Henry Moore pasión por Rodin. Analiza y compara las obras escultóricas

 

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Los burgueses de Calais. Bronce. Rodin.
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Vertebrae. Henry Moore

Consulta los enlaces para realizar el comentario:

 

 

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Tarsila do Amaral. Pintora modernista brasileña

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Autorretrato. Tarsila do Amaral

El Museo de Arte Moderno de Nueva York, (MOMA) realiza una retrospectiva de la  brasileña Tarsila do Amaral (1886- 1973). Acceso a la exposición del MOMA

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Abaporu. Tarsila do Amaral. Símbolo del Movimiento Antropofágico

Tasilado Amaral 1886 -1973, nace en  São Paulo, Brasil, pertenece a una familia adinerada. Desde muy joven siente interés por el mundo del arte, estudia en Barcelona y Resultado de imagen de tarsila do amaralParís, donde la artista vivió en los años veinte y estudió en la famosa escuela internacional Académie Julian. En Europa entra en contacto con las vanguardias. Hecho que le influirá para crear un estilo donde fusiona las ideas del arte moderno con la estética indígena de su país.

Regresa a Brasil para la Semana de Arte Moderna de 1922. En 1928 forma parte del grupo artístico “Los Cinco” o Movimiento Antropofágico, uno de ellos, Oswald Andrade será su marido, realiza el manifiesto. La obra

Los antropófagos, son capaces de transformar, al digerirse, todo aquello considerado como un modelo copiado de Europa, para así obtener la creación y el resultado de un modelo único y autónomo en el arte brasileño. Existen dos situaciones hostiles entre la cultura primitiva y la heredada de Europa, ambas indispensables en la construcción cultural de Brasil. 

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Dos viajes marcarán su obra: el de las ciudades históricas de Minas Gerais (Brasil), de este viaje surge el período Pau Brasil de Tarsila y el de Rusia que influirá notablemente en su obra tomando un impulso de carácter social. Ejemplo de esta nueva etapa son Operarios (1933) y Segunda classe (1933)

Se convierte en la mejor representante del Modernismo, Los críticos la consideran una de las pintoras más importantes de su país y por extensión, de toda América Latina.

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El pescador. Tarsila do Amaral

La obra de la pintora se caracteriza por

  • La evolución de su lenguaje visual
  • La influencia del cubismo (Picasso, Léger), surrealismo y modernismo que aprendió en París.
  • El reflejo de la cultura  y tradición brasileña:
    • Símbolos  del folclore y la mitología popular
    • Realismo mágico.
    • La inspiración en las  leyendas y cuentos brasileños
    • la espiritualidad Amazónica
    • El carnaval.
    • La exuberancia de la vegetación
    • Seres fantásticos
    • El mundo de los sueños
  • Desde un punto de vista técnico, destaca:
    • Paleta de colores vivos.
    • La luminosidad.
    • Líneas curvas, cerradas.
    • Perspectivas altas.
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La Cuca. Tarsila do Amaral

La Cuca es una de sus obras más famosas que concentra las características propias de la artista: paleta de colores vivos,  predominio de líneas curvas, los símbolos al folclore brasileño: la Cuca o bicho que asusta a los niños, seres mitológicos del pueblo, la vegetación exuberante, las continuas referencias al mundo animal, la influencia del cubismo, el toque naif o infantil y el realismo mágico.

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Vendedor de Frutas. Tarsila do Amaral
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Paisaje Antropfágico. Tarsila do Amaral

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En A Negra, retrata una mujer negra imaginaria, extraída de las leyendas del país: labios y brazos enormes, mirada estática y  grandes pechos  A sus espaldas, unas formas abstractas que se convertirían en la norma del arte brasileño a partir de la década de los años cuarenta.

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Operarios. Tarsila do Amaral.

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Fuentes

 

 

 

#ysonmujeres. Día Internacional de la Mujer. IES San Jerónimo

 

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Proyecto Evaluable. #ysonmujeres

Para conmemorar el Día Internacional de la Mujer proponemos una actividad para toda la Comunidad Educativa del IES San Jerónimo que ayude a reflexionar sobre “la igualdad legal y la igualdad real”, sobre “el techo de cristal”. El resultado final se expondrá en las zonas comunes del Instituto y en las redes sociales.

Consiste en realizar un breve trabajo sobre mujeres actuales que destaquen en todos los ámbitos (Derechos Humanos, Deporte, Política, Matemáticas, Física, Química, Medicina, Judicatura, Tecnología, Biología, Filosofía, Traducción, Literatura, Música, Artes, Historia, Investigación, Pedagogía, Geografía, Cine, empresarias y un largo etc.).

