Tarsila do Amaral. Pintora modernista brasileña

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Autorretrato. Tarsila do Amaral

El Museo de Arte Moderno de Nueva York, (MOMA) realiza una retrospectiva de la  brasileña Tarsila do Amaral (1886- 1973). Acceso a la exposición del MOMA

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Abaporu. Tarsila do Amaral. Símbolo del Movimiento Antropofágico

Tasilado Amaral 1886 -1973, nace en  São Paulo, Brasil, pertenece a una familia adinerada. Desde muy joven siente interés por el mundo del arte, estudia en Barcelona y Resultado de imagen de tarsila do amaralParís, donde la artista vivió en los años veinte y estudió en la famosa escuela internacional Académie Julian. En Europa entra en contacto con las vanguardias. Hecho que le influirá para crear un estilo donde fusiona las ideas del arte moderno con la estética indígena de su país.

Regresa a Brasil para la Semana de Arte Moderna de 1922. En 1928 forma parte del grupo artístico “Los Cinco” o Movimiento Antropofágico, uno de ellos, Oswald Andrade será su marido, realiza el manifiesto. La obra

Los antropófagos, son capaces de transformar, al digerirse, todo aquello considerado como un modelo copiado de Europa, para así obtener la creación y el resultado de un modelo único y autónomo en el arte brasileño. Existen dos situaciones hostiles entre la cultura primitiva y la heredada de Europa, ambas indispensables en la construcción cultural de Brasil. 

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Dos viajes marcarán su obra: el de las ciudades históricas de Minas Gerais (Brasil), de este viaje surge el período Pau Brasil de Tarsila y el de Rusia que influirá notablemente en su obra tomando un impulso de carácter social. Ejemplo de esta nueva etapa son Operarios (1933) y Segunda classe (1933)

Se convierte en la mejor representante del Modernismo, Los críticos la consideran una de las pintoras más importantes de su país y por extensión, de toda América Latina.

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El pescador. Tarsila do Amaral

La obra de la pintora se caracteriza por

  • La evolución de su lenguaje visual
  • La influencia del cubismo (Picasso, Léger), surrealismo y modernismo que aprendió en París.
  • El reflejo de la cultura  y tradición brasileña:
    • Símbolos  del folclore y la mitología popular
    • Realismo mágico.
    • La inspiración en las  leyendas y cuentos brasileños
    • la espiritualidad Amazónica
    • El carnaval.
    • La exuberancia de la vegetación
    • Seres fantásticos
    • El mundo de los sueños
  • Desde un punto de vista técnico, destaca:
    • Paleta de colores vivos.
    • La luminosidad.
    • Líneas curvas, cerradas.
    • Perspectivas altas.
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La Cuca. Tarsila do Amaral

La Cuca es una de sus obras más famosas que concentra las características propias de la artista: paleta de colores vivos,  predominio de líneas curvas, los símbolos al folclore brasileño: la Cuca o bicho que asusta a los niños, seres mitológicos del pueblo, la vegetación exuberante, las continuas referencias al mundo animal, la influencia del cubismo, el toque naif o infantil y el realismo mágico.

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Vendedor de Frutas. Tarsila do Amaral
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Paisaje Antropfágico. Tarsila do Amaral

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En A Negra, retrata una mujer negra imaginaria, extraída de las leyendas del país: labios y brazos enormes, mirada estática y  grandes pechos  A sus espaldas, unas formas abstractas que se convertirían en la norma del arte brasileño a partir de la década de los años cuarenta.

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Operarios. Tarsila do Amaral.

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Fuentes

 

 

 

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Artemisia Gentileschi. Pintora barroca

 

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Artemisia Gentileschi. Autoretrato

Sus obras demuestran que fue una gran artista. Muy admirada por los compañeros de la época. Tuvo una vida complicada, fue violada por su maestro y humillada en un juicio por esta causa. Hecho que le marcó su vida y que plasma en su obra. Luchó por buscarse un sitio en un mundo misógino. Merece la pena conocer su obra y reivindicar su sitio en la Historia del Arte.

Artemisia Gentileschi, 1593 – 1654. Pintora italiana del Barroco. Aprende el oficio en el taller de su padre, Orazio Gentileschi. Por ser mujer no puede matricularse en la Escuela de Bellas Artes, su padre le lleva al taller del pintor Agostino Tassi para que le enseñase perspectiva.

