicoidales, ovales, aparecen en muchas de las obras multiplicando los puntos de vista y el movimiento.
Realiza obras para espacios públicos.
Abandona la figuración, representa esculturas abstractas, llenas de dinamismo, donde el vacío ocupa un lugar principal.
Realiza esculturas científicas, basadas en estudios matemáticos y geométricos.
Los temas principales son el espacio, el tiempo, la luz. EL UNIVERSO.
Introduce el movimiento y la transparencia, el plástico de colores le permite matizar el vacío.
Construcción con superficies desarrollables. Pevsner. Abstracción. Constructivismo soviético.
Proyección en el espacio. Pevsner. Constructivismo. Escultura abstracta
Para saber más de la obra de Pevsner, consulta el blog Ojo con el Arte: Homenaje a Antoine Pevsner (pincha)
Henry Moore (1898- 1986): Profundo interés por lo humano. Representa la unión de las formas artísticas con la naturaleza.
King and Queen. H Moore. Bronce
«Todo lo que yo necesitaba lo encontré en Picasso y en el Museo Británico». Moore
Las claves
Es el escultor británico más importante del siglo XX.
Destaca por su temática humanista. Principalmente mujeres, hijos y familias. Suelen ser grupos escultóricos.
Temática figurativa que evoluciona del realismo y primitivismo inicial, a la semifiguración y a la abstracción en su etapa final.
Composiciones donde las figuras aparecen tumbadas o recostadas.
Predominio de las líneas curvas (formas cóncavas y convexas), cerradas, sin aristas, sinuosas, tridimensionales.
Equilibrio entre la masa y el vacío.
En las obras predomina el esquematismo, la simplificación a lo esencial y la geometrización.
Representa el hueco, el vacío de forma amable.
Esculpe obras monumentales, expuestas en espacios urbanos, abiertos de todo el mundo.
Domina el mármol y el bronce a la cera fundida, trabaja las superficies logrando gran plasticidad.
Es uno de los grandes maestros de la escultura biomórfica, la abstracción biomórfica.
Influirá en la escultura figurativa de la 2ª mitad del siglo XX.
En él influyeron: el arte primitivo, los clásicos, el Renacimiento, Miguel Ángel, Rodin, las vanguardias (Cubismo, Picasso, Brancusi, Surrealismo, Constructivismo ruso; etc). La naturaleza con sus formas ondulantes y orgánicas.
DETALLES
Figura reclinada, 1938, piedra, semiabstracta, H. Moore
Comentar la evolución escultórica europea, especialmente relevante en las obras de Henry Moore, Antoine Pevsner y Naum Gabo.
Analizar las claves narrativas del género del «suspense», especialmente en la filmografía de Alfred Hitchcock.
Describir las claves de la comedia ácida o amarga, comentando, entre otras posibles, las películas: «To be or not to be” Ernst Lubitsch y «El gran dictador» Charlie Chaplin.
CONTEXTO HISTÓRICO
La vía de tren conduce al campo nazi de Auschwitz. / EFE / DAREK DELMANOWICZ
La Segunda Guerra Mundial (1941-1945) marcó un antes y un después en las conciencias del siglo XX. Antes de la guerra hablamos de una Europa de las vanguardias. Durante la primera mitad del siglo XX, surgieron numerosas corrientes artísticas que deseaban renovar y transformar la visión del arte tradicional y arcaica, que había persistido a lo largo de los siglos.
La llegada al poder de los fascismos en el periodo de Entreguerras rompió con este proceso creativo. Los artistas fueron rechazados por los totalitarismos, consideran sus obras como un arte poco patriótico. Los artistas tildados como degenerados sufrieron sanciones. El Tercer Reich lo definía como “productos enfermos de locura”. Nombres conocidos como Marc Chagall, Edvard Munch, Emil Nolde, e incluso Pablo Picasso estaban bajo esa etiqueta.
El fin del conflicto supuso que salieran a la luz los horrores de la guerra. Europa quedó desolada, murieron millones de personas y no solo en el campo de batalla. La existencia de los campos de concentración fue la muestra de uno de los exterminios más despiadados que se recuerda. La sucesión de imágenes, fotografías y documentales mostraban la crudeza del conflicto, e inspiró a algunos artistas. Destacamos por ejemplo el conocido Osario de Picasso, 1945 en referencia a los campos de concentración.
La II Guerra Mundial tuvo un impacto brutal en intelectuales, artistas y filósofos. La persecución nazi a los artistas fue sistemática, sobretodo desde la ocupación de Francia en 1945, provocando el desmantelamiento de las vanguardias y que la mayor parte de los artistas huyeran, muchos de ellos a EEUU. Como consecuencia de esta situación:
El epicentro de innovación artística se desplaza desde la capital francesa hasta Estados Unidos que consolida su papel primordial en la modernidad mundial, frente a la desolación europea.
