La época más brillante del cine norteamericano se extiende por las décadas de los 30, 40 y 50 del siglo XX. Se conoce con cine clásico o la Edad de Oro de Hollywood.
Es el periodo en el que se formaron los grandes industrias cinematográficas, los famosos estudios, el sistema de estudios (del inglés studio system), modelo de empresa que obtiene beneficios con el monopolio del entretenimiento.
Este sistema se basa en varios conceptos:
Tener estudios, guionistas, directores propios,
Realizar contratos de exclusividad a los actores- estrellas (hacen de su vida íntima un producto).
Especializarse en géneros: método de dividir las películas en grupos formados por aquellas que comparten similitudes entre sí.
Controlar toda la cadena comercial del film: la producción, la distribución y la exhibición en las salas.
Los estudios más importantes fueron: Paramount, Metro-Goldwyn-Mayer, 20th Century Fox, Warner Bros y Disney como estudio especializado en la animación.
Pertenecen al cine clásico norteamericano
Películas como: Lo que el viento se llevó, La diligencia, Ninotchka, Medianoche. Casablanca, Ciudadano Keyne ¡Qué bello es vivir!, King Kong, Blancanieves y los siete enanitos.
Estrellas como: Katharine Hepburn, Audrey Hepburn, Ingrid Bergman, Marilyn Monroe, Lauren Bacal, Humphrey Bogart, Paul Newman, Elizabeth Taylor, Jon Wayne, Montgomery Clift, etc
Directores: John Ford, Orson Welles, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Lubitsch , Frank Capra, Michael Curtiz, etc.
El cómic, bande dessinée (bd) en francés, fumeto en italiano, historieta o TBO en español, es el arte de narrar con ilustraciones.
La palabra cómic es un anglicismo que deriva de la expresión comic strip, es decir, tira cómica.
Ha estado considerado como un “arte menor”. Esa visión peyorativa hoy está superada. Es el Noveno Arte. Podemos considerarlo como una literatura popular de masas y al mismo tiempo como un medio de expresión artística cuyos orígenes se remontan a imágenes de civilizaciones como Egipto, Roma, retablos, etc
El origen del cómic apareció a finales del siglo XIX en Estados Unidos, vinculado a la prensa norteamericana. Curiosamente surgió en paralelo al cine. El primer cómic propiamente dicho, Yellow Kid, fue creado en 1896 por el dibujante Richard Felton Outcault.
Una serie de características se repiten de manera permanente
Se enmarcan en una viñeta
Dentro de la viñeta aparece imagen, mensaje icónico y mensaje lingüístico.
El mensaje escrito está dentro de el bocadillo, balloon o nube.
El texto puede ser sustituido por exclamaciones, puntos suspensivos o signos de interrogación.
Un elemento esencial es la onomatopeya.
Los estados de ánimo se reflejan mediante el grosor del trazo y tamaño de la letra.
Los personajes del cómic aparecen caracterizados desde el inicio (vestimenta, conducta)
La temática es variada: aventuras, suspense, amor, superhéroes….
Estilos diviersos
La producción ha sido muy fecunda en EEUU, Japón, Bélgica o Francia. En España destacan Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape, El Capitán Trueno y muchos otros.
Es una página con materiales didácticos del Ministerio de Educación Cultura y Deporte.
El cine: un recurso didáctico es un material que desarrolla aspectos históricos y del lenguaje del cine y constituye además un instrumento de apoyo en cualquier área educativa en la que se quiera utilizar el cine como material complementario para la formación. El cine, desde siempre, no se ha limitado a seducir al público con imágenes en movimiento (que también), sino que es un vehículo fundamental para contar historias a través de personajes, situaciones, relaciones, realidades o ficciones que nos pueden servir para ilustrar y trabajar en el aula numerosos aspectos de la práctica docente, desde contenidos puramente curriculares hasta actitudes, valores o competencias que el alumnado debe desarrollar.
