8. La Segunda Guerra Mundial. Arte.

Contenidos.

Estándares de aprendizaje (10%)

  • Comenta la evolución escultórica europea, especialmente relevante en las obras de Henry Moore, Antoine Pevsner y Naum Gabo.
  • Analiza las claves narrativas del género del “suspense”, especialmente en la filmografía de Alfred Hitchcock.
  • Describe las claves de la comedia ácida o amarga, comentando, entre otras posibles, las películas: “To be or not to be” Ernst Lubitsch y “El gran dictador” Charlie Chaplin.

CONTEXTO HISTÓRICO

La vía de tren que conduce al campo nazi de Auschwitz. 
La vía de tren que conduce al campo nazi de Auschwitz.  / EFE / DAREK DELMANOWICZ

La Segunda Guerra Mundial (1941-1945) marcó un antes y un después en las conciencias del siglo XX. Antes de la guerra hablamos de una Europa de las vanguardias. Durante la primera mitad del siglo XX, surgieron numerosas corrientes artísticas que deseaban renovar y transformar la visión del arte tradicional y arcaica, que había persistido a lo largo de los siglos.

La llegada al poder de los fascismos en el periodo de Entreguerras rompió con este proceso creativo. Los artistas fueron  rechazados por los totalitarismos,  consideran sus obras  como un  arte poco patriótico. Los artistas tildados como degenerados sufrieron  sanciones. El Tercer Reich lo definía como “productos enfermos de locura”. Nombres conocidos como Marc Chagall, Edvard Munch, Emil Nolde, e incluso Pablo Picasso estaban bajo esa etiqueta.

Resultado de imagen de Europa bombardeada 2 gm

El fin del conflicto supuso que salieran a la luz los horrores de la guerra. Europa quedó desolada, murieron millones de personas y no solo en el campo de batalla. La existencia de los campos de concentración fue la muestra de uno de los exterminios más despiadados que se recuerda. La sucesión de imágenes, fotografías y documentales mostraban la crudeza del conflicto, e inspiró a algunos artistas. Destacamos por ejemplo el conocido Osario de Picasso, 1945 en referencia a los campos de concentración.

La II Guerra Mundial tuvo un impacto brutal en intelectuales, artistas y filósofos. La persecución nazi a los artistas fue sistemática, sobretodo desde la ocupación de Francia en 1945, provocando el desmantelamiento de las vanguardias y que la mayor parte de los artistas huyeran, muchos de ellos a EEUU. Como consecuencia de esta situación:

  • El epicentro de innovación artística se desplaza desde la capital francesa hasta Estados Unidos que consolida su papel primordial en la modernidad mundial, frente a  la desolación europea.
  • El rechazo de régimen nazi provocó la emigración de grandes artistas europeos al nuevo continente, algunos para salvar su vida.
  • En pintura y escultura se consolida la abstracción como modo de expresión artística, surge el expresionismo abstracto desarrollado en Estados Unidos a partir de artistas como J. Pollock y su Action Painting, Kooning o Mark Rothko.
  • Aparece una nueva arquitectura que rompe con las tradiciones occidentales, y con cierto compromiso social.

Podemos concluir sobre la incidencia de la II Guerra Mundial en el arte:

Resultado de imagen de LA segunda guerra mundial impacto artistico
Pollock. Expresionismo abstracto. 1940
  • En primer lugar, el triunfo de un arte nuevo que se asocia con la modernidad y el progreso. El expresionismo abstracto, como una nueva forma de expresión alejada del mundo convencional, y que muy pronto tuvo que hace frente a las manifestaciones para la grandes masas.
  • Y por último que la reflexión sobre los horrores de la guerra ocasionó multitud de reacciones y gran variedad de manifestaciones artísticas.

Análisis comparativo. Rodin -Moore por María Ruiz.

Resultado de imagen de burgueses de calais
Burgueses de Calais. Rodin
Imagen relacionada
Vertebrae. Henry Moore

El análisis comparativo de los dos grupos escultóricos lo ha realizado la alumna Clara Ruiz de 2º Bachillerato de Artes Escénicas del IES San Jerónimo, Sevilla. ENLACE.

Consulta los enlaces para realizar el comentario:

La comedia ácida. Ernst Lubitsch “To be or not to be”

To Be Or Not To Be (1942) de Ernst Lubitsch

 “To be or not to be” Ernst Lubitsch. Ser o no ser (1942) es, junto a El gran dictador (1940, Charles Chaplin), la parodia más divertida e inspirada que ha hecho el cine sobre Hitler y el nazismo.

