Remedios Varo (1908-1963). Pintora Surrealista. Sus cuadros parecen novelas.

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Pintora hispanomejicana, casi desconocida en España, se exilió a México y allí llegó a la madurez creativa. Sus obras están llenas de magia, fantasía, de rasgos autobiográficos, de símbolos, alegorías que llevan a múltiples interpretaciones, tienen un fuerte poder narrativo; se formó en las vanguardias parisinas, recibió influencias de las miniaturas, el mundo clásico, el geometrismo, el psicoanálisis, El Bosco, el Greco, Goya, la cultura mejicana, etc. Donó sus obras al Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Murió muy joven, a los 54 años, en pleno éxito. Destaca el carácter narrativo, su actualidad.

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En los años diez del siglo pasado, una niña de ojos almendrados, de gato, y mirada inquisitiva admira con curiosidad un manuscrito miniado en el cual se relata la historia de la familia. Le fascina la época medieval, dicen, las visiones de Hildegarda de Bingen –la artista y erudita del siglo XI–, los dibujos de la pintora Ende del Beato de la catedral de Girona… Allí, en Anglés, nace Remedios Varo por casualidad el 16 de diciembre de 1908 –su padre, ingeniero, está destinado en Cataluña–. Sigue leyendo Remedios Varo, la moderna visionaria (reportaje en El País).

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Significado de las 5 obras más enigmáticas de Remedios Varo

Para ver sus obras https://culturacolectiva.com/letras/frases-de-remedios-varo/

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Mondrian-Dali. Análisis de Mª Ruiz

 

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New York City (1942). P. Mondrian
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Persistencia de la memoria. 1931. Dalí

 

 

 

 

 

 

 

Análisis realizado por María Ruiz, alumna de 2º Bachillerato de Artes del IES San Jerónimo. Sevilla

Son dos obras pictóricas realizadas con la técnica del óleo sobre tela la primera y sobre lienzo la de Dalí, pintadas en las primeras décadas del siglo XX. Pertenecen a las Vanguardias.

La primera, New York City, es una pintura  donde desaparece la figuración, característica típica del estilo Abstracto, pertenece al Neoplasticismo, es de Piet Mondrian, la realiza cuando se exilia en Estados Unidos.

La segunda, La Persistencia de la memoria, es una pintura figurativa donde aparecen relojes derretidos en un paisaje exterior, una playa. Pertenece al Surrealismo, concretamente al método onírico-paranoico, es de Salvador Dalí, uno de los pintores más representativos de este estilo. También se conoce como Relojes suaves. Es una de sus obras más emblemáticas y conocidas.

La principal diferencia es que una es abstracta y otra figurativa. Mondrian reduce todas las formas a sus elementos básicos: línea, color y forma, la obra es geometría pura. Mientras, Dalí se basa en símbolos y en el método crítico-paranóico que consiste en superponer objetos y figuras surrealistas, del mundo de los sueños sobre un espacio natural, posiblemente inspirado en la Costa Brava. Los relojes derretidos simbolizan el paso del tiempo.

Los dos dan mucha importancia a la línea y el color. Mondrian, para llegar a la pureza, crea una obra basada en las relaciones matemáticas entre línea y color, líneas que se cortan formando ángulos rectos. Dalí tiene un gran dominio del dibujo con líneas precisas y firmes. Es un gran dibujante. Mondrian no admite las líneas curvas y diagonales, Dalí sí.

Mondrian utiliza los colores primarios (rojo, azul y amarillo), que consideraba los colores elementales del universo, y los no-colores (blanco, que es una mezcla de todos los colores), en esta obra han desaparecido las líneas de color negro, por lo que podemos deducir que se pintó después de la 2ª Guerra Mundial cuando marcha a New York y traza las líneas con colores primarios para transmitir la alegría y el vitalismo que había en la ciudad, que en este periodo se convierte en el epicentro del mundo del arte. Todo el espacio que cortan las líneas es blanco y plano. Su obra queda reducida a colores, líneas, geometría, a cálculo matemático.

Dalí emplea una paleta suave, sin estridencias,  de colores complementarios y sugerentes creando un ambiente inquietante donde se mezcla realidad y  el mundo de los sueños.