En estos materiales nos centraremos fundamentalmente en el desarrollo histórico del cine a lo largo del tiempo y en los diversos elementos que constituyen el lenguaje cinematográfico.
Estándar: Analiza la importancia del cómic europeo, especialmente la obra de Hergé.
Si tuviéramos que destacar al autor más relevante del cómic europeo de los años 30 y décadas posteriores, sería sin duda Georges REMI, más conocido como HERGÉ. La denominación de Hergé procede de las iniciales de su apellido R y su nombre G pronunciadas en francés. Hergé nació en Bélgica en el seno de una familia de clase media. Hergé recordaba su infancia como una época gris y mediocre. De educación católica de jovencillo fue boy scout, como lo sería el propio Tintín. De talante reservado, enigmático y encantador, comenzó dibujando en una revista scout, a partir de 1924 ya firma sus obras con el seudónimo Hergé. Fue un excelente dibujante y un gran narrador. A Las Aventuras de Tintín le dedicó 50 años de su vida. Era una proyección de si mismo, pero no solo el joven reportero, sino también del resto de sus personajes.
Hergé con Las aventuras de Tintín creó a un héroe incontestable, un clásico de la literatura y el arte del siglo XX. Desde su primera publicación en 1929, Tintín se convirtió en uno de los personajes más célebres de cómic. El último Tintín se publicó en 1971.
Durante la II Guerra Mundial, Hergé publicaba las aventuras de Tintín en el suplemento juvenil del periódico Le Soir, controlado por los nazis; este hecho comprometió seriamente su reputación y cuando terminó la guerra fue acusado de colaboracionista, algo que él negó.
Las fuentes de inspiración de Hergé son muy variadas:
Desde los grabados japoneses Ukiyo-E, hasta la caligrafía china, y toda una serie de pintores antiguos y modernos, como el neoclásico Ingres, el renacentista Holbein, al arte primitivo, las máscaras africanas, Joan Miró, etc. Abundan las referencias al arte ya sea antiguo (egipcio), oriental, africano (máscaras) o de los siglos XIX (Sisley) o XX (Picasso). Es formidable como sintetiza el Shanghái y art Déco en el Loto Azul (1934).
También se inspiraba en la realidad cotidiana, los acontecimientos políticos y sociales de su tiempo y en otras culturas.
Asimismo, el cine fue su gran afición desde joven, en particular sentía devoción por Charles Chaplin. El lenguaje de Hergé, su vocabulario, es muy cinematográfico, lleno de humor y cierto suspense.
Hergé está considerado el padre del cómic europeo. Perfeccionista y visionario, hacía evolucionar a sus personajes con la actualidad de su época.
Se documentaba concienzudamente sobre las distintas épocas y civilizaciones que trataba en sus publicaciones para ser lo más preciso y realista posible. Tintín es un héroe literario viajero, un joven maravilloso que parece tener el don de la ubicuidad puesto que viaja por todo el mundo entre los años 30 y los 70 del siglo XX.
1º ejemplar a color
Sus historietas son una magnífica lección de historia y geografía. Tintín nos ayuda a entender el siglo XX: el colonialismo; el auge de los totalitarismos; la amenaza bélica de los años 30; el conflicto chino-japonés; los gánster de Chicago; los conflictos de Oriente Medio y el papel en ellos del petróleo; los Tiranos Banderas latinoamericanos; la aventura espacial, Tintín estuvo antes en la luna que los americanos; el Pacto de Varsovia y la Guerra Fría; el tráfico de armas, drogas y eslavos; las falsificaciones de obras de arte; la ópera; las joyas, etc. También aparecen fenómenos paranormales, pesadillas, la importancia de los sueños …
Nos ayuda a ver el mundo con otros ojos, nos enseña otras civilizaciones. Como buen reportero le apasiona viajar, es valiente, y es amante de los animales, especialmente, de su queridísimo Milou . Al mismo tiempo es un apasionado del arte y la cultura. También destaca el protagonismo de todos los personajes como el borrachín capitán Haddock –una especie de amigo-padre, el profesor Tornasol, la genial cantante de ópera Castafiore… Los personajes femeninos son muy escasos en sus aventuras.