Tuvo la valentía de abordar los conflictos de su tiempo desde el humor e ironizar sobre alguno de los rasgos más deleznables del ser humano. Todo eso sin perder de vista al público, confiando en su inteligencia y garantizando su disfrute.  Es una comedia sofisticada cuyo objetivo principal es la evasión y la sátira política.  Se desarrolla en un ambiente aristocrático, con un esmerado refinamiento estético, con diálogos brillantes, repleta de situaciones equívocas y todo tipo de confusiones que, a pesar de su cariz ingenuo o amable, destaca la hipocresía latente en la sociedad.

Argumento: En la Polonia ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de actores de teatro de recursos limitados realizan interpretaciones en las que ridiculizan a los nazis. Un espía les comunica una información, que de ser conocida por los nazis, resultaría muy perjudicial para Polonia. En vista de ello, el grupo decide movilizarse para evitar que esa información caiga en manos de los alemanes. En vez de la Gestapo, tendrá que ceder ante las presiones políticas y hacer, en su lugar, la representación del clásico de Shakespeare “Hamlet”.

El comienzo de la película es magistral: nos encontramos en Varsovia, capital de Polonia en Agosto de 1939. Una compañía teatral promociona una obra sobre el nazismo llamada “Gestapo” y uno de sus actores se pasea disfrazado de Hitler por las calles de Varsovia, sembrando el desconcierto en la población. Lubitsch utiliza la comedia no como un género ligero sino como un arma magistral y afilada contra el apogeo nazi. A través de la caricaturización del opresor, consigue desautorizar sus actos, su ideología. A pesar de las innumerables críticas que recibió por este enfoque, su atrevimiento es indudable y sólo el paso del tiempo le dio el lugar que merecía. En España, por ejemplo, no se estrenó hasta 1971, casi treinta años después de ser filmada.

Vídeos con alguno de los momentos más memorables.

  • El cinismo que emana del tratamiento del conflicto bélico contrasta con el humor blanco que empapa las relaciones entre los personajes.
  • Lo más curioso de Ser o no ser es donde reside la ironía.
  • Su obra se ha caracterizado por un modo irónico especial, el llamado «toque Lubitsch», que usaba no solo para saltarse la censura, sino también para complicar la trama, para divertirse, para hacer ambiguas las situaciones.
  • A parte del contexto político, esta película es un homenaje al teatro, a sus actores y a su vital labor de entretenimiento en un mundo que, en demasiadas ocasiones, sólo deja paso al horror.
  • Admiración  por Shakespeare –de gran influencia para Lubitsch–, en concreto ‘Hamlet’ y su célebre monólogo existencial, e intemporal.
  • Confusión entre realidad y ficción, entre la representación y la autenticidad.
  • Interpretación magistral de los actores.

La película, exhibida en su tiempo como propaganda anti-nazi, ataca con perspicacia y sutileza a todo tipo de totalitarismo ideológico y político. Sobrepasando el mero calificativo de producto propagandístico coyuntural y permaneciendo como uno de los mejores ejemplos de comedia (fresca, entretenida, ágil, chispeante, corrosiva, repleta de brillantes diálogos…) que jamás se hayan realizado en la historia del séptimo arte.

La comedia ácida. El Gran Dictador. Charles Chaplin

El Gran Dictador, 1940 de Charles Chaplin

Charles Chaplin  (16 de abril de 1889 – 25 de diciembre de 1977). Fue un actor, director, escritor, productor y compositor británico.  Con casi 90 películas de cine mudo y sonoro, ha llegado a convertirse en la figura más representativa del cine mudo. Adquirió fama mundial y es considerado como uno de los grandes genios de la historia del cine. En su obra abundan imágenes clásicas tan conocidas como su propio personaje.

Imagen relacionada

LA COMEDIA ACIDA: “Desde cerca, la vida parece una tragedia; desde lejos, una comedia”. Parafraseando a Chaplin.

Lo que hace la comedia ácida es precisamente eso: Muestra una “realidad” relativamente trágica, sin esperanzas, sin ilusiones y la convierte en chiste, en motivo de risa. Satirizando sutilmente situaciones y personajes. En el caso de estas películas, la visión trágica de la trama se cierne en la situación político-social por la que atraviesan.

