Las plazas renacientes de Peñaranda de Duero

Penna aranda, pequeño poblamiento en altura del s. IX, tras una larga historia de aldea medieval alcanza su plenitud de villa feudal en el s. XV, como sede principal de los estados de los condes de Miranda.

Fue Pedro de Zúñiga y Avellaneda, II conde de Miranda, yerno de los condestables de Castilla y miembro destacado de la nueva nobleza bajomedieval con mesnada propia en las campañas militares de los RRCC, quien en la 2ª ½ del s. XV reedificó el castillo, construyó la muralla y mandó erigir el rollo jurisdiccional, convirtiendo a Peñaranda en villa con jurisdicción señorial, concejo, judería, mercado, puente ojival sobre el Arandilla y varias Iglesias (S. Martín, S. Miguel, San Roque..).

Se alcanzaba la plenitud de la villa feudal sobre un emplazamiento en pendiente, abarrancado y con trazado caótico e irregular, donde destacaba la plazuela de las Iglesias de S. Martín y San Miguel como elemento articulador de la ocupación interior de la muralla, formada por un caserío abigarrado de casitas de tapial, talleres, tiendas, corrales y huertas, sin apenas espacios públicos.

De esta época ha desaparecido casi todo, pero se conservan la plaza de San Martín trazada como galgo a la carrera, el viario originario de algunas calles y la hondonada que drenaba la escorrentía de la ladera por la actual calle del Castillo, amén de muchas de las cimentaciones de las viviendas actuales que se encontraban dentro del recinto amurallado.

Los hijos de Pedro de Zúñiga, nobleza refinada con altos cargos en la Corte, decidieron construirse en Peñaranda una residencia familiar a la manera romana que tanto admiraban y acorde con los nuevos tiempos renacientes que venían de Italia.

Así, huyendo de la vega inundable del Arandilla, Fco. Zúñiga y Velasco, III conde de Miranda, mandó construir la nueva residencia condal, el palacio Zúñiga- Avellaneda, desbordando el sector suroeste de la muralla bajomedieval. Al palacio le seguirían la plaza Mayor, la colegiata Sta Ana, el hospital de la Piedad, los conventos y la nueva prolongación suroeste de la muralla. Es decir, todo el sector sur y suroeste de la villa medieval, mayoritariamente ocupado por huertas, se reacondicionó para dar cabida a la residencia palaciega con su huerta a poniente y la amplia plaza al solano, a la vez que se abrieron dos plazuelas nuevas: la del Concejo y la del Trinquete para conectar por el norte con el poblamiento existente.

Si el palacio surgía para generar ciudad, las plazas conformaban el espacio necesario para unir lo viejo y lo nuevo a través de la calle Real y las nuevas dependencias del séquito de los condes. Y también, para armonizar la integración visual y espacial del conjunto monumental, acogiendo los eventos ceremoniales de los nuevos tiempos, sesiones del Concejo, comitivas nobiliarias, mercados, festejos religiosos y de ocio…

Pero sobretodo, las plazas representaban los rasgos dinamizadores del nuevo urbanismo moderno, que al igual que se había hecho en Italia, recuperaban los viejos ideales de los tratados vitruvianos de la época clásica: “Venustas, Firmitas et Utilitas” (Belleza, Protección y Utilidad), convertidos en novísima actualidad: ”Omnia nova placet” (Todo lo nuevo emociona).

Un proyecto tan grandioso como dejado a medio hacer, porque en el siglo XVII los entonces Duques de Peñaranda se fueron a vivir a la corte de Madrid, dejando en su lugar, a un administrador de sus propiedades con escaso interés por la terminación y el mantenimiento de la villa ducal.

Por eso, el cabildo de la Colegiata, ausentes los duques, se convirtió, de facto, en el nuevo poder local, cerrando la puerta del mediodía de la colegiata y transformando todo ese sector entre Sta. Ana y la muralla en cementerio (hoy plaza de Santa Ana), actuación que desnaturalizaba el proyecto renacentista inicial. Antes, habían añadido contra la pared sur de los pies de la iglesia la casa parroquial.

Así, el eje de la plaza perdía su trazado originario de W a E, paralelo al camino de Aranda- Salas que iba por la actual calle Real; y como aguja imantada se orientaba con un nuevo eje N (castillo) – S (carretera de La Vid), acentuado con la ampliación de un pabellón galería – solana en la pared sur del palacio, que deformaba la geometría de la plaza, convertida en cuchilla de guillotina como veremos luego en el plano de Fco. Pons Sorolla.