La composición de Mondrian se basa en líneas verticales y horizontales que ordena los colores de forma yuxtapuesta, y consigue profundidad mediante la teoría de los colores. Por otro lado, La persistencia del tiempo, muestra una composición limpia y ordenada, logra una gran profundidad con perspectivas enormes que se acentúa a la derecha del lienzo con la línea rocosa de la playa y el escorzo de la especie de mesa de la izquierda.

A pesar de pertenecer a las primeras décadas del siglo XX y ser Vanguardistas, cada uno es de un estilo  y responden de manera muy diferente al difícil contexto histórico que les tocó vivir, el periodo de Entreguerras y las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial. Mondrian y Dalí marchan a Nueva York, allí alcanzan la fama, el primero exiliado, huyendo de los totalitarismos. Dalí nunca rechazó los fascismos (motivo por el que es expulsado del movimiento Surrealista) y volverá a España durante el Franquismo que le recibe con honores. Los dos van a Nueva York porque es en ese momento el centro donde se refugian los artistas y la ciudad moderna por excelencia.

Mondrian influido por el Cubismo de Picasso y Braque, funda el grupo holandés Stilj, el Neoplasticismo, corriente que pertenece al Arte Geométrico Abstracto. Reduce la pintura a color, forma y línea y no permite la diagonal. En su etapa Abstracta hay dos épocas, en la primera los colores primarios están separados por líneas negras como se observa en  obras como Tableau I, IV y Composición con rojo, amarillo y azul. Al estallar la 2ª Guerra Mundial, marcha a Estados Unidos, de sus obras desaparece el negro y las líneas se trazan con colores primarios, como en esta obra o en  Broadway Boogie- Woogie, transmitiendo mayor dinamismo y jovialidad.

A Dalí le influyen el arte clásico, el barroco y sobre todo  las teorías  del psicoanálisis de Freud. Se obsesiona con liberal el mundo de los sueños, momento en el que el subconsciente alcanza la libertad al relajarse la razón. Lo representa en sus cuadros a través del método Onírico Paranoico. Este lienzo está lleno de símbolos, tiene un gran dominio del dibujo y representa figuras imposibles y grandes perspectivas con enorme profundidad. En esta obra aparecen los relojes derretidos (objeto que se repetirá en otros cuadros) como símbolo del paso del tiempo y la relatividad de todo. El centro de la pintura podría ser una representación del propio Dalí. El artista era aficionado a los autorretratos. Justo debajo del reloj que yace en el suelo, una ceja, las pestañas, el bigote ralo y una nariz puntiaguda, nos muestran a Dalí. La obra transmite inquietud, soledad, la figura humana está ausente. Simula un paisaje poco acogedor, frío. Todo lo contrario ocurre con la obra de Mondrian donde los colores primarios transmiten optimismo y alegría.

Dalí es considerado junto a Picasso y Miró, uno de los pintores españoles más universales del Arte Contemporánea. Obras suyas son la joven de la ventana, el gran masturbador y Gala desnuda.

Pinta una gran cantidad de obras, tuvo éxito en vida, triunfó en Estados Unidos, lugar donde se crea la imagen de excéntrico.  Gran parte de su vida la paso junto a Gala, su musa, en Figueras y Cadaqués (Costa Brava) playas que aparece en sus obras. No sólo pintó también participó en el rodaje de un Perro Andaluz de Buñuel y colaboró con Hitchcock en Recuerda.

Los dos artistas vanguardistas, pertenecen a una época de experimentación, de búsqueda de nuevos caminos artísticos, nuevos lenguajes, en la que se da prioridad  al arte por el arte. Por eso estas obras pertenecen a dos estilos  que coinciden en el tiempo: Mondrian y el Neoplasticismo,  Dalí al Surrealismo. Las obras, los artistas y los estilos han influido y siguen influyendo en muchas áreas artísticas actuales.

 

 

Sophie Taeuber-Arp: del Dadaismo a la Abstracción

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Sophie Taeuber-Arp
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Tríptico, 1918. SophieTaeuber. Dadaismo

Nació en Davos, Suiza, el 19 de enero de 1889. Estudió Artes Aplicadas en Munich y  Hamburgo. Fue profesora de la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich. Artista polifacética: pintora, diseñadora, profesora, dibujante, excelente bailarina… Se casó con Jean Arp en1922. Muy respetada por el mundo de las vanguardias y una gran mujer-artista del periodo de entreguerras.