El humor de estos films se basa en situaciones incómodas. Se expresa libremente sobre las preferencias, los gustos, el aspecto físico de otras personas… La comedia ácida: mitad poética, mitad bufa, se caracteriza por el sarcasmo y la ironía constantes.

El Gran Dictador. Comedia dramática. 1940 con guion, dirección, producción y actuación de Charles Chaplin. 

Resultado de imagen de el gran dictador fotogramas

El gran dictador ( The Great Dictator) es una película estadounidense de 1940 escrita, dirigida y protagonizada por el británico Charles Chaplin. Es una sátira cómica de Hitler y una contundente denuncia pública sobre el Holocausto de los judíos. Primer largometraje anti-nazi de la historia. En el momento de su estreno, Estados Unidos todavía estaba en paz con la Alemania nazi, pero la película ya era una feroz y controvertida condena contra el nazismo, el fascismo, el antisemitismo y las dictaduras en general.

Sinopsis. Un humilde barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la Primera Guerra Mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnésico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada, y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de la situación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar una ofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo.

El Gran Dictador. Foto.

En la película, Chaplin define a los nazis como “hombres-máquinas, con cerebros y corazones de máquinas”. Chaplin interpreta dos papeles, el del dictador Adenoid Hynkel (clara parodia de Adolf Hitler) y el del barbero judío. Este último guarda muchas similitudes con el personaje más famoso de Chaplin, el vagabundo Charlot. Aunque no se especifica si se trata de él o no, generalmente se considera que en esta película se produce la última aparición de Charlot.

El Gran Dictador. El barbero judío.

Chaplin era el único cineasta en Hollywood que seguía realizando películas mudas cuando el sonido ya estaba plenamente implantado en el cine, y esta fue su primera película sonora y la de mayor éxito.

El largometraje recibió cinco nominaciones en la 13.ª edición de los Premios Óscar, sin embargo no ganó ninguno. Esta película no se estrenó en España por la censura hasta 1975 cuando Franco murió.

Osadísimo proyecto artístico-político; el Presidente Roosevelt contactó con Chaplin para motivarlo por la oposición de la industria cinematográfica a su propuesta. Chaplin, quien fuera la leyenda del cine mudo, realiza uno de los discursos más memorables de la historia del cine, un manifiesto humanista en su máxima expresión.

Cine de suspense. Alfred Hitchock

Imagen relacionada

Entrada elaborada por la alumna Marina Sánchez Font de 2º Bachillerato de Artes Escénicas.

Sir Alfred Joseph Hitchcock (Londres, 13 de agosto de 1899- Los Ángeles, 29 de abril de 1980) fue  director de cine y productor británico. Pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del suspense y el thriller psicológico de actualidad; y uno de los más influyentes directores de la historia del cine.

Nació  en el East End londinense, al final de la era victoriana, hijo menor de un comerciante y una devota ama de casa de ascendencia irlandesa. Educado por jesuitas, siempre fue un ávido lector, admirador de Oscar Wilde y G.K. Chesterton. Estudió ingeniería y se convirtió en dibujante industrial.

Man Who Knew Too Much
El hombre que sabía demasiado, 1934. Hitchcock

En 1920 obtuvo su primer trabajo en el cine, como diseñador e ilustrador de los paneles donde aparecían los títulos de las películas y los créditos, así como de los escenarios. En 1923, un director cayó súbitamente enfermo. Hitchcock lo sustituyó y terminó la cinta, y a partir de allí inició su labor como realizador.

Filmó cerca de 25 largometrajes en Inglaterra, entre ellos los muy estimables El hombre que sabía demasiado (primera versión, de 1934) y Los 39 escalones (1935).

Rebecca2
Rebeca, 1940. Hitchcock

En  1940, David O.   Selznick, productor estadounidense, lo llevó a Hollywood para dirigir Rebeca, con Laurence Olivier y Joan Fontaine. El gran éxito del filme, ganador del único Oscar a mejor película en la carrera de Hitchcock, cimentó  la reputación del director, aunque la verdadera fama llegaría tres años más tarde con La sombra de una duda.

the bird
Los Pájaros, 1963. Hitchcock

Sus obras cumbres fueron: Psicosis, La Soga, Frenzy, Rebeca, Los pájaros, Crimen perfecto, Extraños en un tren, Recuerda, La Ventana indiscreta, Encadenados, Con la muerte en los talones. Vértigo. Enlace a fotogramas y trailers de las películas en el blog cultura colectiva. com (pincha)

RearWindow1
La Ventana Indiscreta, 1954, Hitchcock

LAS CLAVES DEL CINE DE HITCHOOCK

¿Por qué atrapa el interés del espectador y lo mantiene en tensión?