Hergé fue el creador de un nuevo estilo gráfico: la línea clara, caracterizada por la simplicidad y claridad del trazo, con dibujos muy depurados, colores planos, sin sombras. Marca mucho el contorno y no presenta tonos intermedio
s ni efectos de luces y sombras, salvo, curiosamente, en sus dibujos de automóviles. Aplicaba el llamado “efecto máscara”, es decir, la combinación de unos personajes un tanto caricaturescos en entornos lo más realistas posibles. Así mismo deseaba que el mensaje que transmitían sus álbumes fueran de fácil comprensión. Se movían de izquierda a derecha como la lectura. Los viñetas son rectangulares y siempre en la misma posición.
Era un apasionado coleccionista del arte moderno y en su colección reunió pintura expresionista, Pop Art, abstracción, Minimal Art… No faltaban entre sus fondos pinturas de artistas contemporáneos como Lucio Fontana, Jean Dubuffet, Andy Warhol o Roy Lichtenstein. Puede parecer paradójico que viviera rodeado de arte abstracto.
LOS ÚLTIMOS
Hergé, en pleno reconocimiento internacional de su obra, murió en 1983 de leucemia. Su éxito se demuestra con un dato: se han vendido más de 250 millones de ejemplares de sus 24 álbumes en más de 100 lenguas y dialectos de todo el mundo. En Louvain, la Neuve (Bélgica) se encuentra el Musée Hergé dedicado a este genial artista y su obra. HERGÉ, el pintor surrealista René MAGRITTE y el escritor Georges SIMENON son los máximos exponentes de la cultura belga del siglo XX. La primera publicación fue Tintín en el país de los Soviets, la última, Tintín y los pícaros y el Arte- Alfa, publicada tras su muerte. Un icono son el Loto Azul u Objetivo la luna.
Los personajes:
TINTÍN: Joven y famoso reportero, que llevado por su gran curiosidad viaja por todo el mundo y vive grandes aventuras, siempre en compañía de su perro Milú. Valiente, astuto, amable y defensor a ultranza de los débiles frente a las injusticias de los más fuertes, es el amigo que todos desearíamos tener.
MILÚ: perro fox terrier de color blanco, compañero inseparable de Tintín. Curioso y astuto como su amo, en ocasiones le ha prestado una gran ayuda, e incluso le ha salvado la vida.
HERNÁNDEZ Y FERNÁNDEZ: Son dos policías secretas, hermanos gemelos, cuyas únicas diferencias son los nombres y bigotes. Visten casi siempre de negro, con bastón y sombrero hongo. Tienen un grandísimo sentido del deber pero su increíble ingenuidad junto con su mala suerte les lleva a meter la pata continuamente. Su primera aparición se produce Tintín en el Congo, pero donde alcanzan protagonismo es en Los cigarros del faraón.
CAPITÁN HADDOCK: Capitan de la marina mercante, y uno de los grandes amigos de Tintín. Es un viejo lobo de mar, un poco arisco de entrada, pero con un corazón de oro. Cuando se enfada su vocabulario es tan «peculiar» que incluso se ha escrito un libro sobre él, El ilustre Haddock, de Albert Algoud. Aparece por primera vez en El cangrejo de las pinzas de oro.
BIANCA CASTAFIORE: célebre cantante de ópera de la Scala de Milán, da conciertos por todo el mundo. Viaja siempre con su pianista el señor Wagner y su camarera Irma. Tintín la conoce en Syldavia (El cetro de Ottokar), y más adelante, en El asunto Tornasol demuestra ser una verdadera amiga al esconderlo a él y al capitán Haddock en su camerino cuando eran perseguidos por la terrible policía de Borduria.