El rechazo de régimen nazi provocó la emigración de grandes artistas europeos al nuevo continente, algunos para salvar su vida.
En pintura y escultura se consolida la abstracción como modo de expresión artística, surge el expresionismo abstracto desarrollado en Estados Unidos a partir de artistas como J. Pollock y su Action Painting, Kooning o Mark Rothko.
Aparece una nueva arquitectura que rompe con las tradiciones occidentales, y con cierto compromiso social.
Podemos concluir sobre la incidencia de la II Guerra Mundial en el arte:
Pollock. Expresionismo abstracto. 1940
En primer lugar, el triunfo de un arte nuevo que se asocia con la modernidad y el progreso. El expresionismo abstracto, como una nueva forma de expresión alejada del mundo convencional, y que muy pronto tuvo que hace frente a las manifestaciones para la grandes masas.
Y por último que la reflexión sobre los horrores de la guerra ocasionó multitud de reacciones y gran variedad de manifestaciones artísticas.
Entrada elaborada por la alumna Marina Sánchez Font de 2º Bachillerato de Artes Escénicas.
Sir Alfred Joseph Hitchcock (Londres, 13 de agosto de 1899- Los Ángeles, 29 de abril de 1980) fue director de cine y productor británico. Pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense y el thriller psicológico de actualidad; y uno de los más influyentes directores de la historia del cine.
Nació en el East End londinense, al final de la era victoriana, hijo menor de un comerciante y una devota ama de casa de ascendencia irlandesa. Educado por jesuitas, siempre fue un ávido lector, admirador de Oscar Wilde y G.K. Chesterton. Estudió ingeniería y se convirtió en dibujante industrial.
El hombre que sabía demasiado, 1934. Hitchcock
En 1920 obtuvo su primer trabajo en el cine, como diseñador e ilustrador de los paneles donde aparecían los títulos de las películas y los créditos, así como de los escenarios. En 1923, un director cayó súbitamente enfermo. Hitchcock lo sustituyó y terminó la cinta, y a partir de allí inició su labor como realizador.
Filmó cerca de 25 largometrajes en Inglaterra, entre ellos los muy estimables El hombre que sabía demasiado (primera versión, de 1934) y Los 39 escalones (1935).
Rebeca, 1940. Hitchcock. Cine de suspense.
En 1940, David O. Selznick, productor estadounidense, lo llevó a Hollywood para dirigir Rebeca, con Laurence Olivier y Joan Fontaine. El gran éxito del filme, ganador del único Oscar a mejor película en la carrera de Hitchcock, cimentó la reputación del director, aunque la verdadera fama llegaría tres años más tarde con La sombra de una duda.
Los Pájaros, 1963. Hitchcock. Cine de suspense
Sus obras cumbres fueron: Psicosis, La Soga, Frenzy, Rebeca, Los pájaros, Crimen perfecto, Extraños en un tren, Recuerda, La Ventana indiscreta, Encadenados, Con la muerte en los talones. Vértigo. Enlace a fotogramas y trailers de las películas en el blog cultura colectiva. com (pincha)
La Ventana Indiscreta, 1954, Hitchcock
LAS CLAVES DEL CINE DE HITCHOOCK
¿Por qué atrapa el interés del espectador y lo mantiene en tensión?
El cine es un espectáculo y el público es el destinatario
Los argumentos, siempre simples.
El sonido puede ser tan importante como la imagen: Hitchcock fue uno de los primeros en utilizar sonidos y música como recurso para introducir un elemento emocional o incluso informativo en una escena, o para introducir a personajes a los que no vemos en pantalla. Un ejemplo célebre sucede en Los pájaros, cuando los protagonistas están encerrados en una casa y sabemos que están rodeados por las aves, pero lo sabemos únicamente porque las escuchamos haciendo ruido en el exterior.
Otro ejemplo sería la escena de la ducha de Psicosis. Donde no solo influye la chirriante música, sino también el sonido de las puñaladas en el cuerpo de la chica. Hemos de mencionar que al principio esta secuencia no iba a tener música. Hitchcock no quería y se enzarzó en una discusión con el compositor Bernard Herrmann, que finalmente este último acabó ganando.
El peligro sucede en lugares insospechados.
El villano puede parecer perfectamente bueno.
No existen los héroes por naturaleza.