  • El cine es un espectáculo y el público es el destinatario
  • Los argumentos, siempre simples
  • El sonido puede ser tan importante como la imagen: Hitchcock fue uno de los primeros en utilizar sonidos y música como recurso para introducir un elemento emocional o incluso informativo en una escena, o para introducir a personajes a los que no vemos en pantalla. Un ejemplo célebre sucede en Los pájaros, cuando los protagonistas están encerrados en una casa y sabemos que están rodeados por las aves, pero lo sabemos únicamente porque las escuchamos haciendo ruido en el exterior.

Otro ejemplo sería la escena de la ducha de Psicosis. Donde no solo influye la chirriante música, sino también el sonido de las puñaladas en el cuerpo de la chica. Hemos de mencionar que al principio esta secuencia no iba a tener música. Hitchcock no quería y se enzarzó en una discusión con el compositor Bernard Herrmann, que finalmente este último acabó ganando.

  • El peligro sucede en lugares insospechados.
  • El villano puede parecer perfectamente bueno.
  • No existen los héroes por naturaleza.
  • Una película es como un videojuego: Y eso que cuando Hitchcock murió los videojuegos modernos ni siquiera existían. Pero su uso de la cámara es muy similar al que podemos ver en diversos videojuegos, donde el jugador ve la acción en primera persona y a través de los ojos de su personaje. Fue uno de los principales desarrolladores de las técnicas de cámara subjetiva.
  • Los encuadres tienen un significado emocional: Pensaba en afectar al público pulsando sus emociones primarias —miedo, curiosidad, etc.— y no recurriendo a la emoción estética. Y para pulsar esas emociones básicas creía ciegamente en que se necesitaba utilizar un tipo de plano para cada situación emocional concreta. Así, los momentos de clímax emocional están caracterizados por encuadres inusuales (verticales, oblicuos, deformados, etc.) planeados para causar la desazón visual del espectador, o bien por planos muy cercanos para involucrar al espectador en la acción. (La muerte de una mujer en Topaz, cuando su vestido se derrama en poética metáfora de la sangre).

En cambio, los momentos tranquilos se caracterizan por planos mucho más horizontales y «bien» encuadrados, donde la cámara toma más distancia de la acción y donde la imagen es mucho más convencional, permitiendo que el espectador se relaje en su butaca al no percibir nada anormal.

  • El color también es un lenguaje: Hitchcock usaba los colores para establecer el tono emocional de una secuencia, pero también para centrar la atención sobre determinados objetos o personajes. El ejemplo más famoso sucede en Vértigo: durante la primera parte de la película están completamente ausentes de la pantalla dos colores básicos como el rojo y el verde. Aunque el espectador no lo sabe, su percepción subconsciente sí nota una falta de equilibrio cromático y eso crea una cierta desazón visual en el público, en consonancia con la desazón que siente el protagonista a causa de su soledad. El espectador, aunque inconscientemente y sin darse cuenta, busca los colores que están ausentes y no los encuentra. Sin embargo, cuando aparece por primera vez Kim Novak —objeto de la obsesión de James Stewart— lo hace vestida de verde y sentada junto a una pared de intenso color rojo. Esa repentina visión satisface tanto al protagonista, que encuentra el objeto de su obsesión, como al propio público, que se siente aliviado al ver por fin esos colores en pantalla.
  • Dios no juega a los dados: Hitchcock utiliza la casualidad o la mala suerte para poner al espectador al borde de su butaca, ya que vemos al protagonista en peligro pero sumido en una inoportuna situación cotidiana —que nada tiene que ver con la amenaza principal— de la que resulta difícil salir y que le está impidiendo conseguir aquello que necesita. En las películas de Hitchcock hay casi siempre una especie de dios malicioso que se encarga de gastarles bromas a los personajes, y cuanto más delicada la situación del personaje, más bromas de este tipo le gasta.
  • La importancia del contraste emocional: Para acentuar los momentos de clímax, afirmaba, se necesitaban secuencias que ejercieran como contraste humorístico. Algunas de sus películas comenzaban con un registro ligero y esa ligereza podía aparecer después en cualquier momento del metraje, de la manera más inesperada, y en ocasiones incluso introduciendo detalles irónicos en mitad de los momentos de acción más intensa.
  • El montaje es el principal arma del director
  • El director es el gran protagonista: Los cameos
  • El espectador debe tener más respuestas que preguntas:

La gente que miraba la pantalla debía tener mucha información, debía conocer aquello que podía sucederles a los protagonistas del film y debía saber dónde, cuándo y cómo acechaba el peligro. De lo contrario, lo que se obtiene es el efecto «susto», que dura apenas unos segundos, y no el efecto suspense, que puede prolongarse casi tanto como el director quiera. Mantenía únicamente un misterio o unas pocas preguntas sin responder, los mínimos para que la historia funcionase, pero el resto de respuestas se las entregaba al espectador de antemano.

