Grupo familiar, 1950. Henry Moore. Escultura humanista y Biomófica.
El mundo. Pevsner. 1947. Escultura abstracta. Constructivismo Ruso
Identificación
Son dos obras escultóricas, exentas y de bulto redondo. La primera pertenece al inglés H. Moore y la segunda, al ruso A. Pevsner. Las obras son de la misma época, están ejecutadas a mediados del siglo XX, en plena postguerra, tras la brutalidad de la 2ª Guerra Mundial. Pertenecen a estilos diferentes. Grupo familiar es una escultura humanista y biomórfica, El mundo pertenece al Constructivismo Ruso y al arte Abstracto.
Análisis
La simbología y temática son diferentes. Grupo familiar representa uno de los temas estrella de H Moore, el humanismo, los sentimientos, el amor y la protección simbolizados en la familia en un tiempo de desolación. La escultura de A. Pevsner responde a una de sus obsesiones: representar el espacio, el vacío, el universo. Pero los dos coinciden en eludir la terrible realidad que ha supuesto la 2ª Guerra Mundial, Moore recurre a la familia como símbolo para volver a resurgir y dejar a tras la postguerra y Pevsner al Universo como principio de todo.
Las proporciones y la ubicación son distintas. La obra de Moore es de gran tamaño, monumental y está situada en el exterior, en un espacio público urbano. La obra de Pevsner es de tamaño reducido y expuesta en el interior posiblemente en una sala de exposiciones o un museo.
Difieren en el tipo de escultura. Grupo Familiar es un grupo escultórico figurativo en el que aparecen los padres sentados y sujetando en el centro a su hijo. El mundo es una escultura abstracta.
Coinciden en el material. Las dos obras son de bronce y están sobre una base. Pero la técnica y la ejecución es muy diferente. Henry Moore utiliza el bronce fundido y Pevsner utiliza finas barras de bronce oxidado y soldado en placas que giran en todos los sentidos en torno a un eje central.
La composición también es diferente. Moore acentúa el sentimiento de unidad de la familia entrelazando los brazos de los padres sujetando al hijo como símbolo protector y con pies grandes y firmes apoyándose en la tierra. Recuerda a la terribilitá de Miguel Ángel y a Picasso. Es una escultura bloque, equilibrada, predominan las líneas curvas, cerradas, el volumen se acentúa con el reflejo de la luz, con las líneas cóncavas y convexas, con la masa y el volumen. En esta obra el escultor inglés ya ha iniciado el camino a la abstracción las formas están borrosas, deformadas.
En la obra de Pevsner predomina la racionalidad, el estudio matemático y geométrico de las formas. Representa el vacío, la antimateria, el universo a través de líneas helicoidales que giran en todos los sentidos como las órbitas espaciales, transmitiendo movimiento y dinamismo.
Si la obra de Pevsner predomina la racionalidad, la visión científica, los cálculos matemáticos propios del Constructivismo, en la de Moore destaca el tema humanista, lo subjetivo, la sensibilidad, la calidez y ternura.
La obra de Moore se acerca a la abstracción biomórfica, la obra de Pevsner es abstracta. Aunque muy diferentes en el estilo, ambas esculturas son fruto de la libertad creadora de los artistas, están muy lejos de de las obras anteriores a las vanguardias que seguían unos cánones academicistas. Son una consecuencia de la ruptura que se produce en el Arte en las primeras décadas del siglo XX, a los dos escultores les influyen los padres de las vanguardias y tanto Pevsner como Moore serán un referente para los artistas de la 2ª mitad del siglo XX.
«Brancusi reduce la forma del animal y de su movimiento en el espacio, eliminando lo superfluo (renunciando incluso a la representación de las alas del pájaro), estilizándolos al máximo hasta convertir la esbelta forma escultórica en concreción esencial del dinamismo del movimiento ascendente del vuelo del pájaro y de su cuerpo en el espacio. La forma, establece una nueva relación con el espacio que le rodea por el que parece adentrarse dinámicamente.
Brancusi solía decir: “Hay imbéciles que califican mi obra de abstracta, sin embargo, aquello que definen como abstracto es lo que hay de más realista; lo que es real no es la apariencia sino la idea, la esencia de las cosas”. Es evidente que en la pureza de líneas, la fluidez de superficies y la elegancia formal de las obras de Brancusi podemos observar un refinado decorativismo que podemos relacionar con la estética del “Art Decó” que surgirá en los años 20 del siglo XX y que a través de ésta podríamos observar ecos de las formas de Brancusi incluso en los diseños aerodinámicos de algunos aviones de los años 30 y siguientes. Brancusi se convertirá en uno de los escultores más determinantes en le devenir del arte del siglo XX y su influencia puede intuirse en movimientos aparentemente tan lejanos de su obra como el Surrealismo de los años 20 y 30 o el Minimalismo de los años 60.