Ya en el siglo XVIII este dibujo, guardado en el archivo de la Chancillería vallisoletana y realizado por un escribano del concejo para documentar un juicio sobre la linde de dos fincas urbanas del centro de la villa, nos muestra cómo aquel proyecto urbano de plazas renacentistas del siglo XVI había quedado reducido, doscientos años después, a cementerio y toriles, lugar de paso y de esporádicas diversiones. Siendo entonces los espacios más vividos, la plazuela del Concejo con su fuente y los cántaros de las mozas, y la del Trinquete con el juego de la pelota.

Nos acercamos al mundo contemporáneo con la litografía romántica de la plaza de los duques de Peñaranda que conserva la solidez añeja del palacio, el tránsito de la población campesina , la soledad y el estado de abandono; en definitiva, el deterioro de una historia en declive donde la grandeza del decorado ya no se corresponde con la pobreza sobrevenida de los modestos habitantes del lugar.

Y a comienzos del s. XX, los versos de D. Antonio Machado taladrando la candidez de nuestras conciencias.


”Castilla miserable, ayer dominadora,
vestida con andrajos desprecia cuanto ignora”

La dureza de la posguerra interminable de nuestra niñez, esta foto de los años cincuenta nos retrata como éramos: el gris que todo lo invade, la desnudez ajada de las fachadas, el parking de carros de labranza de la carpintería de los herrerillos, los perros famélicos vagabundeando por la plaza, el barro y el frío.

Y el decorado de las piedras siempre presente. Alguien debió pensar como el arcediano de Sevilla: “Hagamos una obra tan grande que quienes la vieren acabada nos hagan por locos”. Por Dios, cuál fue nuestro pecado para una penitencia tan desmedida y humillante?

Pero, … “Todo se mueve, fluye, discurre, corre o gira, cambian la mar y el monte y el ojo que los mira” continúa D. Antonio en Campos de Castilla.

Y llegó Pons Sorolla, el arquitecto, el médico que nos salvó las plazas. La grande, la de los duques y el postureo. La chica, la de Pons Sorolla, la de la fuente y el Ayuntamiento que lleva su nombre en agradecimiento, claro!. Y la otra, la que no era, la del Trinquete abandonada al viento áspero de las “cuatro paredes” y la umbría de la Iglesia.

Fíjense bien en este hombre franquista, eso ahora no importa, que con su trípode y sus planos nos salvó para siempre del barro y la indigencia. No olvidéis su nombre e interesaros por descubrir quién era. Nunca se lo agradeceremos bastante.

Y con la restauración de Pons Sorolla, también llegó a Peñaranda el milagro español de los ’60. Es tal el cambio que sobran las palabras.

Casi cuatrocientos años después, podemos concluir que las plazas de Peñaranda han recobrado parte de su dignidad perdida. Se ha renovado el pavimento renacentista con cuadrículas de granito y morillo. Se han remozado los edificios monumentales, reubicando el rollo jurisdiccional en su interior. El caserío luce su esplendor constructivo, limpio de viejos estucos y recubrimientos desconchados.Y estos espacios públicos, amplios, diáfanos y sin coches, mantienen vivo el esplendor y grandeza de aquel proyecto urbano originario del siglo XVI.

Más información:

Ordenación de la plaza de Peñaranda de Duero (Burgos) / Luis Menéndez Pidal

Francisco Pons Sorolla. Arquitectura y restauración en Compostela (1945-1985)

El Ducado de Peñaranda: su origen y desarrollo hasta la desaparición del linaje de los Zúñiga. Soler Navarro, Ana María (2010) El Ducado de Peñaranda: su origen y desarrollo hasta la desaparición del linaje de los Zúñiga. [Tesis]

El territorio de Clunia y su evolución entre los siglos I a. C. y X d. C.: Perspectivas arqueológica e histórica. Camacho Vélez, Gustavo

Autor: Vicente Arranz. Verano 2019

El Guernica. Símbolo de Paz

Un poco de Historia

El Guernica es el cuadro más famoso de Picasso. Se ha convertido en un símbolo, en un grito contra la barbarie y el horror de las guerras. Ha tenido y tiene diversas interpretaciones.