Lo elaborarán el alumnado de Ciudadanía, Valores Éticos, Hª del Mundo Contemporáneo, Religión y Ciclos de FP.
Pautas
De la lista entregada por los departamentos se repartirán de 8 a 10 nombres de mujer por clase.
Del 12 al 23 de febrero, los alumnos organizados por grupos realizarán una breve biografía de las mujeres elegidas con los datos más destacados.
La documentación seleccionada se pasa a ordenador siguiendo el formato y maqueta que está en los siguientes enlaces. Cada biografía llevará el nombre de los alumnos que lo han elaborado y el curso.

  • El modelo a seguir (pincha este enlace)
  • Maqueta (enlace). Descarga y trabaja sobre el formato

El 24 de febrero se envía al profesorado una vez revisado
Durante el 6 y 7 de marzo montamos la exposición con el lema…#ysonmujeres #sanjeronimomujeres18.
La exposición se podrá visitar hasta el 23 de febrero, en tutorías, en las asignaturas de Ciudadanía, Valores Éticos, Religión y/o con los profesores que quieran trabajar la transversalidad. Entregaremos una ficha.

LA MISMA ACTIVIDAD EN LAS REDES SOCIALES (Twitter/ Instagram)

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Funcionamiento:
  • Tenéis que mandar un mensaje al Twitter de la profesora  @_anacob (para preservar vuestra intimidad, podéis abriros una cuenta para trabajar en el proyecto) para que os identifique.
  • Tarea (del 9 de febrero al 8 de marzo) todos tenéis que escribir cada semana, como mínimo tres tuits

Sobre una mujer famosa, Ejemplo

María Blasco científica española especializada en biología molecular y oncología dirige el Centro Nacional de Investigaciones Oncológicas de España.
Retuiteando una noticia:
Aurora Egido, Filóloga y Catedrática de Literatura Española primera secretaria de la RAE después de tres siglos.
  • Invitando a otras tres personas y que participen en la actividad
  • Dando a me gusta a otros Tuits que aparezcan en Twitter deo Instituto
  • En Instagram, realizáis la misma operación

Artemisia Gentileschi. Pintora barroca

 

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Artemisia Gentileschi. Autoretrato

Sus obras demuestran que fue una gran artista. Muy admirada por los compañeros de la época. Tuvo una vida complicada, fue violada por su maestro y humillada en un juicio por esta causa. Hecho que le marcó su vida y que plasma en su obra. Luchó por buscarse un sitio en un mundo misógino. Merece la pena conocer su obra y reivindicar su sitio en la Historia del Arte.

Artemisia Gentileschi, 1593 – 1654. Pintora italiana del Barroco. Aprende el oficio en el taller de su padre, Orazio Gentileschi. Por ser mujer no puede matricularse en la Escuela de Bellas Artes, su padre le lleva al taller del pintor Agostino Tassi para que le enseñase perspectiva.

Tassi violó a Artemisia, intentó calmarle con promesas de matrimonio que no se cumplieron porque estaba casado. Orazio, padre de Artemisa, le denuncia en el Tribunal Papal. El proceso, que duró siete meses, fue humillante y traumático. Artemisia relató con crudeza los hechos de su violación -testimonio que se conserva en los registros de la época-, fue sometida a exámenes ginecológicos y se le aplicaron instrumentos de tortura en los dedos para comprobar la veracidad de su relato.  En el juicio se pudo comprobar también que Tassi intentó asesinar a su esposa, a quien consiguió por violación, cometió incesto con su cuñada y quiso robar unas pinturas de Orazio, y por todo esto fue condenado a un año de prisión y el exilio de los Estados Pontificios. Para restablecer su honra, Artemisia contrajo matrimonio con un modesto pintor, Piero Antonio Stiattesi, un mes después del juicio. Marcha a Florencia, después a Venecia, lugar donde es admirada por su valía, también estuvo en la corte de Londres, volvió a Roma, también a Génova y por último a Nápoles donde estará el resto de su vida.

Posteriormente, en su obra “Judith decapitando a Holofernes” (1612-1613), se dice que la artista reflejó su sufrimiento emocional en el gesto casi placentero y de intensa determinación de Judith al realizar este acto.  La obra recoge toda la furia, el enojo y el deseo de venganza.