Los dos pertenecen al grupo fundacional del Dadaismo en Zúrich. Artista compleja, supo mediar y consensuar entre tendencias opuestas.

Sus obras se  caracteriza por las formas geométricas, la libertad, el respeto a la artesanía, por elaborar tapices que tanto influyeron en J Arp, marionetas,   evolución entre la figuración y la abstracción. Destacó como pintora abstracta cuando este movimiento estaba en sus inicios.

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Análisis Freudeliano. Marioneta. S. Taeuber

A los 54 años murió accidentalmente al inhalar los gases de una estufa con deficiente combustión, a modo de anécdota cabe añadir que su imagen es muy conocida ya que aparece en los billetes de 50 francos suizos desde 1995.

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Sophie Taeuber-Arp - Cadáver exquisito (con Oscar Dominguez y Marcel Jean)
Cadáver exquisito. Sophie Taeuber- Arp. Surrealismo

Dadaismo. Marcel Duchamp

 

Duchamp

MARCEL DUCHAMP

Desnudo bajando  la escalera. M Duchamp. Derecha
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El gran vidrio o Novia. Duchamp. 1915

La pieza consta de dos grandes hojas de vidrio separadas por una lámina de aluminio en la que ha utilizado elementos como embalajes, papel de aluminio, polvo… Según explica el propio autor la zona superior representa a una mujer que se está desnudando para incitar a sus amantes situados en la zona inferior

 

Detalle de L.H.O.O.Q., una de las Giocondas con bigote de Marcel Duchamp

L.H.O.O.Q.  en francés de Elle a chaud au cul, y que suele traducirse como “Ella está excitada sexualmente”. Es una de las versiones de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci que hizo en 1919, uno de los ready mades que le hicieron famoso.

La fuente
R. Mutt 1919, Fuente o Urinario. M Duchamp

Con el urinario, la fuente o R. Mutt 1919, demostró dos cosas: que cualquier objeto puede ser considerado arte, lo que se llamó readymade, y que el campo artístico necesitaba una revolución y un cambio en la mentalidad conservadora.

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Bottle Rack, 1914, Ready make. M. Ducha

 

 

 

Claves del cine Soviético. Eisenstein y la narrativa visual de El Acorazado Potemkim

Imagen relacionadaTras el triunfo de la Revolución Rusa de 1917. El gobierno soviético es consciente del poder de la imagen para adoctrinar políticamente al pueblo. Desde 1919 toda la producción cinematográfica rusa queda al servicio de los ideales de la revolución y bajo control  del Comisariado de la Cultura. Se convirtió en un elemento propagandístico. Uno delos grandes promotores es Kulechov.  Se trata de un cine experimental que crea  un  lenguaje basado en la foto fija, en la asociación de imágenes simbólicas para transmitir emociones e ideas (el efecto Kulechov). Ej.: mujer desnuda, plato de sopa y un cadáver frente a un rostro inexpressivo transmiten hambre, miseria, deseo y angustia.

Las claves

 

Sergei Eisenstein

Las claves:

  • Cine al servicio de la Revolución. Transmite ideales políticos.
  • El gran protagonista es el pueblo como colectivo. Desaparece el protagonista-individuo.
  • El cine se convierte en un recurso didáctico y propagandístico.
  • Refleja un realismo crudo,casi  documental.
  • Expresionismo simbólico.
  • La narración cinematográfica se estructura en actos.
  • Una lección de ritmo, fotografía y montaje.

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Sergei Eisenstein y El Acorazado Potemkin (1925)

El Acorazado Potemkin – 1925 (sub Español) Acceso a película.

Es una de las obras más perfectas de la historia del cine mundial y la obra maestra del director  Eisentein.

Eisenstein pasa su juventud en San Petersburgo. Allí conoció la vida intelectual de la corte e hizo estudios de Obras Públicas y Arquitectura. Le encantaban las Matemáticas. Siempre
dijo que le sirvieron para sintetizar, montar y expresar de manera exacta las ideas. Durante una época se dedicó al teatro pero pronto quiso rodar un ciclo sobre el movimiento obrero y la Revolución. Esta trilogía está formada por  La huelga, el acorazado Potemkin y Octubre. Después de su viaje a EEUU (del que vuelve decepcionado) rueda Alexander Nevski e Iván el Terrible.