Imagen relacionada
  • Los objetos no son muy distintos de los actores: Hitchcock no primaba a los actores por encima de los objetos. Objetos inanimados e intérpretes humanos, ambos eran material de idéntico valor narrativo para la cámara. Fue de los pioneros al respecto.
Resultado de imagen de las mujeres en peliculas de hitchcock
  • La mujer ha de responder a un patrón determinado: Hitchcock era frecuentemente acusado de misoginia dado que en sus películas los principales papeles femeninos muy a menudo se prestan a una interpretación bastante retorcida: Una mezcla de profunda fascinación con una vena sádica que al parecer también mostraba en la vida real, al menos en lo referente a su negro sentido del humor. En el cine de Hitchcock, las mujeres solían ser extremadamente pasivas y vulnerables. Cabe señalar la obsesión del director con las mujeres rubias y con un físico refinado y elegante. Según Hitchcock, mujeres como las de sus películas —refinadas, altivas— escondían su sexualidad bajo un velo de sofisticación, y él quería que el espectador descubriese esa sexualidad durante la película. Citando textualmente: «Quería mujeres con aspecto de maniquí, auténticas damas, que se convierten en verdaderas putas cuando ya están en la alcoba».

http://micine-halbert.blogspot.com.es/2012/07/foto-acertijo-rubias-hitchcockianas-x-9.html

PSICOSIS

Resultado de imagen de psicosis ducha
Escena ducha. Psicosis. A. Hitchock

La primera película considerada dentro del género de Thriller fue el controvertido film “Psicosis” rodada en blanco y negro para aumentar el ambiente sombrío de la historia. Es una película pura, una obra maestra, en la que el espectador no sólo queda impactado por la historia y sus consecuencias, sino también,  por la música, fotografía e interpretaciones. El ambiente utilizado en este film conlleva a que el espectador tenga momentos de tensión en los que no sabe qué sucederá, pero la banda sonora ayudan a que sepa en qué momentos la trama comenzara a tomar un giro imprescindible.

Cine clásico norteamericano

Resultado de imagen de cine clasico de hollywood

La época más brillante del cine norteamericano se extiende por las décadas de los 30, 40 y 50 del siglo XX. Se conoce con cine clásico o la Edad de Oro de Hollywood.

Es el periodo en el que se formaron los grandes industrias cinematográficas, los famosos estudios, el sistema de estudios (del inglés studio system), modelo de empresa que obtiene beneficios con el monopolio del entretenimiento.

Resultado de imagen de peliculas de paul newman

Este sistema se basa en varios conceptos:

  • Tener estudios, guionistas, directores propios,
  • Realizar contratos de exclusividad a los actores- estrellas (hacen de su vida íntima un producto).
  • Especializarse en géneros: método de dividir las películas en grupos formados por aquellas que comparten similitudes entre sí.
  • Controlar toda la cadena comercial del film: la producción, la distribución y la exhibición en las salas.

Resultado de imagen de cine clasico de hollywood

Los estudios más importantes fueron: Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer, 20th Century Fox, Warner Bros y Disney como estudio especializado en la animación.

Pertenecen al cine clásico norteamericano

  • Películas como: Lo que el viento se llevó, La diligencia, Ninotchka,  Medianoche.  Casablanca, Ciudadano Keyne ¡Qué bello es vivir!,  King Kong,  Blancanieves y los siete enanitos.
  • Estrellas como: Katharine Hepburn, Audrey Hepburn, Ingrid Bergman, Marilyn Monroe, Lauren Bacal,  Humphrey Bogart,  Paul Newman, Elizabeth Taylor, Jon Wayne, Montgomery Clift, etc
  • Directores: John Ford, Orson Welles, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Lubitsch , Frank Capra, Michael Curtiz, etc.