RASTAPOPOULOS: enemigo de Tintín en diversas de sus aventuras. Criminal y mafioso, con intereses en el narcotráfico, productor cinematográfico, propietario de una compañía aérea bajo un falso nombre y otros muchos negocios a nivel internacional, se encubre bajo personalidades falsas para llevar a cabo sus infames planes.
PROFESOR SILVESTRE TORNASOL: eminente científico e inventor, es el típico sabio distraído. Su desconexión con el mundo real junto con su sordera dan origen a numerosas situaciones cómicas. Aparece en El tesoro de Rackham el Rojo por primera vez y luego llega a ser otro de los grandes amigos de Tintín.
TCHANG : joven chino muy amigo de Tintín que aparece en El loto azul y en Tintín en el Tibet. Este personaje está inspirado en el gran amigo de Hergé, Tchang Tchong-Jen.
SERAFÍN LATÓN: agente de seguros pesadísimo y difícil de sacarse de encima, y que se cree muy gracioso.
El primer ejemplar, y polémico, fueTintín en el país de los soviets.
En 1929 nacían las primeras aventuras de este personaje creado por el dibujante belga Georges Remi (Hergé). Este había recibido el encargo de su jefe en el diario católico Le Vingtième Siècle, el abate Norbert Wallez, para que en el suplemento juvenil Le Petit Vingtième apareciera una historia que sirviera de propaganda antimarxista para los niños.
De esta manera, Hergé dio vida al joven periodista de tupé rubio que, en su primera aventura, viajaría a Moscú para hacer un reportaje sobre las políticas impartidas por Stalin en Rusia, lugar en el que tendrá que usar todo su ingenio para descubrir intenciones y secretos que guardaban los bolcheviques.
Pero lo que parecía una historieta más en las publicaciones de la revista se convirtió en algo que ni el propio dibujante hubiera soñado. Tintín y su fiel fox terrier Milú se convertían prácticamente en héroes nacionales y él sería el autor de referencia en el mundo del cómic.
Durante la Gran Depresión hubo dos corrientes fotográficas de gran calidad técnica que influirán en épocas posteriores. La llamada fotografía social comprometida, representada por Dorothea Lange y Walker Evans en Estados Unidos y en Europa, el británico Sir Cecil Beaton representa la fotografía artística, de estudio, que refleja el glamour, la elegancia y la sofisticación. Es el gran retratista de la nobleza, la aristocracia y de los artistas de la época.
Nació en Londres y ya desde niño sintió pasión por la fotografía. Con 11 años tuvo su primera cámara fotográfica. Beaton no se conformó solo con hacer fotografías: fue también ilustrador, pintor, interiorista y un afamado diseñador de vestuario para el teatro y el cine.
Elizabeth Taylor. actriz. Cecil Beaton.
Su trascendencia e influencia en la fotografía contemporánea, especialmente de retratos y de moda, ha sido profunda. Desde muy joven trabajó en revistas vinculadas al mundo de la moda como Vanity Fair and Vogue. Todos los retratos destacan por unos escenarios nada usuales, crea una atmósfera donde el protagonismo lo tiene el retratado y el diseño teatral (escenografía, vestuario). Beaton publicó su primera colección de fotos con el nombre de El libro de la Belleza (1930).
M Dietrich. Cecil BeatonMy Fair Lady. Audrey Hepburn. Foto Cecil Beaton. 1963Marlon Brando por Cecil Beaton. 1947
Su fama se acrecentó de tal manera que fue el fotógrafo de boda del Duque de Windsor y Wallis Simpson en 1937 y de la coronación de la reina Isabel II en 1953. Toda su vida fotografió a la alta sociedad de la época: reyes, aristócratas, artistas, como Picasso, celebridades (actores, actrices, modelos).