Tassi violó a Artemisia, intentó calmarle con promesas de matrimonio que no se cumplieron porque estaba casado. Orazio, padre de Artemisa, le denuncia en el Tribunal Papal. El proceso, que duró siete meses, fue humillante y traumático. Artemisia relató con crudeza los hechos de su violación -testimonio que se conserva en los registros de la época-, fue sometida a exámenes ginecológicos y se le aplicaron instrumentos de tortura en los dedos para comprobar la veracidad de su relato.  En el juicio se pudo comprobar también que Tassi intentó asesinar a su esposa, a quien consiguió por violación, cometió incesto con su cuñada y quiso robar unas pinturas de Orazio, y por todo esto fue condenado a un año de prisión y el exilio de los Estados Pontificios. Para restablecer su honra, Artemisia contrajo matrimonio con un modesto pintor, Piero Antonio Stiattesi, un mes después del juicio. Marcha a Florencia, después a Venecia, lugar donde es admirada por su valía, también estuvo en la corte de Londres, volvió a Roma, también a Génova y por último a Nápoles donde estará el resto de su vida.

Posteriormente, en su obra “Judith decapitando a Holofernes” (1612-1613), se dice que la artista reflejó su sufrimiento emocional en el gesto casi placentero y de intensa determinación de Judith al realizar este acto.  La obra recoge toda la furia, el enojo y el deseo de venganza.

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Judith decapitando a Holofernes. A. Gentileschi. Galería Ufizzi

Técnicamente pertenece a la escuela de Caravaggio, aplica un claroscuro más acentuado y dramático. Unas tonalidades contundentes. Destaca por sus retratos y escenas con heroínas bíblicas. Tenía predilección por las obras de gran tamaño, lo que era poco habitual ya que el mercado compraba a las (pocas) mujeres, obras pequeñas para estancias como cocinas o cuartos de estar de mujeres; otro rasgo curioso es su absoluta devoción por representar a grandes heroínas bíblicas, siempre mujeres, como Susana, Judith, Lucrecia o Esther, y la forma en que lo hacía

Se convierte en pintora de la corte y es la primera mujer en ingresar en la Academia del Diseño de Florencia. Sus obras son de altísima calidad. Así lo reconocieron sus compañeros.

La profesora Patricia Mayayo recoge en su libro “Historias de mujeres, historias del arte” cómo el estilo pictórico de Gentileschi “descolocó” a los historiadores del arte, al no corresponderse con ninguno de los estereotipos asociados tradicionalmente al “arte femenino” (delicadeza, elegancia, blandura, debilidad…).

Este discurso hegemónico en la historia del arte, masculino y dominante, incapaz de clasificar su estilo como “arte femenino” utilizó dos estrategias para desprestigiarla: calificando a Gentileschi de “pintora mujer” (desde un punto de vista peyorativo) y calificándola de “mujer masculina”; e hipersexualizándola “Artemisia es una mujer lasciva”.

Obras más destacadas

 

Susana y los Viejos. Artemisia Gentileschi

Susana y los viejos es un tema recurrente en la pintura (Tintoretto, Rembrandt, Cagnacci, etc.) pero com un tratamiento totalmente opuesto. Mientras que en las obras de los pintores el deseo de los viejos es respondido por una Susana complaciente. Artemisa, representa a la mujer con todo el terror, rechazo (de nuevo vuelve a aparecer su experiencia traumática).

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Judith y su criada. A Gentileschi
Resultado de imagen de Artemisia Gentileschi Mujer con Laud. Artemisia Gentileschi
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Magdalena en extasis. Artemisia Gentileschi

Interesante el artículo y obras que aparecen en el Blog Mujeres pintoras

 

Lee Krasner. Expresionismo abstracto. La artista a la sombra de J. Pollock

 

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Lee Krasner. 1908-1984. Estadunidense. Pintora Expresionista Abstracta.

Lee Krasner vivió siempre bajo la alargada sombra de su marido Jackson Pollock, pese a que la pintora tenía igual o incluso mayor talento que él. Ambos fueron figuras claves del expresionismo abstracto norteamericano.