Resultado de imagen de fotogramas hitchcock

De esta época estudiamos

8. Antoine Pevsner. Constructivismo abstracto. La vanguardia Soviética

Imagen relacionada
Construcción oval. Pevsner. Constructivismo

 Los hermanos Pevsner, Antoine y Gabo, son  los artistas más representativos del Constructivismo ruso, de la escultura abstracta y de las vanguardias soviéticas.

Antoine Pevsner destaca por la utilización de nuevos materiales industriales (vidrio, plexiglás, metal, cemento, plásticos, etc.). De los materiales tradicionales sólo utiliza el bronce pero con un tratamiento nuevo. Introduce el color como en su obra Fuente

Fuente. Plástico coloreado. Pevsner. Escultura abstracta. Constructivismo ruso
  • Abandona la figuración, representa esculturas abstractas, llenas de dinamismo, donde el vacío ocupa un lugar principal en su investigación.
  • Son esculturas científicas, basadas en estudios  matemáticos y geométricos.
  • Su finalidad principal es  esculpir el espacio, el vacío, no solo con las formas sino también con materiales translucidos, con la simplicidad de las líneas.
  • Las formas helicoidales aparecen en muchas de las obras.
       Imagen relacionada
El mundo. Pevsner. Constructivismo
Resultado de imagen de pevsner obras
Construcción con superficie desarrollable. Pevsner. Constructivismo

    Resultado de imagen de la fuente de pevsner                             Columna de la paz. Pevsner. Abstracción

Para saber más de la obra de Pevsner, consulta el blog Ojo con el Arte: Homenaje a Antoine Pevsner (pincha)

Henry Moore. Escultura Biomórfica y humanista

 

Resultado de imagen de henry moore
Henry Moore. Escultor

Henry Moore (1898- 1986):  Profundo interés por lo humano.   Representa la unión de las formas artísticas con la naturaleza.

Resultado de imagen de king and queen henry moore
King and Queen. H Moore. Bronce

“Todo lo que yo necesitaba lo encontré en Picasso y en el Museo Británico”. Moore

Las claves

  • Es el escultor británico más importante del siglo XX.
  •  Destaca por su temática humanista. Principalmente mujeres, hijos y familias. Suelen ser grupos escultóricos.
  • Temática figurativa que evoluciona del realismo y  primitivismo inicial, a la semifiguración y  a la abstracción en su etapa final.
  • Composiciones donde las figuras aparecen tumbadas o recostadas.
  • Predominio de las líneas curvas (formas cóncavas y convexas), cerradas, sin aristas, sinuosas, tridimensionales.
  • Equilibrio entre la masa y el vacío.
  • Representa el hueco, el vacío de forma amable.
  • Esculpe obras monumentales, expuestas en espacios urbanos, abiertos de todo el mundo.
  • Domina el mármol y el  bronce a la cera fundida, trabaja las superficies logrando gran plasticidad.
  • Se inspira en las formas de la naturaleza, es uno de los grandes maestros de la escultura biomórfica,  la abstracción biomórfica.
  • Influirá en la escultura figurativa de la 2ª mitad del siglo XX.
  • En él influyeron: el arte primitivo, los clásicos, el Renacimiento,  Miguel Ángel, Rodin y Picasso.

DETALLES

Resultado de imagen de king and queen henry moore
Imagen relacionada

 

Actividad. Lee el artículo de El País y resumen al paralelismo entre Rodin y Moore (pincha)

Resultado de imagen de henry moore esculturas biomorficas
Influencia de Picasso en H Moore. Monumentalidad. En ambos Miguel Ángel

Imagen relacionada
Influencia de Picasso y de las formas de la naturaleza. H Moore

EVOLUCIÓN

Resultado de imagen de henry moore obras
Mujer reclinada. H Moore, Influencia arte primitivo y azteca

Resultado de imagen de henry moore obras 1940

Imagen relacionada

Imagen relacionada

Resultado de imagen de henry moore obras

Resultado de imagen de henry moore obras 1940

Resultado de imagen de henry moore obras 1940

Madre e hijo. 1946. Henry Moore

Escultura 'Double Oval' (1966), de Henry Moore.
Doble óvalo. 1966. Henry Moore

 

Imagen relacionada

El Cine animado de Walt Disney

Resultado de imagen de walt disney MICKEY MOUSE

La importancia para el cine de la obra creativa de Walt Disney.

Walter  Disney  fue  artista,  empresario, dibujante,   animador,   director,   guionista   y   productor;   está   considerado   como   la   figura   esencial del cine de animación del  siglo  XX. Creó un imperio empresarial cinematográfico. 