Picasso. Cecil BeatonIsabel II de Inglaterra. Cecil BeatonDalí y Gala fotografiados por Cecil Beaton en 1936
FOTÓGRAFO DE GUERRA
Bombardeos de la Alemania nazi sobre Reino Unido durante la II Guerra Mundial, particularmente entre los años 1940-41.
Eileen Dunne. 3 años. Beaton. Herida bombardeos 2ªG M
Durante la II Guerra Mundial realizó fotografías en Inglaterra, África y Oriente Próximo por encargo del Ministerio de Información Británico. De esas imágenes destaca la famosa foto de una niña de tres años llamada Eileen Dunne herida en un bombardeo (el Blitz de 1940). Fue portada de la revista Life. Para Cecil Beaton lass fotografías de la guerra fueron sus obras más importantes. Cambiaron su forma no solo de ver la fotografía sino la vida. Si las comparamos con las fotografías de compromiso social de Dorothy Lange o Walter Evans, podemos considerar que están a su altura, son obras de gran calidad técnica, artística y sensibilidad social.
La fotografía se convierte en uno de los documentos gráficos más valiosos para conocer el impacto social, la miseria y desesperanza que se extendió por todo EEUU durante la Gran Depresión. Los fotógrafos más representativos de esta corriente son Dorothea Lange y Walter Evans.
Ambos utilizan la fotografía como compromiso social. Su objetivo es informar de la realidad (fotoperiodismo), de la difícil situación de millones de personas. Lo hacen con retratos cargados de humanidad y con una técnica en blanco y negro, basada en la perfección y la belleza.
DOROTHEA LANGE. (1895-1965)
«La mirada emotiva ante la indiferencia»
Dorothea Lange es una de las más representativas y aclamadas fotógrafas del siglo XX. Con su fotoperiodismo documental dejó un gran legado tanto en la historia de la humanidad como en la historia de la fotografía.
Parte de sus proyectos fotográficos fueron encargos gubernamentales, ya que trabajó para la oficina de Administración de la Seguridad Agraria dependiente del New Deal de Roosevelt.
En sus fotografías utilizó técnicas innovadoras. Muestra con frecuencia composiciones en diagonal. Lo relevante de sus trabajos es que muestra como la fotografía documental puede ser un obra de arte que conmueve y a la vez muestra belleza. Ella se veía a si misma primero como periodista y en segundo término como artista, es decir, valoraba más el dar testimonio, el ser testigo de los sin voz, que en realizar obras artísticas.
Entre las fotografías más interesantes de Dorothea Lange podemos destacar las que realizó a las familias japonesas que vivían en Estados Unidos durante la II Guerra Mundial. Fueron internadas en campos de internamiento estadounidenses durante el conflicto bélico puesto que eran considerados enemigos, una amenaza para la seguridad nacional, aunque muchos fueran solo niños.
Familia migrante. Dorothea Lange, 1936, California
Estándares y porcentaje (10%)
Compara la obra fotográfica de los artistas comprometidos socialmente (Dorothea Lange y W. Evans), con la fotografía esteticista, de, por ejemplo, Cecil Beaton.
Analiza la importancia para el cine de la obra creativa de Walt Disney.
Analiza la importancia del cómic europeo, especialmente la obra de Hergé.
Analiza las claves sociológicas y personales de los superhéroes del cómic: «Superman», «Batman» y «Capitán América».
CONTEXTO HISTÓRICO. LA GRAN DEPRESIÓN DE LOS AÑOS 30.
Tras los Felices Años 20 surgió una nueva etapa denominada la Gran Depresión. El punto de partida tuvo lugar el 24 de octubre de 1929, el Jueves Negro: fue el crack de la Bolsa de Nueva York. Está considerada como la mayor crisis económica del capitalismo jamás conocida. Esta crisis es fruto de la especulación bursátil, del consumismo exacerbado, del endeudamiento de la inmensa mayoría de la población que vivía muy por encima de sus posibilidades e invertía alegremente en Bolsa, de la superproducción….