Una película es como un videojuego: Y eso que cuando Hitchcock murió los videojuegos modernos ni siquiera existían. Pero su uso de la cámara es muy similar al que podemos ver en diversos videojuegos, donde el jugador ve la acción en primera persona y a través de los ojos de su personaje. Fue uno de los principales desarrolladores de las técnicas de cámara subjetiva.
Los encuadres tienen un significado emocional: Pensaba en afectar al público pulsando sus emociones primarias —miedo, curiosidad, etc.— y no recurriendo a la emoción estética. Y para pulsar esas emociones básicas creía ciegamente en que se necesitaba utilizar un tipo de plano para cada situación emocional concreta. Así, los momentos de clímax emocional están caracterizados por encuadres inusuales (verticales, oblicuos, deformados, etc.) planeados para causar la desazón visual del espectador, o bien por planos muy cercanos para involucrar al espectador en la acción. (La muerte de una mujer en Topaz, cuando su vestido se derrama en poética metáfora de la sangre).
En cambio, los momentos tranquilos se caracterizan por planos mucho más horizontales y «bien» encuadrados, donde la cámara toma más distancia de la acción y donde la imagen es mucho más convencional, permitiendo que el espectador se relaje en su butaca al no percibir nada anormal.
El color también es un lenguaje: Hitchcock usaba los colores para establecer el tono emocional de una secuencia, pero también para centrar la atención sobre determinados objetos o personajes. El ejemplo más famoso sucede en Vértigo: durante la primera parte de la película están completamente ausentes de la pantalla dos colores básicos como el rojo y el verde. Aunque el espectador no lo sabe, su percepción subconsciente sí nota una falta de equilibrio cromático y eso crea una cierta desazón visual en el público, en consonancia con la desazón que siente el protagonista a causa de su soledad. El espectador, aunque inconscientemente y sin darse cuenta, busca los colores que están ausentes y no los encuentra. Sin embargo, cuando aparece por primera vez Kim Novak —objeto de la obsesión de James Stewart— lo hace vestida de verde y sentada junto a una pared de intenso color rojo. Esa repentina visión satisface tanto al protagonista, que encuentra el objeto de su obsesión, como al propio público, que se siente aliviado al ver por fin esos colores en pantalla.
Dios no juega a los dados: Hitchcock utiliza la casualidad o la mala suerte para poner al espectador al borde de su butaca, ya que vemos al protagonista en peligro pero sumido en una inoportuna situación cotidiana —que nada tiene que ver con la amenaza principal— de la que resulta difícil salir y que le está impidiendo conseguir aquello que necesita. En las películas de Hitchcock hay casi siempre una especie de dios malicioso que se encarga de gastarles bromas a los personajes, y cuanto más delicada la situación del personaje, más bromas de este tipo le gasta.
La importancia del contraste emocional: Para acentuar los momentos de clímax, afirmaba, se necesitaban secuencias que ejercieran como contraste humorístico. Algunas de sus películas comenzaban con un registro ligero y esa ligereza podía aparecer después en cualquier momento del metraje, de la manera más inesperada, y en ocasiones incluso introduciendo detalles irónicos en mitad de los momentos de acción más intensa.
El montaje es el principal arma del director
El director es el gran protagonista: Los cameos
El espectador debe tener más respuestas que preguntas:
La gente que miraba la pantalla debía tener mucha información, debía conocer aquello que podía sucederles a los protagonistas del film y debía saber dónde, cuándo y cómo acechaba el peligro. De lo contrario, lo que se obtiene es el efecto «susto», que dura apenas unos segundos, y no el efecto suspense, que puede prolongarse casi tanto como el director quiera. Mantenía únicamente un misterio o unas pocas preguntas sin responder, los mínimos para que la historia funcionase, pero el resto de respuestas se las entregaba al espectador de antemano.
Los objetos no son muy distintos de los actores: Hitchcock no primaba a los actores por encima de los objetos. Objetos inanimados e intérpretes humanos, ambos eran material de idéntico valor narrativo para la cámara. Fue de los pioneros al respecto.
La mujer ha de responder a un patrón determinado: Hitchcock era frecuentemente acusado de misoginia dado que en sus películas los principales papeles femeninos muy a menudo se prestan a una interpretación bastante retorcida: Una mezcla de profunda fascinación con una vena sádica que al parecer también mostraba en la vida real, al menos en lo referente a su negro sentido del humor. En el cine de Hitchcock, las mujeres solían ser extremadamente pasivas y vulnerables. Cabe señalar la obsesión del director con las mujeres rubias y con un físico refinado y elegante. Según Hitchcock, mujeres como las de sus películas —refinadas, altivas— escondían su sexualidad bajo un velo de sofisticación, y él quería que el espectador descubriese esa sexualidad durante la película. Citando textualmente: «Quería mujeres con aspecto de maniquí, auténticas damas, que se convierten en verdaderas putas cuando ya están en la alcoba».