Nació  en  1901  en  Chicago  (Illinois) en el seno de una familia de origen europeo.  Estudió poco. Representa  el  ideal  americano  de  hombre  hecho  a  si  mismo  que  triunfa  gracias  a  su  inteligencia  y  esfuerzo.  La granja de sus abuelos en la que pasó largas temporadas en su infancia y la  experiencia   en   la   1ª Guerra Mundial,  marcaron    su  carácter.  Disney  era  un  enamorado  de  la  cultura  europea (su   madre  cada  noche  le  contaba  cuentos  clásicos  europeos),  viajó  a  lo  largo  de  su   vida  en  numerosas  ocasiones  a  este  continente. Se   rodeó de  los mejores  equipos  de  dibujantes,  realizadores, técnicos,   artistas, etc. muchos  de   ellos  de  origen  europeo.

 Sus   creaciones   son   iconos   de   la   cultura   popular   del   siglo   XX,   y   somos   muchas   generaciones   las   que   hemos   disfrutado  de  ellas.     Estudió  becado  en  el  Kansas  City  Art  Institut  junto  con  Ub  Iwerks,  un  excelente  dibujante  de  animación  y  figura   clave  en  su  vida.

Resultado de imagen de mickey tocando el piano

El personaje que le lanzó al estrellato fue Mickey  MouseCon Mickey comenzó a realizar dibujos animados y sincronizó  la  imagen  con  sonido.

Blancanieves  y  los  siete  enanitos  (1937). Fue el  primer  largometraje musical de  animación en lengua inglesa,   el 1º en utilizar Technicolor y una de las más taquilleras de toda la historia.  Las   influencias   de   esta   película   son   variadas:    la   historia   de   Shakespeare;  Romeo  y  Julieta  (1936);  el  cine  expresionista  alemán  (Nosferatu,  1922;  el  Gabinete  del  Doctor   Caligari,  1919).  De  estas  últimas  es  evidente  sobre  toda  la  escena  en  la  que  Blancanieves  huye  por  el  bosque  y  la   Reina  se  transforma  en  una  bruja.  También  se  inspiró  para  esta  escena  en  Dr.  Jekyll  y  Mr.  Hyde  del  año  1931.   En   1993,   Blancanieves   y   los   siete   enanitos   se   convirtió   en   la   primera   película   en   ser   enteramente   digitalizada,   restaurada  y  regrabada  como  film. Disney  recibió  ocho  Oscars  por  esta  película,  uno  del  tamaño  habitual  y  siete  en  miniatura.  Destacados  directores   de  cine  como  Sergei  Eisenstein  y  Charles  Chaplin  alabaron  la  película.  Eisenstein  la  consideró  la  mejor  película  de  la   historia.

Disney   siguió   produciendo   dibujos   animados   cortos   pero   también   exitosas   películas   como   Pinocho (1940),   Dumbo  (1941),  y  Bambi  (1942).  En   los   años   50,   obtuvo grandes   éxitos  con  La   Cenicienta   (1950),  Alicia  en  el  país  de  las  maravillas  (1951),  o  Peter  Pan  (1953).    La  dama  y  el  vagabundo  (1955),  La  bella  durmiente  (1959),  y  101  Dálmatas  (1961).

Rodó películas como la Isla del Tesoro y la película musical Mary Poppins en 1954 donde mezcla figuras reales con animadas, es su obra maestra.

Resultado de imagen de mary poppins

Las  películas  de  Walt  Disney  se  caracterizan  por:

  • La influencia del Arte, literatura y cuentos clásicos, cultura y cine europeo. Fuente de  inspiración  para  las  tramas,  los  personajes,  la  estética, los  fondos  arquitectónicos  o paisajísticos.   De   hecho,   Disney   contrataba   a   los   mejores   animadores   y   dibujantes   que   tuvieran   un   gran   bagaje  cultural  de  las  distintas  épocas  y  estilos  artísticos.  Sus  artistas  iban  al  cine,  al  teatro,  visitaban  museos  y   exposiciones  buscando  inspiración  para  las  películas.  Admiraba a las personas cultas.
  • Los estilos arquitectónicos europeos. Algunos edificios  de  las  películas  de  animación  de  Disney  son  iconos  de  un  estilo  o  de  una  época,  como  por   ejemplo,   el   castillo   medieval   de   la   Bella   Durmiente   o   el   de   Blancanieves   y   los   siete      Guardan   muchas similitudes  con  el  castillo  neogótico Neuschwanstein  de  Luis  II  de  Baviera  (siglo  XIX).

