Pilar Miró. Cineasta

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Pilar Miró. Cineasta

“No es fácil para una mujer, hacerse un sitio en un mundo de hombres”

Directora de cine y teatro. Realizadora de televisión. Fue también directora general de RTVE (Radio Televisión Española) y miembro del Consejo Internacional de la Academia de la Televisión, Artes y Ciencias.” España es cultura

BIOGRAFÍA Y TRAYECTORIA PROFESIONAL

 Pilar Miró (Madrid 1940-1997). Mujer de carácter férreo, controvertida y de frágil salud, nació en la España de posguerra, en una familia de padre franquista. Estudió Derecho, algo que  en esa época se consideraba para chicos, Periodismo  y también se graduó en la Escuela Oficial de Cine como guionista, donde también fue profesora. En los años 60, empezó su carrera en TVE desempeñando distintos trabajos como ayudante de redacción y a mediados de los 70 como la primera mujer realizadora, introduciendo valores democráticos y progresistas.

LOS INICIOS: UN PILAR EN EL CINE DE TRANSICIÓN DE LOS AÑOS 70 
De la pequeña pantalla saltó al mundo del cine, escribiendo y dirigiendo algunas de las películas más importantes de la Transición.

La Petición, 1976. Primera película de Pilar Miró. Se presentó al Festival de Teherán.  Adaptación del relato de Émile Zola “Por una noche de amor”. Aunque no es una de sus mejores películas, debemos destacar el atrevimiento al tratar un tema hasta ahora censurado, el erotismo a través de una mujer, Teresa, interpretado  por Ana Belén. Sirve como ejemplo de censura  del Tardofranquismo (unas 20 escenas fueron cortadas).

En una entrevista a El País dijo ” Intenté reflexionar sobre la educación de la infancia, una forma de educación que todos hemos soportado y padecido,  en la que, paradójicamente, todo lo que desearíamos hacer está prohibido”

El crimen de Cuenca, 1979. Única película prohibida de la Democracia

Basada en hechos reales,  acaecidos entre los pueblos conquenses de Tresjuncos y Osa de la Vega, cuando en 1910 dos hombres inocentes fueron injustamente acusados del robo y asesinato de un tercero, que había desaparecido ocho años antes sin dejar rastro.  Pasó a la historia como uno de los mayores errores judiciales y fue utilizado por la prensa de la época para cuestionar el sistema, el jurado popular y los métodos de la Guardia Civil.

Escena de torturas en 'El crimen de Cuenca'

Fue la única película prohibida durante la democracia. Se estrenó con gran éxito en 1981 después de que la cinta fuera secuestrada por la autoridad militar, y su directora, objeto de un proceso también militar. Refleja y denuncia  la leyenda negra de España, la crudeza del mundo rural que ya Carlos Saura, Mario Camus o Luis Buñuel habían plasmado.

Con un ritmo vertiginoso, absolutamente innovador para la época, y un reparto hoy envidiable, ‘ El crimen de Cuenca’ no es solamente el retrato de un suceso ocurrido hace casi un siglo, sino la fotografía áspera y rugosa de un trozo de nuestro país sumido en la miseria, en cortijos, caciques, mujeres de negro y sirvientes, donde las rencillas entre pueblos, los resultados electorales y la política hicieron de estos hechos algo más que un titular.

Las torturas a las que fueron sometidos los dos reos por parte de la Guardia Civil hasta conseguir que ambos firmaran una confesión falsa, fueron entonces, y siguen siendo hoy, muy difíciles de contemplar y asimilar. Los planos-detalle de Miró, primero oscurecidos, y luego tan transparentes como si fuéramos nosotros los propios verdugos, arrojaron luz sobre una cuestión espinosa e intocable en España, con la que la directora no tuvo ninguna piedad, y que hizo que una copia de la película fuera retenida 1980 por el entonces ministro de Cultura, Ricardo de la Cierva, y puesta a disposición militar bajo el Gobierno de Adolfo Suárez. Dos años más tarde, tras el famoso 23-F, se sobreseyó el proceso y El crimen de Cuenca salió del secuestro que había padecido.