La burbuja especulativa de los locos años 20 tuvo un final dramático: se produjo la ruina de muchos inversores, grandes empresas, hombres de negocios, pequeños accionistas, que perdieron todos sus ahorros. Se cerraron cientos de empresas y bancos. Hubo algún que otro suicidio y el desempleo afectó a millones de ciudadanos, no solo de Nueva York, sino de Estados Unidos y del resto del mundo.
Ante esta situación, el nuevo presidente americano, Franklin D. Roosevelt crearía el New Deal ‐1933‐1938- un intento de reactivar la economía y solucionar la grave situación social de la población con la intervención del Estado en la economía. Roosevelt encarnó la voluntad de renacer de sus cenizas del pueblo estadounidense abatido por el desempleo, la desconfianza y el pesimismo con su pragmático programa de reformas, basado en las tres R: relief (asistencia social), recovery (recuperación), reform (reforma). Creó la Seguridad Social y ayudó con medidas sociales a las clases más desfavorecidas. Su lema era “a lo único que tenemos que tener miedo es a tener miedo”.
Por lo que se refiere a Europa, le afectó de lleno la recesión económica, cuando parecía que se estaba recuperando de las consecuencias de la Primera Guerra Mundial. La inestabilidad de las democracias europeas se acrecentó con los problemas económicos y por doquier comenzaron a surgir regímenes totalitarios: el fascismo con el Duce Mussolini en Italia y el nazismo con el Führer Hitler en Alemania. En la URSS, muere Lenin y le sucede Stalin que impone un régimen totalitario conocido como Estalinismo.
En el caso de España, recordemos que durante los años 30 se instauró la II República española –un intento democrático- que terminaría abruptamente con el golpe de estado del general Francisco Franco. Este levantamiento militar daría lugar a una cruenta guerra civil que dividió a España en dos. Culminaría con la victoria del bando sublevado y la instauración de una dictadura que se mantuvo en el poder hasta la muerte del general en 1975.
Culturalmente, en los años 30 continúan las vanguardias –como el Surrealismo- o el Art Déco. Pero muchos proyectos de vida artísticos y culturales se vieron truncados por la inestabilidad y crisis de la época y por el auge de los totalitarismos
• Intelectuales, científicos y artistas huyeron del nazismo, como por ejemplo Albert Einstein, Theodor W. Adorno, Bertolt Brecht o el pintor expresionista George Grosz.
• En Literatura destacan los ensayos que analiza el contexto histórico y preludia el existencialismo, como por ejemplo la obra de André Malraux o Louis Ferdinand Céline.
• Durante esta década surgen grandes héroes del cómic –desde el europeo Tintín hasta los americanos Superman, Batman o Capitán América;
• El cine vivió una década dorada en Hollywood con míticas películas protagonizadas por los hermanos Marx, Greta Garbo, Cary Grant, Ginger Rogers, Fred Astaire, etc. y clásicos del cine como “El mago de Oz” o “Lo que el viento se llevó”. Aparecen las primeras películas de animación: Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney y la industria se reorganizó en grandes estudios como Cinecittà en Roma (1937) o Cifesa en España (1934).
• Por lo que se refiere a la música, sigue triunfando el jazz y tienen un gran auge las Big Band americanas que llenaban de swing las pistas de baile (Benny Goodman, Glenn Miller, Duke Ellington, Tommy Dorsey, etc.).
• En la danza clásica triunfaba la compañía del Ballet de la Ópera de París de Serge Lifar (1905-1986), bailarín y coreógrafo ucraniano. Serge Lifar había comenzado como bailarín en los Ballets Rusos en 1923 sustituyendo a Nijinsky. Con Lifar, esa compañía parisina se convirtió en una de las mejores del mundo en su género.