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Judith decapitando a Holofernes. A. Gentileschi. Galería Ufizzi

Técnicamente pertenece a la escuela de Caravaggio, aplica un claroscuro más acentuado y dramático. Unas tonalidades contundentes. Destaca por sus retratos y escenas con heroínas bíblicas. Tenía predilección por las obras de gran tamaño, lo que era poco habitual ya que el mercado compraba a las (pocas) mujeres, obras pequeñas para estancias como cocinas o cuartos de estar de mujeres; otro rasgo curioso es su absoluta devoción por representar a grandes heroínas bíblicas, siempre mujeres, como Susana, Judith, Lucrecia o Esther, y la forma en que lo hacía

Se convierte en pintora de la corte y es la primera mujer en ingresar en la Academia del Diseño de Florencia. Sus obras son de altísima calidad. Así lo reconocieron sus compañeros.

La profesora Patricia Mayayo recoge en su libro “Historias de mujeres, historias del arte” cómo el estilo pictórico de Gentileschi “descolocó” a los historiadores del arte, al no corresponderse con ninguno de los estereotipos asociados tradicionalmente al “arte femenino” (delicadeza, elegancia, blandura, debilidad…).

Este discurso hegemónico en la historia del arte, masculino y dominante, incapaz de clasificar su estilo como “arte femenino” utilizó dos estrategias para desprestigiarla: calificando a Gentileschi de “pintora mujer” (desde un punto de vista peyorativo) y calificándola de “mujer masculina”; e hipersexualizándola “Artemisia es una mujer lasciva”.

Obras más destacadas

 

Susana y los Viejos. Artemisia Gentileschi

Susana y los viejos es un tema recurrente en la pintura (Tintoretto, Rembrandt, Cagnacci, etc.) pero com un tratamiento totalmente opuesto. Mientras que en las obras de los pintores el deseo de los viejos es respondido por una Susana complaciente. Artemisa, representa a la mujer con todo el terror, rechazo (de nuevo vuelve a aparecer su experiencia traumática).

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Judith y su criada. A Gentileschi
Resultado de imagen de Artemisia Gentileschi Mujer con Laud. Artemisia Gentileschi
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Magdalena en extasis. Artemisia Gentileschi

Interesante el artículo y obras que aparecen en el Blog Mujeres pintoras

 

Mondrian-Dali. Análisis comparativo

 

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New York City (1942). P. Mondrian
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Persistencia de la memoria. 1931. Dalí

 

 

 

Análisis realizado por María Ruiz, alumna de 2º Bachillerato de Artes del IES San Jerónimo. Sevilla

Son dos obras pictóricas realizadas con la técnica del óleo sobre tela la primera y sobre lienzo la de Dalí, pintadas en las primeras décadas del siglo XX. Pertenecen a las Vanguardias.

La primera, New York City, es una pintura  donde desaparece la figuración, característica típica del estilo Abstracto, pertenece al Neoplasticismo, es de Piet Mondrian, la realiza cuando se exilia en Estados Unidos.

La segunda, La Persistencia de la memoria, es una pintura figurativa donde aparecen relojes derretidos en un paisaje exterior, una playa. Pertenece al Surrealismo, concretamente al método onírico-paranoico, es de Salvador Dalí, uno de los pintores más representativos de este estilo. También se conoce como Relojes suaves. Es una de sus obras más emblemáticas y conocidas.

La principal diferencia es que una es abstracta y otra figurativa. Mondrian reduce todas las formas a sus elementos básicos: línea, color y forma, la obra es geometría pura. Mientras, Dalí se basa en símbolos y en el método crítico-paranóico que consiste en superponer objetos y figuras surrealistas, del mundo de los sueños sobre un espacio natural, posiblemente inspirado en la Costa Brava. Los relojes derretidos simbolizan el paso del tiempo.

Los dos dan mucha importancia a la línea y el color. Mondrian, para llegar a la pureza, crea una obra basada en las relaciones matemáticas entre línea y color, líneas que se cortan formando ángulos rectos. Dalí tiene un gran dominio del dibujo con líneas precisas y firmes. Es un gran dibujante. Mondrian no admite las líneas curvas y diagonales, Dalí sí.

Mondrian utiliza los colores primarios (rojo, azul y amarillo), que consideraba los colores elementales del universo, y los no-colores (blanco, que es una mezcla de todos los colores), en esta obra han desaparecido las líneas de color negro, por lo que podemos deducir que se pintó después de la 2ª Guerra Mundial cuando marcha a New York y traza las líneas con colores primarios para transmitir la alegría y el vitalismo que había en la ciudad, que en este periodo se convierte en el epicentro del mundo del arte. Todo el espacio que cortan las líneas es blanco y plano. Su obra queda reducida a colores, líneas, geometría, a cálculo matemático.

Dalí emplea una paleta suave, sin estridencias,  de colores complementarios y sugerentes creando un ambiente inquietante donde se mezcla realidad y  el mundo de los sueños.