Gary Cooper que estás en los cielos. 1980.  Tercera película Con tintes autobiográficos. Historia de Nuestro Cine RTV

DIRECTORA GENERAL DE CINEMATOGRAFÍA (1982-1986) Y DE RTVE (1986-1989)

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1982, el PSOE gana por primera vez las elecciones generales. Felipe González nombra a Pilar Miró directora general de la Dirección General de Cinematografía (1982-1986) para preparar al cine español para la entrada del país en la CEE.
“La gestión de Pilar Miró tuvo entusiastas y detractores alrededor de sus nuevas medidas proteccionistas“
Elaboró una nueva ley cinematográfica, conocida como ley Miró, que pretendió relanzar el cine de calidad, darlo a conocer internacionalmente y modernizar las pautas para dar subvenciones a directores y productores.
Poco después, aceptó la Dirección General de RTVE (1986-1989) y renovó la televisión preparándola para competir con las futuras emisoras privadas. Bajo este cargo se enfrentó a un proceso por malversación de fondos públicos. Dimitió en 1989. Miró fue tachada de corrupta; la compra de vestuario personal a cargo del Ente RTVE. Todo ello desembocó en un juicio del que salió absuelta tres años más tarde.

Éxito y enfermedad (1989-1997)

Beltenebros, 1991. Adaptación de la novela de Antonio Muñoz Molina rodada en inglés e interpretada por Terence Stamp y que le valió un Oso de Plata en el Festival de Berlín. En la película habla del perdón y la manipulación de militantes de partidos políticos.

El Perro del Hortelano. 1996. Comedia de enredo. Ambientada en el siglo de Oro

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Adaptación de la obra en verso de Lope de Vega.  El Perro del Hortelano la colmó de reconocimiento y éxito. Obtuvo 7 premios Goyas: Dirección, mejor actriz protagonista Emma Suárez, mejor guión adaptado, mejor fotografía,  dirección artística, vestuario, maquillaje y peluquería. Fue su última película.

https://youtu.be/uBDc-B216CU
Acometió aún dos grandes proyectos: Tu nombre envenena mis sueños y su segunda boda real, la de Cristina de Borbón en 1997, quince días antes de que falleciera de un fulminante ataque al corazón.

CONCLUSIÓN

Con nueve largometrajes en veinte años de trayectoria cinematográfica y casi doscientas realizaciones para televisión, aparte de varios montajes de teatro y ópera, Pilar Miró (1940-1997) es una figura clave en la historia del cine español. Su paso por las Direcciones Generales de Cinematografía y de Radiotelevisión Española, en los años ochenta, será recordado siempre, más que por las polémicas que pudo suscitar, por el impulso que desde ambas intentó dar a la producción y difusión de un cine de calidad, no pensado exclusivamente de cara a la taquilla.

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Florine Stettheimer. Pintora norteamericana. Del vitalismo de los años 20 a la nostalgia de los 30

 

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Florine Stettheimer (1871-1944)

Nació en Nueva York, en una familia rica de origen judío alemán. Su madre la  educa junto a sus hermanas (conocidas como “Las Stetties”) en un ambiente liberal y elitista. La posición económica desahogada le permitió dedicarse a la pintura. Pasó su juventud en Europa y cuando en 1914 estalló la I Guerra Mundial volvió a su país natal. Amiga de la intelectualidad de la época organizó en la vivienda familiar, en Manhattan, reuniones a las que acudían figuras del modernismo estadounidense como la pintora Georgia O’Keeffe,  Marcel Duchamp, Henry McBride, Carl Van Vechten, etc. Mujer polifacética, diseñadora, poeta, liberal y modernista. Pudo vivir para el arte.