Neoyorquina de Brooklyn, estudió arte en unos tiempos en los que la mujer lo tenían difícil. Sólo pudo acceder al Instituto Washington Irving de Manhattan, el único centro en Nueva York donde las mujeres podían cursar estudios de arte.

El carácter independiente de Lee provocó enfrentamientos con sus profesores en muchas ocasiones, que despreciaron su obra por el hecho de ser mujer. Sin embargo, el descubrimiento de las vanguardias artísticas (en concreto la Escuela de París) le provocó una enorme impresión y decidió que era por ese camino por donde iba a ir su trabajo.

Mientras desarrollaba este nuevo estilo, simultaneó sus estudios para ser profesora en el City College de Nueva York con un trabajo de camarera.

En noviembre de 1941 conoció a Jackson Pollock y sintiéndose inferior a él abandonó la práctica de la pintura y se dedicó en exclusiva a atender las necesidades de Pollock. Fue una época tensa marcada por el alcoholismo del pintor. Los escasos cuadros que pintó Lee en la época reflejan una enorme influencia de su marido, pero con unas formas abstractas más refinadas y geométricas.

Cuando quedó viuda, se liberó progresivamente del influjo de Pollock; abandonó el automatismo y presenta un geometrismo cada vez más acusado. (Enlace)

Lee el artículo, Lee Krasner: la artista relegada a ser “la mujer de Jackson Pollock” (Broadly)

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Self-portrait,  Lee Krasner. 1929.  Metropolitan Art Museum

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Isabel Coixet. Cineasta

 

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Isabel Coixet

Trabajo realizado por Marina Sánchez Font, alumna de 2º Bachillerato de Artes del IES San Jerónimo, Sevilla. Forma parte del proyecto #mujeresartistas de la asignatura de Fundamentos del Arte II.

Isabel Coixet es una directora de cine polifacética, guionista, traductora y escritora española (nacida el 9 de abril de 1960 en Barcelona). Interesada desde muy joven por la fotografía y tras licenciarse en Historia por la Universidad de Barcelona, se dedicó a la publicidad y la redacción de anuncios: para Ford, Peugeot, Kellogg´s, British Telecom,CEPSA, Estrella Damm, el último ha sido Amodio, para la campaña de Navidad de Campofrío 2017. Enlace a anuncio

Ha ganado numerosos premios por sus anuncios, fundó su propia productora en 2000, Miss Wasabi Films. En 1988, Coixet realizó su debut como guionista y directora con Demasiado viejo para morir joven, película que le supuso una candidatura a los Premios Goya, en la categoría de Mejor Director Novel.

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Resultado de imagen de peliculas de coixet Things I Never Told YouEn 1996 dirigió su primera película en inglés, Things I Never Told You, Cosas que nunca te dije, y en la que Ann, una dependienta de una tienda de fotografía, se ha trasladado a una ciudad que le es ajena para estar cerca de Bob. Pero un día él la llama para cortar su relación con ella y Ann intenta suicidarse. Al salir del hospital la enfermera le recomienda que llame al “teléfono de la esperanza”, donde trabaja como voluntario Don, un vendedor de casas que la ayuda por teléfono…

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El éxito internacional le llegó en 2003 de la mano del drama intimista My Life Without Me,  Traducida a castellano como Mi vida sin mi basada en el relato corto “Pretending the bed is a raft” ( 1997), de la escritora estadounidense Nanci Kincaid. La historia trata de una joven que descubre que tiene un cáncer terminal y comienza a sentir un inusual placer de vivir, guiada por un impulso vital: elaborar una lista de cosas que quiere hacer antes de morir.

 

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Más tarde, The Secret Life of Words (La vida secreta de las palabras) en 2005, protagonizada por Sarah Polley, Tim Robbins y Javier Cámara fue premiada con cuatro Goyas: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Producción y al Mejor Guion.