En el siguiente enlace encontrarás los lugares que inspiraron a las películas Disney.   http://www.culturaocio.com/cine/noticia-22-lugares-reales-inspiraron-peliculas-disney-20150118095414.html

Castillos y templos que inspiraron a Disney

EL CASTILLO DE BLANCANIEVES ES EL ALCÁZAR DE SEGOVIA

Castillos y templos que de verdad inspiraron a Disney
  • Happy End. Un  final  feliz,  aunque  en  algunas  ellas  haya  hechos  dramáticos  como  la  muerte  de  la   madre  de  Bambi.
  • Las películas  Disney  suelen  ser  films  con  mensajes  positivos  que  apuestan  por  valores  como  la   amistad,  la  naturaleza  o  hacer  el  bien  a  los  demás.
  • Los recuerdos de la infancia contienen  muchas  de las claves  de  sus  películas.
    • En  ellas  es  habitual  la  antropomorfización y humanización   de  los  animales  y  de  las  plantas,  que  hablan,  bailan,  cantan  e  interactúan  con  los  seres
    • La pasión por  la   naturaleza   le   viene   a   Disney   de   sus   recuerdos   en   la   granja   de   Missouri   donde   vivió   de   pequeño.
  • Muchos de  sus  personajes  utilizan  guantes  blancos:  Mickey  Mouse,  Goofy,  Peter  Pete,  Jiminy

 APORTACIONES  DE  DISNEY  AL  CINE  DE  ANIMACIÓN

Las  películas  de  Disney  siempre  han  ido  a  la  vanguardia  en  lo  que  se  refiere  a  la  tecnología  del  cine  de  animación.     Algunos  de  sus  hitos:

  • Interacción  de  actores  reales  con  dibujos  animados:   Cortos  conocidos  como  Alice  Comedies  (1923) o      Mary Popins
Imagen relacionada
  • Sincronización de  imagen  y  sonido  en  animación.   En   1928   Disney   estrenó   el   revolucionario   Steamboat   Willie,   primera   película   de   animación   con   sonido   protagonizada  por  Mickey  Mouse
  • El primero en utilizar el Technicolor.
  • Hizo el primer  largometraje.   También  en  Blancanieves  se  presentó  la  cámara  multiplano, realiza la primera  película  comercial, usó  sonido  estereofónico  multicanal, fue el primero en usar  a  actores  reales y  compartir  escena  con  dibujos  animados.
  • Innovación en  el  uso  de  Xerografía:   101  Dálmatas  introdujo  un  nuevo  proceso  de  Xerografía,  para  transferir  dibujos  directamente  a  celuloide,  eliminando  el  proceso  de
  • Animación por  ordenador   Tron  es  una  película  insólita,  esencial  para  entender  el   cine   de   animación   actual:   con   ella,   John   Lasseter   comenzó   a   testear   las   posibilidades   de   un   corto   con   fondos     Fue  despedido  después  de  una  reunión  en  la  que  intentó  convencer  a  sus  jefes  de  la  conveniencia  de   producirlo.  De  ahí  a  Lucasfilm  Computer  Graphics  y  a  Pixar  desarrollaron  la  animación  por  ordenador  con  hitos   como   Toy   Story,   Monstruos   SA   o   Cars.   El   círculo   se   completó   cuando   en   abril   de   2006,   Disney   compró   Pixar   y   Lasseter  pasó  a  ser  director  creativo  de  Pixar    y  Walt  Disney  Animation  Studios.   CAPS  (Computer  Animation  Production  System)   CAPS  era  una  colección  de  programas,  sistemas  de  escaneado,  servidores,  ordenadores  en  red  y  estaciones  de   trabajo  dedicadas  que  desarrollaron  Disney  y  Pixar  a  finales  de  los  ochenta.   Este   sistema   eliminó   la   necesidad   de   celuloide,   cámara   multiplano   y   efectos   especiales   tradicionales,   computarizando  el  proceso  de  entintado  y  coloreado,  entre  otros  detalles  de  postproducción.  Paradójicamente,   el  sistema  solo  se  empleó  en  un  plano  de  La  Sirenita.   La  Sirenita  supuso,  así,  la  última  película  de  la  productora  que  incluyó  en  su  metraje  animación  clásica  en  celuloide.
Imagen relacionada