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Las Stetties”. Familia. Florine Stettheimer
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Escena familiar. 1919. Florine Stettheimer

 

Una modelo, primer autorretrato desnudo de la historia del arte.
Florine Stettheimer, la mujer que pintó el primer autorretrato desnuda

  • Desarrolló un estilo único, para unos modernista, para otros simbolista o Naïf, para Warhol fue la antecesora del  pop art.
  • Técnica: utiliza una paleta de colores luminosos, vibrantes y contrastados con riqueza de detalles y  fuerte poder narrativo. Figuras alargadas, fondos de colores claros azulados y blanquecinos)
  • Temática. Pinta escenas de fiestas, espectáculos, soleados días de picnic, concursos de belleza, rascacielos…Sus cuadros daban testimonio de un nuevo tipo femenino poderoso y autónomo. Las obras reflejan un mundo androgino, humor y sensualidad.
  • Despreocupación por la belleza.
  • Contexto. Las escenas representaron primero el vitalismo de los años veinte, después, con el crack bursátil de 1929 y la posterior Gran Depresión introdujo en sus obras elementos de una irónica nostalgia.
  • Influencias. Admiró a Goya,  la Maja desnuda le causó tal impresión que lo utilizó como inspiración para realizar un autorretrato suyo totalmente desnuda, A Model (1915-16), el primero del que hay constancia en la historia del arte.
  • Siempre fue una artista de artistas aunque nunca alcanzó la fama. Admirada por Marcel Duchamp (organiza una exposición en el MOMA en su honor), Warhol quien la veneraba y la consideraba su maestra, O’Keeffe o Picabia.
  • Consideraba que la pintura era una actividad privada. Sólo expuso una vez, y el resultado fue un total fracaso: no vendió un solo cuadro. Se prometió a sí misma que nunca más volvería a ocurrir, y desde entonces prácticamente sólo mostró sus obras, salvo muy contadas excepciones, en las reuniones sociales de su apartamento, una de sus principales fuentes de inspiración.
  • El mundo del arte la marginó en buena parte por no plegarse a exigencias comerciales,  el público masivo pasaba por alto.
  • El reconocimiento llega a partir de los años 60 en Estados Unidos.
  • Artista polifacética:  se dedicó a la escenografía (teatro, ballet), diseñaba sus propios muebles, escribía poemas, etc.

OBRAS

Retrata el ambiente de los Felices Años 20 de la alta sociedad norteamericana

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La catedral de la V Avenida.Florine Stettheimer
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‘Asbury Park South’, 1920. Óleo. Florine Stettheimer.

Con su fino sentido del humor retrata los lugares donde transcurre la vida de las élites: las tiendas de lujo, lo que ella llama las “catedrales” (Wall Street, la Quinta Avenida, Broadway), y con su estilo aparentemente infantil da un bofetón a la corrección social desplazándose en Asbury Park South a la parte de la playa reservada para los afroamericanos, donde sitúa una inexistente fiesta de integración en la que flappers blancas y negras bailan y festejan mientras las aristócratas burguesas las contemplan bajo las sombrillas que protegen sus delicados cutis.

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1933 ‘Retrato de familia II’, óleo de Florine Stettheimer

Florine Stettheimer, se retrata en Family Portrait II con su masculina ropa de faena complementada con llamativos zapatos rojos de tacón.

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Studio Party. Florine Stettheimer.

Se atreve  con juegos meta-artísticos como en Studio Party, donde su autorretrato desnuda cuelga en una pared de su salón, sin que los invitados presentes (siempre nombres indispensables de la vida artística como Marcel Duchamp, Francis Picabia o Georgia O’Keeffe, críticos de arte o excéntricos, en un ambiente de absoluta liberalidad sexual) le presten atención, como si no comprendieran su importancia, mientras ella se parodia a sí misma repitiendo la misma postura ante el cuadro.