La primera película considerada dentro del género de Thriller fue el controvertido film “Psicosis” rodada en blanco y negro para aumentar el ambiente sombrío de la historia. Es una película pura, una obra maestra, en la que el espectador no sólo queda impactado por la historia y sus consecuencias, sino también, por la música, fotografía e interpretaciones. El ambiente utilizado en este film conlleva a que el espectador tenga momentos de tensión en los que no sabe qué sucederá, pero la banda sonora ayudan a que sepa en qué momentos la trama comenzara a tomar un giro imprescindible.
La época más brillante del cine norteamericano se extiende por las décadas de los 30, 40 y 50 del siglo XX. Se conoce con cine clásico o la Edad de Oro de Hollywood.
Es el periodo en el que se formaron los grandes industrias cinematográficas, los famosos estudios, el sistema de estudios (del inglés studio system), modelo de empresa que obtiene beneficios con el monopolio del entretenimiento.
Este sistema se basa en varios conceptos:
Tener estudios, guionistas, directores propios,
Realizar contratos de exclusividad a los actores- estrellas (hacen de su vida íntima un producto).
Especializarse en géneros: método de dividir las películas en grupos formados por aquellas que comparten similitudes entre sí.
Controlar toda la cadena comercial del film: la producción, la distribución y la exhibición en las salas.
Los estudios más importantes fueron: Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer, 20th Century Fox, Warner Bros y Disney como estudio especializado en la animación.
Pertenecen al cine clásico norteamericano
Películas como: Lo que el viento se llevó, La diligencia, Ninotchka, Medianoche. Casablanca, Ciudadano Keyne ¡Qué bello es vivir!, King Kong, Blancanieves y los siete enanitos.
Estrellas como: Katharine Hepburn, Audrey Hepburn, Ingrid Bergman, Marilyn Monroe, Lauren Bacal, Humphrey Bogart, Paul Newman, Elizabeth Taylor, Jon Wayne, Montgomery Clift, etc
Directores: John Ford, Orson Welles, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Lubitsch , Frank Capra, Michael Curtiz, etc.
La importancia para el cine de la obra creativa de Walt Disney.
Walter Disney fue artista, empresario, dibujante, animador, director, guionista y productor; está considerado como la figura esencial del cine de animación del siglo XX. Creó un imperio empresarial cinematográfico.
Nació en 1901 en Chicago (Illinois) en el seno de una familia de origen europeo. Estudió poco. Representa el ideal americano de hombre hecho a si mismo que triunfa gracias a su inteligencia y esfuerzo. La granja de sus abuelos en la que pasó largas temporadas en su infancia y la experiencia en la 1ª Guerra Mundial, marcaron su carácter. Disney era un enamorado de la cultura europea (su madre cada noche le contaba cuentos clásicos europeos), viajó a lo largo de su vida en numerosas ocasiones a este continente. Se rodeó de los mejores equipos de dibujantes, realizadores, técnicos, artistas, etc. muchos de ellos de origen europeo.
Sus creaciones son iconos de la cultura popular del siglo XX, y somos muchas generaciones las que hemos disfrutado de ellas. Estudió becado en el Kansas City Art Institut junto con Ub Iwerks, un excelente dibujante de animación y figura clave en su vida.
El personaje que le lanzó al estrellato fue Mickey Mouse. Con Mickey comenzó a realizar dibujos animados y sincronizó la imagen con sonido.
Blancanieves y los siete enanitos (1937). Walt Disney.
Blancanieves y los siete enanitos (1937). Fue el primer largometraje musical de animación en lengua inglesa,el 1º en utilizar Technicolor y una de las más taquilleras de toda la historia. Las influencias de esta película son variadas: la historia de Shakespeare; Romeo y Julieta (1936); el cine expresionista alemán (Nosferatu, 1922; el Gabinete del Doctor Caligari, 1919). De estas últimas es evidente sobre toda la escena en la que Blancanieves huye por el bosque y la Reina se transforma en una bruja. También se inspiró para esta escena en Dr. Jekyll y Mr. Hyde del año 1931. En 1993, Blancanieves y los siete enanitos se convirtió en la primera película en ser enteramente digitalizada, restaurada y regrabada como film. Disney recibió ocho Oscars por esta película, uno del tamaño habitual y siete en miniatura. Destacados directores de cine como Sergei Eisenstein y Charles Chaplin alabaron la película. Eisenstein la consideró la mejor película de la historia.