La composición de Mondrian se basa en líneas verticales y horizontales que ordena los colores de forma yuxtapuesta, y consigue profundidad mediante la teoría de los colores. Por otro lado, La persistencia del tiempo, muestra una composición limpia y ordenada, logra una gran profundidad con perspectivas enormes que se acentúa a la derecha del lienzo con la línea rocosa de la playa y el escorzo de la especie de mesa de la izquierda.

A pesar de pertenecer a las primeras décadas del siglo XX y ser Vanguardistas, cada uno es de un estilo  y responden de manera muy diferente al difícil contexto histórico que les tocó vivir, el periodo de Entreguerras y las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial. Mondrian y Dalí marchan a Nueva York, allí alcanzan la fama, el primero exiliado, huyendo de los totalitarismos. Dalí nunca rechazó los fascismos (motivo por el que es expulsado del movimiento Surrealista) y volverá a España durante el Franquismo que le recibe con honores. Los dos van a Nueva York porque es en ese momento el centro donde se refugian los artistas y la ciudad moderna por excelencia.

Mondrian influido por el Cubismo de Picasso y Braque, funda el grupo holandés Stilj, el Neoplasticismo, corriente que pertenece al Arte Geométrico Abstracto. Reduce la pintura a color, forma y línea y no permite la diagonal. En su etapa Abstracta hay dos épocas, en la primera los colores primarios están separados por líneas negras como se observa en  obras como Tableau I, IV y Composición con rojo, amarillo y azul. Al estallar la 2ª Guerra Mundial, marcha a Estados Unidos, de sus obras desaparece el negro y las líneas se trazan con colores primarios, como en esta obra o en  Broadway Boogie- Woogie, transmitiendo mayor dinamismo y jovialidad.

A Dalí le influyen el arte clásico, el barroco y sobre todo  las teorías  del psicoanálisis de Freud. Se obsesiona con liberal el mundo de los sueños, momento en el que el subconsciente alcanza la libertad al relajarse la razón. Lo representa en sus cuadros a través del método Onírico Paranoico. Este lienzo está lleno de símbolos, tiene un gran dominio del dibujo y representa figuras imposibles y grandes perspectivas con enorme profundidad. En esta obra aparecen los relojes derretidos (objeto que se repetirá en otros cuadros) como símbolo del paso del tiempo y la relatividad de todo. El centro de la pintura podría ser una representación del propio Dalí. El artista era aficionado a los autorretratos. Justo debajo del reloj que yace en el suelo, una ceja, las pestañas, el bigote ralo y una nariz puntiaguda, nos muestran a Dalí. La obra transmite inquietud, soledad, la figura humana está ausente. Simula un paisaje poco acogedor, frío. Todo lo contrario ocurre con la obra de Mondrian donde los colores primarios transmiten optimismo y alegría.

Dalí es considerado junto a Picasso y Miró, uno de los pintores españoles más universales del Arte Contemporánea. Obras suyas son la joven de la ventana, el gran masturbador y Gala desnuda.

Pinta una gran cantidad de obras, tuvo éxito en vida, triunfó en Estados Unidos, lugar donde se crea la imagen de excéntrico.  Gran parte de su vida la paso junto a Gala, su musa, en Figueras y Cadaqués (Costa Brava) playas que aparece en sus obras. No sólo pintó también participó en el rodaje de un Perro Andaluz de Buñuel y colaboró con Hitchcock en Recuerda.

Los dos artistas vanguardistas, pertenecen a una época de experimentación, de búsqueda de nuevos caminos artísticos, nuevos lenguajes, en la que se da prioridad  al arte por el arte. Por eso estas obras pertenecen a dos estilos  que coinciden en el tiempo: Mondrian y el Neoplasticismo,  Dalí al Surrealismo. Las obras, los artistas y los estilos han influido y siguen influyendo en muchas áreas artísticas actuales.

 

 

Lee Krasner. Expresionismo abstracto. La artista a la sombra de J. Pollock

 

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Lee Krasner. 1908-1984. Estadunidense. Pintora Expresionista Abstracta.

Lee Krasner vivió siempre bajo la alargada sombra de su marido Jackson Pollock, pese a que la pintora tenía igual o incluso mayor talento que él. Ambos fueron figuras claves del expresionismo abstracto norteamericano.

Neoyorquina de Brooklyn, estudió arte en unos tiempos en los que la mujer lo tenían difícil. Sólo pudo acceder al Instituto Washington Irving de Manhattan, el único centro en Nueva York donde las mujeres podían cursar estudios de arte.