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Picnic. Florine Stettheimer

Compuso el libreto de “Orphée of the Quat-z-arts or the Revelers of the 4 Arts Ball”, un ballet inspirado en el baile anual que se organizaba por los cuatro gremios de artistas en París. El ballet nunca se representó, pero el libreto de Stettheimer se publicó por primera vez en su totalidad en la reedición de Crystal Flowers en 2010. (Blog Trianart)

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Procesión. Florine Stettheimer

 

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Ariadne. Florine Stettheimer

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Enlaces y fuentes consultadas

 

Lilly Reich. Diseñadora y arquitecta a la sombra de Mies Van Der Rohe.

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Villa Tugendhat, por Mies van der Rohe y Lilly Reich

Lilly Reich es claramente una de las impulsoras del diseño racional en el siglo XX, mucho más que una humilde colaboradora de un diseñador estrella. Una de las pocas profesoras de la Bahaus.

Albert Pfeiffer, vicepresidente de diseño y dirección de la empresa de mobiliario Knoll e investigador de la obra de Lilly Reich: “ (…) se está convirtiendo en más que una coincidencia que la involucración y éxito de Mies en el diseño de exposiciones comience al mismo tiempo que su relación personal con Reich. Es interesante resaltar que Mies no ha desarrollado ningún mueble moderno de manera exitosa ni antes ni después de su colaboración con Reich (…)”.

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La creatividad al servicio de la máxima eficiencia y el mínimo mantenimiento

Lilly Reich (1885-1947) es una de las diseñadoras más importantes de la primera mitad del siglo XX. Su labor fue amplia: interiorismo, mobiliario, arquitectura, diseño textil… Pero como otras diseñadoras de su época (sería el mismo caso de Charlotte Perriand), en las historias del diseño queda oscurecidas por el diseñador con el que trabajó: Mies Van Der Rohe. Seguir leyendo LILLY REICH, IMPULSORA DEL DISEÑO RACIONAL EN EL SIGLO XX

Tras empezar su carrera en el mundo del diseño de moda, pronto se pasó al mobiliario y, antes de cumplir los treinta, ya tenía su propio estudio. En 1924, conoció a Mies van der Rohe, con quien formaría pareja profesional durante más de diez años, una aventura que dio como resultado más conocido las piezas de la colección Barcelona (además de la silla, hay un diván, una otomana y una mesa). Durante la Segunda Guerra Mundial, ella fue la encargada de conservar a las afueras de Berlín la colección de dibujos de Mies van der Rohe, que hoy se exponen en el MoMA.

Mies van der Rohe no diseñó solo la silla Barcelona, pero el nombre de Lilly Reich ha caído en el olvido
Silla Barcelona. Pabellón alemán en Barcelona. Lilly Reich y  Van Der Rohe

La silla Barcelona es una de las piezas de mobiliario más icónicas de las últimas décadas. Diseñada en el año 1929 para el pabellón alemán de la Exposición Internacional de Barcelona, se ha convertido en una de las obras más conocidas del arquitecto y diseñador Mies van der Rohe. Pero lo que mucha gente no sabe es que la silla Barcelona no es obra de Mies van der Rohe. No solo. En realidad, la autoría es suya y de Lilly Reich, su socia y una de las pocas figuras femeninas que formó parte del movimiento de la Bauhaus.

 

Referencias

La mujer construye. Arquitectas españolas

 

Cibercentro Macarena, Sevilla, Marta Pelegrín
arquitectura_Elsa Urquijo Architects_Centro Social Padre Rubinos
Elsa Urquijo
Centro infantil de día. Baviera. Arancha Ozatea

 

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Benedetta Tagliabue

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Enlaces:

Isabel Muñoz. Una gran fotógrafa

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Premio Nacional de Fotografía 2016. Es una de las fotógrafas con más prestigio internacional.