Pinocho (1940). Walt Disney
Disney siguió produciendo dibujos animados cortos pero también exitosas películas como Pinocho (1940), Dumbo (1941), y Bambi (1942). En los años 50, obtuvo grandes éxitos con La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), o Peter Pan (1953). La dama y el vagabundo (1955), La bella durmiente (1959), y 101 Dálmatas (1961).
La bella durmiente (1959), Walt Disney.
Rodó películas como la Isla del Tesoro y la película musical Mary Poppins en 1954 donde mezcla figuras reales con animadas, es su obra maestra.
Las películas de Walt Disney se caracterizan por:
La influencia del Arte, literatura y cuentos clásicos, cultura y cine europeo. Fuente de inspiración para las tramas, los personajes, la estética, los fondos arquitectónicos o paisajísticos. De hecho, Disney contrataba a los mejores animadores y dibujantes que tuvieran un gran bagaje cultural de las distintas épocas y estilos artísticos. Sus artistas iban al cine, al teatro, visitaban museos y exposiciones buscando inspiración para las películas. Admiraba a las personas cultas.
Los estilos arquitectónicos europeos. Algunos edificios de las películas de animación de Disney son iconos de un estilo o de una época, como por ejemplo, el castillo medieval de la Bella Durmiente o el de Blancanieves y los siete Guardan muchas similitudes con el castillo neogótico Neuschwanstein de Luis II de Baviera (siglo XIX).
EL CASTILLO DE BLANCANIEVES ES EL ALCÁZAR DE SEGOVIA
Happy End. Un final feliz, aunque en algunas ellas haya hechos dramáticos como la muerte de la madre de Bambi.
Las películas Disney suelen ser films con mensajes positivos que apuestan por valores como la amistad, la naturaleza o hacer el bien a los demás.
Los recuerdos de la infancia contienen muchas de las claves de sus películas.
En ellas es habitual la antropomorfización y humanización de los animales y de las plantas, que hablan, bailan, cantan e interactúan con los seres
La pasión por la naturaleza le viene a Disney de sus recuerdos en la granja de Missouri donde vivió de pequeño.
Muchos de sus personajes utilizan guantes blancos: Mickey Mouse, Goofy, Peter Pete, Jiminy
APORTACIONES DE DISNEY AL CINE DE ANIMACIÓN
Las películas de Disney siempre han ido a la vanguardia en lo que se refiere a la tecnología del cine de animación. Algunos de sus hitos:
Interacción de actores reales con dibujos animados: Cortos conocidos como Alice Comedies (1923) o Mary Popins
Sincronización de imagen y sonido en animación. En 1928 Disney estrenó el revolucionario Steamboat Willie, primera película de animación con sonido protagonizada por Mickey Mouse
El primero en utilizar el Technicolor.
Hizo el primer largometraje. También en Blancanieves se presentó la cámara multiplano, realiza la primera película comercial, usó sonido estereofónico multicanal, fue el primero en usar a actores reales y compartir escena con dibujos animados.
Innovación en el uso de Xerografía:101 Dálmatas introdujo un nuevo proceso de Xerografía, para transferir dibujos directamente a celuloide, eliminando el proceso de
Animación por ordenador Tron es una película insólita, esencial para entender el cine de animación actual: con ella, John Lasseter comenzó a testear las posibilidades de un corto con fondos Fue despedido después de una reunión en la que intentó convencer a sus jefes de la conveniencia de producirlo. De ahí a Lucasfilm Computer Graphics y a Pixar desarrollaron la animación por ordenador con hitos como Toy Story, Monstruos SA o Cars. El círculo se completó cuando en abril de 2006, Disney compró Pixar y Lasseter pasó a ser director creativo de Pixar y Walt Disney Animation Studios. CAPS (Computer Animation Production System) CAPS era una colección de programas, sistemas de escaneado, servidores, ordenadores en red y estaciones de trabajo dedicadas que desarrollaron Disney y Pixar a finales de los ochenta. Este sistema eliminó la necesidad de celuloide, cámara multiplano y efectos especiales tradicionales, computarizando el proceso de entintado y coloreado, entre otros detalles de postproducción. Paradójicamente, el sistema solo se empleó en un plano de La Sirenita. La Sirenita supuso, así, la última película de la productora que incluyó en su metraje animación clásica en celuloide.
Evento a celebrar entre el 4 al 10 de marzo de 2019 en Sevilla que engloba diversas actividades relacionadas con la historia, el patrimonio, la cultura y la ciudadanía.
Figura reclinada. 1951. Moore. 
Fundamentos del Arte II 