El carácter independiente de Lee provocó enfrentamientos con sus profesores en muchas ocasiones, que despreciaron su obra por el hecho de ser mujer. Sin embargo, el descubrimiento de las vanguardias artísticas (en concreto la Escuela de París) le provocó una enorme impresión y decidió que era por ese camino por donde iba a ir su trabajo.

Mientras desarrollaba este nuevo estilo, simultaneó sus estudios para ser profesora en el City College de Nueva York con un trabajo de camarera.

En noviembre de 1941 conoció a Jackson Pollock y sintiéndose inferior a él abandonó la práctica de la pintura y se dedicó en exclusiva a atender las necesidades de Pollock. Fue una época tensa marcada por el alcoholismo del pintor. Los escasos cuadros que pintó Lee en la época reflejan una enorme influencia de su marido, pero con unas formas abstractas más refinadas y geométricas.

Cuando quedó viuda, se liberó progresivamente del influjo de Pollock; abandonó el automatismo y presenta un geometrismo cada vez más acusado. (Enlace)

Lee el artículo, Lee Krasner: la artista relegada a ser “la mujer de Jackson Pollock” (Broadly)

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Self-portrait,  Lee Krasner. 1929.  Metropolitan Art Museum

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Pablo Gargallo. Padre de la escultura vanguardista

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Acabo de concluir algo que quizá le interese. Es de bastante importancia. Creo haber hallado el camino de mi tranquilidad estética: lo que ya es algo en los tiempos que corren. (carta a Jacques Bernheim hacia 1933). Dijo al concluir su obra cumbre, El Profeta

Nació el 5 de enero de 1881 en Maella, Zaragoza. En 1888, su familia se traslada a Barcelona, donde inicia su formación artística en el taller del escultor Eusebio Arnau y en la Chimenea de la Fonda de España. Acude a las tertulias del café Els Quatre Gats con Casas y Picasso. En 1903 viaja a París becado por la Escuela de Bellas Artes, allí conoce a Juan Gris, quien le influirá con su estética cubista.

En 1913 conoció en París a Magalí. Se casarón. Durante la 1ª Guerra Mundial regresa a Barcelona. En 1920 fue nombrado profesor de Escultura de la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña. Al proclamarse al Dictadura de Primo de Rivera en 1923 es destituido al negarse a retractarse de firmar un manifiesto en favor de un profesor relegado por cuestiones políticas. Se traslada ya definitivamente en París con su mujer y su hija, Pierrette.  Pablo Gargallo tuvo una salud frágil, falleció durante un viaje a Reus el 28 de diciembre de 1934, a la edad de 53 años. En el año 1985 se inaugura en Zaragoza, por iniciativa de su hija y del propio ayuntamiento, el Museo Pablo Gargallo.

Es no de los padres de la vanguardia española. En su estancia en París descubre el Cubismo y evoluciona desde la figuración hacia la abstracción y el expresionismo. Forma parte de la Edad de Plata de la cultura española.

Innova con el hierro. Trabaja con planchas metálicas que moldea y da forma. Sus obras son ligeras, va vaciando la masa para  esculpir el vacío, los contrastes de luz,…

No abandona la escultura “más tradicional”, las figuras de bulto redondo, pero innova con el material. Utiliza metal recortado, trabajado a martillo.  Su obra se puede definir como la combinación armónica del espacio y del volumen. Su relación con el modernismo se establece a través de los encargos del arquitecto modernista Domènech i Montaner para el Hospital de San Pau i Santa Creu de Barcelona.

Entre sus obras destacan: El Profeta (1933), a la que Gargallo definió como su “tranquilidad estética”, Kiki de Montparnasse, El Arlequín, La Bañista, David, Mujer del Espejo, Academia y los retratos de Greta Garbo, Antinoo, etc.

Acceso al Museo Pablo Gargallo de Zaragoza (enlace)

El Profeta. Una de sus obras más emblemáticas. Muy recomendable escuchar y mirar atentamente el vídeo inicial

Copia la ficha técnica  y análisis en el siguiente enlace

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EL Profeta. Pablo Gargallo. Planchas de bronce
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Greta Garbo con pestañas. Pablo Gargallo

Cuando Gargallo realiza la primera máscara metálica, en 1907, y sobre todo al desarrollar su primera época del cobre, utiliza finas chapas de cobre o hierro, de las que recorta las distintas piezas que han de componer la escultura. Una vez repujados, modelados, torsionados los elementos del conjunto, la unión de todos ellos se resuelve mediante ligeros remaches e ingeniosos ribeteados y engarzados.

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Bailarina. P Gargallo
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Kiki de Montpamasse. Gargallo. 1928

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Puedes ver más obras en el blog forma es vacío, vacío es forma (enlace)