Serie Mevleví, 2009 © Isabel Muñoz

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Isabel Muñoz, nacida en Barcelona en 1951 y afincada en Madrid desde 1970, es una fotógrafa que ha sabido destacar dentro de la diversidad de propuestas que caracterizan el panorama fotográfico español contemporáneo. Sus señas de identidad son

  • Técnica de la platinotipia:  Con esta técnica obtiene copias monocromas por contacto con materiales sensibilizados con sales de platino y hierro, tras un revelado con oxalato. Es un trabajo casi artesanal, pictórico. Consigue gran nitidez, precisión y diafanidad.
  • Fotos de gran formato con el objetivo de reforzar su discurso.
  • Perfecto dominio de las imágenes en blanco y negro.
  • Pasión por el cuerpo como forma de aproximación al estudio del ser humano. Una pasión que aparece desde sus primeras series, Tango y Flamenco (1989). Los cuerpos parecen esculturas a las que apetece tocar.
  • Pasión por la diversidad de culturas que ha fotografiado en sus múltiples viajes, en las que busca capturar con su cámara la belleza del cuerpo humano, abarcando desde sus bailes y luchas tradicionales hasta ciertas realidades y problemáticas.
  • Sus señas de identidad son perfección técnica, diversidad cultural, compromiso con los problemas actuales y belleza.

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Su primera exposición, Toques, realizada en octubre de 1986 en el Instituto Francés de Madrid, y su participación en el Mes de la Fotografía de París en noviembre de 1990, marcan profundamente un antes y un después en su trayectoria profesional al suponer su lanzamiento nacional e internacional. Estas exposiciones estarán sucedidas por otras muchas, tanto individuales como colectivas, a lo largo de las cuales Muñoz se irá consagrando como una gran fotógrafa de resonancia internacional.

El reconocimiento a su trabajo a través de distintos premios y menciones entre los que destaca premio de fotografía de la Comunidad de Madrid en 2006, el Premio Bartolomé Ros a toda su carrera en PHotoEspaña 2009, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2009 y la obtención en dos ocasiones del World Press Photo, así como también el Premio Nacional UNICEF España 2010 a la Sensibilización y Movilización Social, Fundación DEARTE 2012 y Premio Nacional de Fotografía 2016, Ministerio de Educación Cultura y Deporte.

Un reconocimiento profesional igualmente materializado por la presencia de su obra en distintas colecciones tanto nacionales como internacionales, entre las cuales cabría señalar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Foto Colectania de Barcelona, Fundación Canal de Madrid, Maison Européenne de la Photographie de París y New Museum of Contemporary Art de Nueva York.

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ISB 136 CT 024 001
El imperio de los sentidos. Isabel Muñoz
Serie Omo River. Isabel Muñoz

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Serie Barroco. Isabel Muñoz

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Web de interés

Remedios Varo (1908-1963). Pintora Surrealista. Sus cuadros parecen novelas.

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Pintora hispanomejicana, casi desconocida en España, se exilió a México y allí llegó a la madurez creativa. Sus obras están llenas de magia, fantasía, de rasgos autobiográficos, de símbolos, alegorías que llevan a múltiples interpretaciones, tienen un fuerte poder narrativo; se formó en las vanguardias parisinas, recibió influencias de las miniaturas, el mundo clásico, el geometrismo, el psicoanálisis, El Bosco, el Greco, Goya, la cultura mejicana, etc. Donó sus obras al Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Murió muy joven, a los 54 años, en pleno éxito. Destaca el carácter narrativo, su actualidad.

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En los años diez del siglo pasado, una niña de ojos almendrados, de gato, y mirada inquisitiva admira con curiosidad un manuscrito miniado en el cual se relata la historia de la familia. Le fascina la época medieval, dicen, las visiones de Hildegarda de Bingen –la artista y erudita del siglo XI–, los dibujos de la pintora Ende del Beato de la catedral de Girona… Allí, en Anglés, nace Remedios Varo por casualidad el 16 de diciembre de 1908 –su padre, ingeniero, está destinado en Cataluña–. Sigue leyendo Remedios Varo, la moderna visionaria (reportaje en El País).