Analice, compare y relacione las técnicas y lenguajes de estas dos obras (similitudes y diferencias)
A. Rodin: El beso. 1889 C. Brancusi. El Beso. 1908
Identificación (si hay alguna similitud o diferencia importante lo indicáis)
Pautas para realizar el análisis formal y estilístico
Realiza el análisis técnico y estilístico de cada una de las obras, sigue las pautas que doy y lee la entrada del Blog de Historia del Arte del profesor Tomás Pérez (enlace)
Análisis técnico (uno para cada obra)
Tipo de obra: conjunto escultórico de bulto redondo, figurativa (en este caso)
Material
Técnica:
Tema representado y cómo
Análisis estilístico
Cómo se ha esculpido: realista/ idealizada/ abstracta/ esquematizada/ etc
Tratamiento de las superficies
Composición, luz, volumen, espacio, etc
Significado
Comentario. El autor, el estilo y su época (Contexto histórico)
En este apartado explicas todo lo relacionado con cada uno de los artistas, sus señas de identidad, sus influencias, en quién influyen, otras obras, etc.
Para finalizar. Similitudes y diferencias (reflexionas sobre las semejanzas y diferencias que puedas encontrar)
Tanto Rodin como Brancunsi son dos grandes artistas que revolucionan el panorama escultórico. Rodin, escultor de finales del siglo XIX, rompe con los academicismos y realiza una escultura impresionista, anunciando las vanguardias. Brancusi, que trabajó con Rodin en su taller y que conoce muy bien la obra de su maestro, pertenece a las vanguardias, es uno de los escultores más importantes de la primera mitad del siglo XX. Rompe con el lenguaje expresivo tradicional y experimenta nuevos caminos que conducirán a la abstracción.
Utilizan el mismo material, piedra (mármol) y la misma técnica: esculpido; aunque el resultado final es diferente, Rodin pule el mármol de los cuerpos y lo llena de matices, Brancusi apenas esculpe la superficie e insinúa esquemáticamente las formas en el cubo.
Ambos artistas esculpen el mismo tema: el amor entre dos personas, representado a través de un beso.Transmiten una gran sensualidad y pasión.
Son dos esculturas de bulto redondo, figurativas aunque el Beso de Rodin se representa con un lenguaje expresivo más realista y más cercano al concepto estético de las personas y el Beso de Brancusi está esculpido de una forma más geométrica, esquematizada y primitiva; utiliza un lenguaje más expresionista.
La obra de Rodin se recrea en la forma, está llena de matices plásticos,lumínicos, de contrastes entre el cuerpo musculoso del hombre frente a la fragilidad y las curvas de la mujer. Brancusi da prioridad al concepto frente a la forma. El grupo escultórico ha quedado reducido a la mínima expresión, unos brazos, unos labios, el perfil de unos ojos, las líneas insinuantes del pelo.. Lo accesorio desaparece, el cubo está presente.
Ambos son dos referentes del arte del Mundo Contemporáneo.
El Guernica es el cuadro más famoso de Picasso. Se ha convertido en un símbolo, en un grito contra la barbarie y el horror de las guerras. Ha tenido y tiene diversas interpretaciones.
El pabellón de España de la Exposición Universal de París de 1937 se convierte en un grito de auxilio del gobierno de España de la II ante el avance de los militares golpistas, la barbarie de la Guerra Civil y la pasividad de las democracias europeas. Para ello se movilizaron los nombres más reconocibles de la cultura española de la época, entre los que se encontraban Pablo Picasso, Miró (el mural El Segador, obra desaparecida) o Julio González (La Montserrat). El gobierno encarga al pintor, afincado en Francia, un cuadro de grandes dimensiones para que presida el pabellón español de la Exposición Universal de París de 1937.
El Guernica tiene un fuerte valor histórico y de denuncia; se pinta en plena Guerra Civil. Pocos días antes de iniciar el cuadro, la aviación alemana que apoyaba a Franco bombardeó el pueblo de Guernica (Vizcaya). Se considera el primer bombardeo que de manera sistemática e indiscriminada bombardea a un núcleo urbano, anuncia la guerra total de la 2ª GM. Este grave hecho afectó enormemente a Picasso y le indujo a titular así el cuadro.
Debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, el artista decidió que la pintura quedara bajo la custodia del Museum of Modern Art de Nueva York hasta que finalizara el conflicto bélico. En 1958 Picasso renovó el préstamo del cuadro al MOMA por tiempo indefinido, hasta que se restablecieran las libertades democráticas en España, regresando la obra finalmente a nuestro país en el año 1981. Desde 1992 el lienzo está colgado en una de las salas del Museo Reina Sofía de Madrid. Cumpliendo con el deseo del artista, la obra vino a España una vez instaurada la democracia.
Datos técnicos y artísticos
Picasso antes de iniciar el cuadro hizo numerosos bocetos preparatorios sin alusiones al bombardeo. Son un alegato contra la barbarie de las guerras.
El lienzo tiene unas dimensiones considerables (3,50 x 7,80). Lo pinta con la técnica del óleo en blanco, negro y variaciones de grises, como símbolo de luto, para acentuar el dramatismo.
Es de estilo cubista (estilo que descompone las imágenes reales y las representa en un mismo plano de forma geométrica), expresionista y simbólico. La composición se organiza en triángulos, destacando el central. Y en dos grupos de figuras representadas: seres humanos (soldado herido, varias mujeres y niño muerto) y animales (toro, caballo y paloma). La línea está claramente definida.
Análisis simbólico
Propongo un recorrido por el cuadro como si fuera un tríptico, de izquierda a derecha, con una mirada lenta, pausada:
Busquemos en primer lugar los nueve símbolos, cuatro mujeres, un soldado y tres animales: toro y caballo (los tótem de España) y la paloma .
Observaremos que todos los rostros tienen una expresión parecida con bocas abiertas, desesperadas. Transmiten angustia. Incluso la lengua del caballo aparece afilada como una lanza.
A la izquierda del lienzo
Aparece el toro tenso y estupefacto, para muchos representa a España, la violencia del fascismo, la brutalidad irracional.
Bajo él, se encuentra la mujer desesperada con su hijo muerto en brazos que recuerda a la Pietá de Miguel Ángel y a todas las piedades cristianas.
Al fondo entre el toro y el caballo, casi difuminada por el tono oscuro, la paloma de ala caída que ya no puede volar y que simboliza la paz rota.
Ahora, miremos el triángulo central:
La bombilla/ojo cenital, alumbra todo, tiene un gran protagonismo y su significado no está claro.
El caballo que relincha y se retuerce mal herido atravesado por una lanza, ocupa la parte central. Representa a los inocentes que mueren en las guerras.
A sus pies, el hombre descuartizado, agonizante, empuña un puñal y una flor. Recuerda a los soldados que mueren en el frente. La flor simboliza la esperanza.
Dirijamos los ojos a la derecha, al lugar donde el mundo femenino es el gran protagonista. Posiblemente represente el sufrimiento de la población civil en las guerras.
Observemos a la mujer que huye despavorida mientras sujeta la pierna maltrecha, hay fotografías de ciudades bombardeadas muy similares a este efecto. Simboliza el terror que produce en la población el bombardeo nazi.
Sobre ella, una mujer alarga el brazo. El quinqué que porta, ilumina la desgarradora escena que aparece ante sus ojos. Para muchos historiadores es una alegoría de la República.
Por último, fijemos nuestros ojos en esa mujer que levanta los brazos al cielo pidiendo clemencia mientras arden las casas. Posiblemente es la única referencia al bombardeo, la mujer tiene un gesto de súplica y la postura recuerda a los Fusilamiento de Mayo de Goya.
Seguro que al finalizar el recorrido tenemos la sensación de que del lienzo surgen gritos, ruidos ensordecedores, bombas, llantos, dolor mucho dolor. Entonces comprenderemos que el cuadro es un rechazo contundente a la violencia. Es un no a la guerra y un no al sufrimiento gratuito. El Guernica hoy tiene un valor universal por lo que expresa y denuncia.
Una de estas películas no fue dirigida por Alejandro Amenábar:
a) Tesis (1996).
b) La niña de tus ojos (1996).
c) Los otros (2001).
d) Mar adentro (2004).
Señala la opción correcta. Directores españoles que han recibido un óscar
Trueba, Garci, Amenábar, Miró, Almodóvar,
Trueba, Garci, Amenábar, Almodóvar, Alex de la Iglesia
Garci, Trueba, Almodóvar, Bolaños, Amenábar,
Garci, Trueba, Almodóvar, Amenábar, Buñuel
Nombre de tres películas de Fernando Trueba
Nombre de tres películas de Garci
Nombre de tres películas de Alex de la Iglesia
Nombre del primer director español, de la democracia, que recibió el óscar a la mejor película de habla no inglesa y título de la película……………………………………….. …………………………………………………
La Sede central del HSBC (Hong Kong) tardó seis años en construirse (1979-1985) y es un ejemplo de arquitectura High-Tech. Fue proyectada por el arquitecto:
a) Frank Ghery
b) Santiago Calatrava.
c) Norman Foster.