Las vanguardias históricas, en el primer tercio del siglo XX, tienen en común la crítica a los valores estéticos dominantes y al propio concepto de arte, en un momento en que empezaba a existir “la experiencia de lo moderno”: la velocidad, los electrodomésticos, los objetos de consumo, etc.
Se entiende por cine de vanguardia o cine artístico el que se desarrolla, en las primeras décadas del siglo XX, totalmente al margen de la narrativa convencional y del espectáculo popular en que se situaba el cine. Pretenden convertir el cine en una obra de arte. Es un cine experimental que utiliza un nuevo lenguaje expresivo, mudo, en blanco y negro. Muchas de las obras que filmaron los directores de este periodo se consideran obras maestras de la Historia del Cine. Son obras de culto.
Pero dentro de este cine de vanguardia existen corrientes cinematográficas totalmente distintas.
La importancia para el cine de la obra creativa de Walt Disney.
Walter Disney fue artista, empresario, dibujante, animador, director, guionista y productor; está considerado como la figura esencial del cine de animación del siglo XX. Creó un imperio empresarial cinematográfico.
Nació en 1901 en Chicago (Illinois) en el seno de una familia de origen europeo. Estudió poco. Representa el ideal americano de hombre hecho a si mismo que triunfa gracias a su inteligencia y esfuerzo. La granja de sus abuelos en la que pasó largas temporadas en su infancia y la experiencia en la 1ª Guerra Mundial, marcaron su carácter. Disney era un enamorado de la cultura europea (su madre cada noche le contaba cuentos clásicos europeos), viajó a lo largo de su vida en numerosas ocasiones a este continente. Se rodeó de los mejores equipos de dibujantes, realizadores, técnicos, artistas, etc. muchos de ellos de origen europeo.
Sus creaciones son iconos de la cultura popular del siglo XX, y somos muchas generaciones las que hemos disfrutado de ellas. Estudió becado en el Kansas City Art Institut junto con Ub Iwerks, un excelente dibujante de animación y figura clave en su vida.
El personaje que le lanzó al estrellato fue Mickey Mouse. Con Mickey comenzó a realizar dibujos animados y sincronizó la imagen con sonido.
Blancanieves y los siete enanitos (1937). Walt Disney.
Blancanieves y los siete enanitos (1937). Fue el primer largometraje musical de animación en lengua inglesa,el 1º en utilizar Technicolor y una de las más taquilleras de toda la historia. Las influencias de esta película son variadas: la historia de Shakespeare; Romeo y Julieta (1936); el cine expresionista alemán (Nosferatu, 1922; el Gabinete del Doctor Caligari, 1919). De estas últimas es evidente sobre toda la escena en la que Blancanieves huye por el bosque y la Reina se transforma en una bruja. También se inspiró para esta escena en Dr. Jekyll y Mr. Hyde del año 1931. En 1993, Blancanieves y los siete enanitos se convirtió en la primera película en ser enteramente digitalizada, restaurada y regrabada como film. Disney recibió ocho Oscars por esta película, uno del tamaño habitual y siete en miniatura. Destacados directores de cine como Sergei Eisenstein y Charles Chaplin alabaron la película. Eisenstein la consideró la mejor película de la historia.
Pinocho (1940). Walt Disney
Disney siguió produciendo dibujos animados cortos pero también exitosas películas como Pinocho (1940), Dumbo (1941), y Bambi (1942). En los años 50, obtuvo grandes éxitos con La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), o Peter Pan (1953). La dama y el vagabundo (1955), La bella durmiente (1959), y 101 Dálmatas (1961).
La bella durmiente (1959), Walt Disney.
Rodó películas como la Isla del Tesoro y la película musical Mary Poppins en 1954 donde mezcla figuras reales con animadas, es su obra maestra.