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Significado de las 5 obras más enigmáticas de Remedios Varo

Para ver sus obras https://culturacolectiva.com/letras/frases-de-remedios-varo/

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Sofonisba Anguissola. Pintora renacentista

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Sofonisba Anguissola

Sofonisba Anguissola tuvo enorme éxito durante el Renacimiento, hecho extraño al ser mujer. La fama reside en su calidad, en la completísima educación que su padre les dio a ella y a sus hermanas y en el auge cultural de la ciudad de Cremona. Admirada por Miguel Ángel, S. Coello, Tintoreto y Van Dyck. Trabajó en la corte española de Felipe II. Tras su muerte, no sólo fue ignorada sino que muchas de sus obras fueron adjudicadas a otros pintores como Coello o el Greco. Después de cuatro siglos, Sofonisba Anguissola ha recuperado su sitio en la Hª del Arte. Durante mucho tiempo ha sido la única pintora del Museo del Prado. Tuvo otra hermana pintora, Lucía Anguisola, de la que solo hay dos obras firmadas.

Datos biográficos (destaca su longevidad y altura)

Nació en el seno de una familia noble en 1530, Cremona y murió en 1626 en Palermo, Italia. Junto a sus hermanas recibió una  educación en las artes plásticas (dibujo, pintura, etc.). Se formó en el taller de Gatti donde la descubre Giorgio Vasari -pintor, arquitecto, escritor italiano conocido como el primer historiador de Arte-. Se da cuenta de la calidad de la pintora y dice de ella:

Anguissola ha mostrado su mayor aplicación y mejor gracia que cualquier otra mujer de nuestro tiempo en sus empeños por dibujar; por eso ha triunfado no sólo dibujando, coloreando y pintando de la naturaleza, y copiando excelentemente de otros, sino por ella misma que ha creado excelentes y muy bellas pinturas.

 Sofonisba se especializa en retratos:

  • Los protagonistas posan de manera informal, realizando tareas domésticas, leyendo, tocando algún instrumento (por el tipo de objetos que aparecen podemos saber el rango social de los retratados).
  • Destaca el estudio psicológico de sus modelos, deja constancia de su personalidad.
  • Una de sus señas de identidad es el juego de miradas de sus personajes (nunca se cruzan) como vemos en la Partida de ajedrez.
  • Los autorretratos son numerosos y a través de ellos podemos estudiar el paso del tiempo.
  • Utiliza tonos y contornos suaves.
  • Los objetos que pinta se caracterizan por el detallismo y veracidad.
  • Estuvo dos años bajo la protección de Miguel Ángel.
  • Por ser mujer no pudo realizar estudios de anatomía ni pintar en el experior. Todos son pinturas de estudio

A los 27 años, de la mano del Duque de Alba, llega a la corte española de Felipe II (1559 a 1573) como maestra de pintura y dama de compañía de la nueva reina, Isabel de Valois. A la muerte de la reina se encargó de la educación de las infantas: Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela. El monarca admiraba la obra de la pintora, le encargó varios trabajos, convirtiéndose por entonces en profesora de pintura y retratista de la corte. De esta época son los retratos de Felipe II (durante mucho tiempo atribuido a Sánchez Coello), Las infantas Isabel Clara y Catalina.

Felipe II. Sofonisba Anguissola. Museo del Prado
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Las infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina. Sofonisba Anguissola

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 Isabel de Valois, 3ª esposa de Felipe II. Sofonisba Anguisola

Tras abandonar la corte española, casó y enviudó en varias ocasiones estableciendo su residencia en Sicilia, Génova y finalmente en Palermo.

Es allí donde tenemos las últimas noticias de ella,  el pintor Antonio Van Dyck pudo verla a la edad de 93 años y según nos cuenta seguía siendo una mujer activa.

Los investigadores e historiadores del Arte consideran que algunas obras  atribuidas a otros artistas  tienen muchas posibilidades de pertenecer a  Sofonisba Anguissola

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Partida de ajedrez- Sofonisba Anguissola. Una de sus primeras obras

LOS AUTORRETRATOS DE SOFONISBA ANGUISSOLA

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Autorretrato. Sofonisba Anguisola. 

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