Escribe el nombre del arquitecto junto a su obra.
El Heydar Aliyev Center, Baku (Azerbaiyán).
Pez Dorado, paseo marítimo de Barcelona (España)
c) L’Hemisfèric en la Ciudad de las Artes y de las Ciencias, Valencia (España).
d) Torre 30 St Mary Axe (Swiss Re), Londres (Reino Unido)
Madonna es un ícono de la moda a través de las décadas, pero su más memorable (y más copiado) look, fueron esos sostenes, Almodóvar en la película.…….. también recurre a este diseñador de nombre………………………………….
Nombre del diseñador caracterizado por utilizar modelos andróginos, de cuerpos muy delgados. De lanzar una línea de ropa interior y los jeams.
Es uno de los diseñadores de moda más influyentes de los años 80- 90, padre del fenómeno topmodel. Sus señas de identidad son la barroquización, la exuberancia, los vestidos dorados, las grecas grecorromanas, Murió trágicamente.
Nombre del diseñador que continua con la alta costura, sus señas de identidad son riqueza de las telas, el rojo y los acabados ultrafemeninos……….
Nombre del diseñador que reelanzó la casa Chanel…………………… y el de la casa Dior……………………..
……………………….Conocido por trabajar como diseñador jefe en Givenchy, Gucci y por fundar su propio sello. Forma parte de los diseñadores-estrellas. Sus mejores aportaciones quedan recogidas en la exposición…………………………………
Sus prendas son cómodas, líneas rectas y más bien sobrias, confeccionadas en materiales selectos. Sus colecciones de mujer inciden en una estética andrógina, no resaltan las formas y buscan una estilización realzando la verticalidad. No abusa del colorido. Ha creado un emporio comercial……………………………………………
Revolucionó la moda en Nueva York y París, marcó claramente la década de los 80 y la de los 90 al frente de dos grandes, Gucci e Yves Saint Laurent. Creó su propia marca…………………….
La firma se convirtió enseguida en un referente de lujo y exclusividad, símbolo de Nueva York y de la mujer neoyorquina,
Se ha considerado como una versión popular de los sepulcros borgoñones del Siglo XV. Se trata de un conjunto escultórico funerario en el que el autor escenifica el cortejo fúnebre del matador formado por una serie de personajes populares en los que refleja una diversidad de expresiones y actitudes en contraste con la tranquilidad que inspira el rostro del difunto .
El talento de Benlliure no solamente se refleja en el soberbio modelado y en la trágica expresión de la escena, sino también a la hora de resaltar la figura inerte del difunto. Para ello esculpe en mármol de Carrara pulido, la figura del difunto y el almohadón donde reposa su cabeza provocando con ello el contraste con el resto del monumento cuyo material es bronce fundido tratado casi con técnica «impresionista», como si fuese barro muy dúctil.
Entre las figuras que portan el féretro, Benlliure retrata al hermano de Joselito, Rafael Gómez «El Gallo», a su cuñado Ignacio Sánchez Mejías (ambos enterrados en el mismo lugar ) así como a D. Eduardo Miura , lo que constituye una licencia del autor, ya que falleció tres años antes que Joselito. Una gitana, identificada como María casada con el cantaor Curro el de la Jeroma, porta entre sus manos una miniatura en bronce de la Macarena y en cuyo pedestal se puede leer «NUESTRA SEÑORA DE LA ESPERANZA»
El grupo llegó a Sevilla en el año 1.925 y fue expuesto en el Pabellón de Bellas Artes (hoy Museo Arqueológico) , emplazándose definitivamente en el Cementerio de San Fernando de Sevilla en 1.926 , constituyendo desde entonces en la más famosa de las numerosas e interesantes sepulturas del que es considerado por muchos un cementerio-museo.
El escultor recurre a los modelos de monumentos funerarios del siglo XV para la disposición de los personajes que se colocan alrededor del féretro, así como a escultura contemporánea en la técnica, elección y tratamiento de los materiales y expresividad de los mismos, recordando al extraordinario conjunto de “Los burgueses de Calais” de Auguste Rodin.
Evento a celebrar entre el 4 al 10 de marzo de 2019 en Sevilla que engloba diversas actividades relacionadas con la historia, el patrimonio, la cultura y la ciudadanía.
levanta los brazos al cielo pidiendo clemencia mientras arden las casas. Posiblemente es la única referencia al bombardeo, la mujer tiene un gesto de súplica y la postura recuerda a los Fusilamiento de Mayo de Goya.
Fundamentos del Arte II 