 

Filmografía (acceso a los trailers)

  • Mapa de los sonidos de Tokyo (2009). Por que no me amaste como yo te ame a ti.
  • Cosas que nunca te dije (1995) “No nos damos cuenta cuando somos felices y eso también es injusto , uno debería vivir la felicidad y poder guardarla para cuando falte”.
  • Aprendiendo a conducir. 2014
  • La vida secreta de las palabras. 2005
  • Elegy, 2008
  • Invisibles, 2007
  • Paris, je t aime ( 2006)
  • Participó en el Festival de San Sebastián estrenando la primera parte de la última película de Cinergía, Proyecto Tiempo
  • La librería 2017. Es la última película en cartelera. De corte clásico y delicado, muy al estilo inglés, la película lanza un poderosísimo mensaje sobre el poder de los libros y el miedo y la mezquindad que provoca la ignorancia.Propuesta para 12 premios Goya. Para algunos la mejor película desde la vida secreta de las palabras. (enlace)

 

Y de este modo lleva tras de sí nada menos que cinco premios Goya, además se le concedió la Cruz de Sant Jordi en el 2006 y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2009.  Recibió el premio Mujer Europea 2006, que concede la Unión de Mujeres, con el patrocinio del Parlamento Europeo y del Instituto de la Mujer.

Isabel Coixet mira el cine como una ventana hacia otro mundo, hacia otra realidad. Su gusto y su interés cinematográfico se formaron siendo niña y como es lógico se vio influenciada por las películas que la marcaron especialmente. “Mis padres me llevaban al cine y yo, a veces, veía cosas que no entendía, pero que me impresionaban”, evoca con nostalgia. “Recuerdo ver Isadora, de Karel Reisz, que me impresionó muchísimo. Fue la primera vez en la que fui consciente de lo que era un flashback. La película empieza con Isadora de niña quemando el certificado de boda de sus padres y yo creo que no me he casado porque vi eso y pensé que casarse era horroroso. Películas como esa y otras como Blow Up, me hicieron ver que hay un mundo más allá del tuyo y que el cine me lo enseña a través de una rendija”.

Gracias a la publicidad, ha tenido la oportunidad de viajar por todo el mundo y con grandes equipos. En el primer rodaje de publicidad en el que estuvo, con 18 años, el director de fotografía era John Alcott, el director fotográfico de 2001, una odisea del espacio. “Siempre he intentado aprender de todo eso”, explica.

Una de las cosas que más le gustan a Isabel Coixet del cine español es su disparidad. De la actualidad destaca los trabajos de jóvenes y prometedoras directoras como Carla Simón, la realizadora de Verano 1993; Leticia Dolera, la autora de Requisitos para ser una persona normal, o Liliana Torres, que estrenó en 2013 Family Tour, un film a caballo entre la Ciencia Ficción y el documental.

Características

  • Entre sus temas más recurrentes podemos encontrar una preocupación por la comunicación convencional entre las personas y que habitualmente no surte el efecto que esperamos. “Me obsesionan esas situaciones en las que los mensajes no llegan a su receptor”, reconoce.
  • Otra de sus señas de identidad es su marcado compromiso social, tanto con temáticas medioambientales (como en ‘La vida secreta de las palabras’) como con temáticas sociales (Documental del Juez Garzón).
  • El amor y la soledad también son constantes en su cine, de una forma muy profunda y espiritual, sin tópicos ni estereotipos. Aunque si hay un lugar común reconocible en varias de sus producciones, esa es la lavandería.
  • Se considera a sí misma una narradora, “Lo haré como y donde pueda”, afirma.
  • Cine psicológico. Su capacidad para entrar en la psique de sus personajes y transmitir su alma a través de la pantalla le ha valido el reconocimiento de la crítica y una carrera de ya más de 20 años.
  • Pese a la temática variada, destacan los sentimientos, la delicadeza, los problemas y cómo nos enfrentamos a ellos: la muerte, la soledad, los abusos,
  • Narra con gran detallismo, meticulosidad y rigor.
  • Es tremendamente versátil y posee una sensibilidad digna de admirar. Hace suya cada una de las películas que realiza y nos la regala. Nos enseña a descubrir y a disfrutar el cine.
  • Es una apasionada de la cultura japonesa como lo demuestra en la película “Por que no me amaste como yo te ame a ti”.
  • Realiza una simbiosis entre el cine inglés y español.
  • Destaca la belleza en la ejecución estética.

Eva Mena. Muralista

 

Mural en Sevilla
Eva Mena. Muralista. San Jerónimo, Sevilla

Eva Mena, artista urbana, especializada en murales que transforma los espacios arquitectónicos, ha realizado obras por múltiples países.