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El Acorazado Potemkin fue un encargo del gobierno Soviético para conmemorar el aniversario de la Revolución de 1905: los actos acaecidos en el puerto de Odessa durante los días 12 a 17 de junio de ese año, que se convierten en el preludio de la Revolución de 1917. Con sólo 27 años, una filmación de varias semanas y un montaje de  doce días logra una película genial. Prohibida en algunos países de occidente por considerar que hacía apología de la Revolución.Imagen relacionada

La trama transcurre en 48 horas, tras una huelga de los trabajadores del puerto, la tripulación del acorazado se niega a comer la carne podrida del rancho y se levantan contra sus oficiales. El comandante ordena el fusilamiento de 10 de los protagonistas pero los suboficiales se niegan a acatar la orden y arrojan por la borda a los oficiales. Es la revolución contra el poder. El héroe, Vakulinchuk fallece. Su cadáver se coloca en el muelle y el pueblo comienza a desfilar ante su féretro. Los cosacos disparan contra el pueblo, es el momento culmen (la famosa escalera). Desde el buque se ataca al cuartel de los cosacos en defensa de la muchedumbre. Inmediatamente llegan los buques de guerra zarista pero los tripulantes se niegan a disparar contra el Potemkin. El acorazado sale del puerto lentamente y se pierde en la niebla densa hasta desaparecer.

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Algunos de los rasgos más característicos de este film son:

  • La ausencia de protagonistas individuales que sirvan para seguir todo el relato y la exaltación de los movimientos colectivos. Ello no significa que no haya individuos reconocibles (Vakulinchuk, el capitán, el pope,…) pero no articulan toda la narración .El protagonista es el pueblo. Aunque intervienen tres colectivos: los marinos del acorazado, la población de Odessa y los cosacos.
  • El uso de rótulos que, más que reflejar diálogos, exponen frases y mensajes que acentúan el sentido de la narración.
  • Estructura dividida en 5 actos (presentación/nudo y desenlace)
  1. Exposición (llegada del buque y presentación de los personajes)
  2. Drama del puente
  3. Desfile funeral en el muelle
  4. Masacre escalera de Odessa. Momento álgido del drama
  5. Salida del puerto.
  • Tema al servicio de los ideales políticos. El desarrollo de este episodio revolucionario es, en realidad, una metáfora de la Revolución Rusa con la representación de las clases que sostienen el zarismo en el barco (los militares aristocráticos y los oportunistas, el clero, los intelectuales que se pliegan al poder como el médico, los indiferentes y los cobardes) y los grupos revolucionarios (el pueblo movilizado como marineros) y sus aliados (la pequeña burguesía en el puerto, las mujeres, los oprimidos…)

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  • Montaje (Eisenstein ha escrito mucho sobre esto). Ha quedado como modelo. Es lo más impresionante por la multiplicidad de planos, de tomas desde todos los ángulos, La abundancia de planos detalle, muchos de los cuales dan verdadero valor simbólico a los objetos (el piano, la cruz, las gafas, los gusanos en la carne) mientras otras acentúan el dramatismo de la acción (la mano pisada del niño, los ojos de las mujeres, la mano del pope,…). Hay una enorme cantidad y variedad de planos (1.029 planos, algo inaudito en su época) y ángulos (picados y contrapicados) y composiciones oblicuas y triangulares que plasman la tensión de los acontecimientos expuestos. Logra la unión de fondo (la Revolución) y forma (estética experimental) para lograr el impacto en el espectador.
  • La inserción de metáforas visuales, un rasgo bastante extendido en el cine mudo pero al que Eisenstein dota de una fuerza especial: el plato con el Padrenuestro, los marineros colgados del palo, las sombras de los soldados sobre la madre, el león de piedra que se despierta.
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Escena metafórica, el león que despierta
  • Ritmo: comienza cada acto con un ritmo pausado para avanzar a uno más intenso. Pasa de planos con poca gente a escenas multitudinarias. Fuertes contrastes: interior reducido/ manifestación multitudinaria del pueblo de Odessa/ del navío a una panorámica de la ciudad/ del levantamiento de los marinos a la represión de los cosacos.
  • Una fotografía muy variada: casi pictórica en las escenas de la bahía con los barcos y los reflejos del sol, fuertemente expresiva en los primeros planos de algunos rostros (los oficiales, el pope) y con numerosos efectos (desenfoques, claroscuro, sombras…).