Las películas de Walt Disney se caracterizan por:
La influencia del Arte, literatura y cuentos clásicos, cultura y cine europeo. Fuente de inspiración para las tramas, los personajes, la estética, los fondos arquitectónicos o paisajísticos. De hecho, Disney contrataba a los mejores animadores y dibujantes que tuvieran un gran bagaje cultural de las distintas épocas y estilos artísticos. Sus artistas iban al cine, al teatro, visitaban museos y exposiciones buscando inspiración para las películas. Admiraba a las personas cultas.
Los estilos arquitectónicos europeos. Algunos edificios de las películas de animación de Disney son iconos de un estilo o de una época, como por ejemplo, el castillo medieval de la Bella Durmiente o el de Blancanieves y los siete Guardan muchas similitudes con el castillo neogótico Neuschwanstein de Luis II de Baviera (siglo XIX).
EL CASTILLO DE BLANCANIEVES ES EL ALCÁZAR DE SEGOVIA
Happy End. Un final feliz, aunque en algunas ellas haya hechos dramáticos como la muerte de la madre de Bambi.
Las películas Disney suelen ser films con mensajes positivos que apuestan por valores como la amistad, la naturaleza o hacer el bien a los demás.
Los recuerdos de la infancia contienen muchas de las claves de sus películas.
En ellas es habitual la antropomorfización y humanización de los animales y de las plantas, que hablan, bailan, cantan e interactúan con los seres
La pasión por la naturaleza le viene a Disney de sus recuerdos en la granja de Missouri donde vivió de pequeño.
Muchos de sus personajes utilizan guantes blancos: Mickey Mouse, Goofy, Peter Pete, Jiminy
APORTACIONES DE DISNEY AL CINE DE ANIMACIÓN
Las películas de Disney siempre han ido a la vanguardia en lo que se refiere a la tecnología del cine de animación. Algunos de sus hitos:
Interacción de actores reales con dibujos animados: Cortos conocidos como Alice Comedies (1923) o Mary Popins
Sincronización de imagen y sonido en animación. En 1928 Disney estrenó el revolucionario Steamboat Willie, primera película de animación con sonido protagonizada por Mickey Mouse
El primero en utilizar el Technicolor.
Hizo el primer largometraje. También en Blancanieves se presentó la cámara multiplano, realiza la primera película comercial, usó sonido estereofónico multicanal, fue el primero en usar a actores reales y compartir escena con dibujos animados.
Innovación en el uso de Xerografía:101 Dálmatas introdujo un nuevo proceso de Xerografía, para transferir dibujos directamente a celuloide, eliminando el proceso de
Animación por ordenador Tron es una película insólita, esencial para entender el cine de animación actual: con ella, John Lasseter comenzó a testear las posibilidades de un corto con fondos Fue despedido después de una reunión en la que intentó convencer a sus jefes de la conveniencia de producirlo. De ahí a Lucasfilm Computer Graphics y a Pixar desarrollaron la animación por ordenador con hitos como Toy Story, Monstruos SA o Cars. El círculo se completó cuando en abril de 2006, Disney compró Pixar y Lasseter pasó a ser director creativo de Pixar y Walt Disney Animation Studios. CAPS (Computer Animation Production System) CAPS era una colección de programas, sistemas de escaneado, servidores, ordenadores en red y estaciones de trabajo dedicadas que desarrollaron Disney y Pixar a finales de los ochenta. Este sistema eliminó la necesidad de celuloide, cámara multiplano y efectos especiales tradicionales, computarizando el proceso de entintado y coloreado, entre otros detalles de postproducción. Paradójicamente, el sistema solo se empleó en un plano de La Sirenita. La Sirenita supuso, así, la última película de la productora que incluyó en su metraje animación clásica en celuloide.
Evento a celebrar entre el 4 al 10 de marzo de 2019 en Sevilla que engloba diversas actividades relacionadas con la historia, el patrimonio, la cultura y la ciudadanía.
Fundamentos del Arte II 