Una de sus últimas obras es  el mural Ni una menos de San Jerónimo Sevilla dentro de la campaña contra la violencia de género. En su blog explica el proceso de elaboración que siguió.   Enlace

Para conocer la obra de la artista, visita el Blog EvaMena

Festival de Arte Urbano Los Alcazares
Festival de Arte Urbano de Los Alcázares

Otros enlaces

 

Las mujeres olvidadas en los libros de Hª del Arte

 

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La sorpresa del trigo. 1936. Maruja Mallo. Surrealista

El profesor Pablo Jerez, en el Blog Arte En Parte publica una  interesante entrada dedicada a las mujeres olvidadas en los libros de Hª del Arte, a raíz de la exposición que realizó el Museo del Prado sobre Clara Peeters.

El Museo del Prado se marcó hace justo un año un tanto (con décadas de retraso, todo sea dicho) cuando dedicó por primera vez en sus dos siglos una exposición dedicada en exclusiva a una mujer. La pintora flamenca barroca Clara Peeters fue la encargada de romper el tabú del patriarcado artístico. Para muestra, un botón: en la pinacoteca nacional hay obra de más de 5.000 hombres y tan solo de 53 mujeres. De las cerca de 8.000 pinturas catalogadas (expuestas y en los almacenes), solo cuatro de artistas mujeres se exhiben. Sigue leyendo.

 

Listado

 

 

Ruth Orkin. Fotógrafa

Trabajo realizado por Jesús Vílchez, alumno de 2º Bachillerato de Artes Escénicas del IES San Jerónimo, Sevilla. Curso 2018.

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Fue una cineasta y fotógrafa estadounidense (nacida en Boston, Massachusetts, el 3 de septiembre de 1921 y fallecida el 16 de enero de 1985) conocida por fotografiar celebridades, la ciudad de Nueva York y a músicos clásicos.

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Creció en Hollywood pues su madre era actriz de cine mudo, desde pequeña persiguió a las celebridades para conseguir sus autógrafos. Descubrirá su pasión inmortalizando con su máquina fotográfica a estos protagonistas. Tuvo su primera cámara a los 10 años.
Sus retratos fotográficos de estrellas del espectáculo son testimonios únicos de personajes que revelan también la persona que hay detrás de la máscara pública, porque Orkin sabía indagar con gran desenvoltura el universo más amplio y emocional.
A los 17 Ruth hizo un largo viaje con su bicicleta desde Los Ángeles hasta Nueva York para ver la Feria Mundial de 1939. Llevando siempre su cámara consigo, tomó fotografías en Washington, Chicago y Boston. En 1943 se mudó a Nueva York y empezó a trabajar para todas las revistas más importantes.
A finales de los años 40, Ruth, llegada desde Hollywood, asiste a una conferencia en la PhotoLeague, el templo de la fotografía social, de Morris Engel (que, en 1936, con 18 años, había aprendió la técnica fotográfica en esta asociación, y que con el tiempo se había convertido en profesor) quedándose prendada al instante.

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Ruth y Morris se casaron en 1952, después de años de relación tanto personal como profesional. Ambos realizaban instantáneas por las calles, recogiendo verdaderas escenas del teatro de la humanidad en el corazón vibrante de Nueva York que ofrecía continuos “espectáculos”.

Orkin dio clases de fotografía en la Escuela de Artes Visuales en la década de 1970, y en el Centro Internacional de Fotografía en 1980. Poco después le diagnosticaron de cáncer, después Orkin murió en su apartamento de Nueva York el 16 de enero de 1985.

Características

Orkin en sus fotografías cuenta una historia fascinante, tanto en los retratos de artistas como en las escenas de calle. Son famosos los retratos de unos jovencísimos Woody Allen, Alfred Hithcock o Albert Einsten donde explora el universo emocional de los personajes. Sus escenas callejeras se desarrollan en la ciudad de Nueva York, ciudad que Orkin ama y que convirtió en un hilo conductor para sus obras. Jugará un papel muy importante en el panorama artístico de la década de los años 50 en la sociedad americana.

 

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Una de las obras más emblemáticas: American Girl in Italy

American Girl in Italy. Ruth Orkin 1951

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