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Secuencia de la escalera de Odessa

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La escena culmen en montaje, ritmo e intensidad  es la de la Escalera de Odessa en la que los cosacos masacran a la multitud desarmada, es seguramente la secuencia más analizada, elogiada e imitada de la historia del cine (en filmes de Woody Allen, Francis Ford Coppola o Brian de Palma). Es una lección cinematográfica.

La escena no figuraba en ninguno de los guiones preliminares ni en las notas de preparación del montaje de Eisenstein. No existía, era una zona llana en la realidad. El descubrimiento fue accidental pero Eisenstein cuenta que “…fue la grandeza de estas escaleras lo que me dio la idea de la escena… Con sus 120 escalones inspiró a Eisenstein para acentuar el dramatismo del episodio, permite picados y contrapicados, el ver la caída de los cuerpos en movimiento desde arriba y de los disparos desde abajo. La escalera sirve para contemplar los sentimientos colectivos: crueldad de los soldados, dolor y angustia terrible del pueblo. En esa secuencia se combina la masacre colectiva con las historias individuales de las dos mujeres que pierden a sus hijos y que conforman algunos de los planos más impactantes del film: la mujer que ve a su hijo herido y lo coge en brazos frente a los soldados y la que, al ser alcanzada por los disparos, empuja el carrito de su bebé escaleras abajo.

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El recurso de la escalera permite el montaje de choque y montaje intelectual, utilizando como recurso narrativo la yuxtaposición de planos para provocar emociones. Este recurso consiste en cambiar de ritmo (acompasado el de los cosacos al son de los tambores/caótico el de la muchedumbre) y utilizar multitud de planos: largos, cortos, trasversales, ascendentes, descendentes, rápidos, pausados, etc. para provocar  angustia en el espectador. Ejemplos: largos para mostrar la multitud descendiendo hacia el puerto/o rápidos y muy cortos para demostrar el caos que provocan los disparos.  El movimiento hacia abajo  de cuerpos  y el cochecito del niño se compensa con un cambio de plano hacia arriba donde una madre asciende lentamente con el cuerpo de su hijo en brazos.  Y, de repente, estos planos se cortan con uno transversal, al pie de la escalinata, donde los cosacos a caballo embisten a los manifestantes que huyen de la masacre.

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Gran teórico de la estética fílmica, Eisenstein pone en práctica su teoría del montaje de atracciones en la que no considera el montaje como un recurso de continuidad de la narración sino que usa la yuxtaposición de los planos para provocar emociones (montaje de choque) o para que las imágenes trasciendan lo narrado para expresar conceptos más elevados (montaje intelectual)

Pese a contar con medios muy primitivos (una tosca vagoneta sobre unos irregulares raíles) para filmarla, logró con la rápida sucesión de planos en el montaje (unos 170 en poco más de seis minutos) darle un ritmo nunca visto hasta entonces. Es el montaje el que provoca las emociones y sensaciones que el director quiere provocar en los espectadores.

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Esta secuencia ha sido homenajeada por muchos directores Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables de Eliot Ness, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en la tercera entrega de Agárralo como puedas, George Lucas en su última entrega de Star Wars (aunque los soldados de asalto, en esta cinta, marchen subiendo las escaleras) e incluso en Los Simpson en dos situaciones, en una Homer rescatando al bebe y en otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.

5. El Cine en la época de las vanguardias

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El Acorazado Potemkin. 1925. Eisenstein

Las vanguardias históricas, en el primer tercio del siglo XX, tienen en común la crítica a los valores estéticos dominantes y al propio concepto de arte,  en un momento en que empezaba a existir “la experiencia de lo moderno”: la velocidad, los electrodomésticos, los objetos de consumo, etc.

Se entiende por cine de vanguardia o cine artístico el que se desarrolla, en las primeras décadas del siglo XX, totalmente al margen de la narrativa convencional y del espectáculo popular en que se situaba el cine. Pretenden convertir el cine en una obra de arte. Es un cine experimental que utiliza un nuevo lenguaje expresivo, mudo, en blanco y negro. Muchas de las obras que  filmaron los directores de este periodo se consideran obras maestras  de la Historia del Cine. Son obras de culto.

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Pero dentro de este cine de vanguardia existen corrientes cinematográficas totalmente distintas.

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