El pabellón de España de la Exposición Universal de París de 1937 se convierte en un grito de auxilio del gobierno de España de la II  ante el avance de los militares golpistas, la barbarie de la Guerra Civil y la pasividad de las democracias europeas. Para ello se movilizaron los nombres más reconocibles de la cultura española de la época, entre los que se encontraban Pablo Picasso, Miró (el mural El Segador, obra desaparecida) o Julio González (La Montserrat). El gobierno encarga al pintor, afincado en Francia, un cuadro de grandes dimensiones para que presida el pabellón español de la Exposición Universal de París de 1937.

El Guernica tiene un fuerte valor histórico y de denuncia; se pinta en plena Guerra Civil.  Pocos días antes de iniciar el cuadro, la aviación alemana que apoyaba a Franco bombardeó el pueblo de Guernica (Vizcaya). Se considera el primer bombardeo que de manera sistemática e indiscriminada bombardea a un núcleo urbano, anuncia la guerra total de la 2ª GM. Este grave hecho afectó enormemente a Picasso y le indujo a titular así el cuadro.

Debido al estallido de la Segunda Guerra Mundial, el artista decidió que la pintura quedara bajo la custodia del Museum of Modern Art de Nueva York hasta que finalizara el conflicto bélico. En 1958 Picasso renovó el préstamo del cuadro al MOMA por tiempo indefinido, hasta que se restablecieran las libertades democráticas en España, regresando la obra finalmente a nuestro país en el año 1981. Desde 1992 el lienzo está colgado en una de las salas del Museo Reina Sofía de Madrid. Cumpliendo con el deseo del artista, la obra  vino a España una vez instaurada la democracia.

Datos técnicos y artísticos 

Picasso antes de iniciar el cuadro hizo numerosos bocetos preparatorios sin alusiones al bombardeo. Son un alegato contra la barbarie de las guerras.

El lienzo tiene unas dimensiones considerables (3,50 x 7,80). Lo pinta con la técnica del  óleo en blanco, negro y variaciones de grises, como símbolo de luto, para acentuar el dramatismo.

Es de estilo cubista (estilo que descompone las imágenes reales y las representa en un mismo plano de forma geométrica), expresionista y simbólico. La composición se organiza en triángulos, destacando el central. Y en dos grupos de figuras representadas: seres humanos (soldado herido, varias mujeres y niño muerto) y animales (toro, caballo y paloma). La línea está claramente definida.

Análisis simbólico

Propongo un recorrido  por el cuadro como si fuera un tríptico, de izquierda a derecha, con una mirada lenta, pausada:

Busquemos en primer lugar los nueve símbolos, cuatro mujeres, un soldado y tres animales: toro y caballo (los tótem de España) y la paloma .

Observaremos que todos los rostros tienen una expresión parecida con bocas abiertas, desesperadas. Transmiten angustia. Incluso la lengua del caballo aparece afilada como una lanza.

A la izquierda del lienzo

Aparece el toro tenso y estupefacto, para muchos representa a España, la violencia del fascismo, la brutalidad irracional.

Bajo él, se encuentra la mujer desesperada con su hijo muerto en brazos que recuerda a la Pietá de Miguel Ángel y a todas las piedades cristianas.

Al fondo entre el toro y el caballo, casi difuminada por el tono oscuro, la paloma de ala caída que ya no puede volar y que simboliza la paz rota.

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Ahora, miremos el triángulo central:

La  bombilla/ojo cenital, alumbra todo, tiene un gran protagonismo y su significado no está claro.

El caballo que relincha y se retuerce mal herido atravesado por una lanza, ocupa la parte central. Representa a los inocentes que mueren en las guerras.

A sus pies,  el hombre descuartizado, agonizante, empuña un puñal y una flor. Recuerda a los soldados que mueren en el frente. La flor simboliza la esperanza.

Dirijamos los ojos a la  derecha, al lugar donde el mundo femenino es el gran protagonista. Posiblemente represente el sufrimiento de la población civil en las guerras.

Observemos a la mujer que huye despavorida mientras sujeta la pierna maltrecha, hay fotografías de ciudades bombardeadas muy similares a este efecto.  Simboliza el terror que produce en la población el bombardeo nazi.

Sobre ella, una mujer alarga el brazo. El quinqué que porta, ilumina la desgarradora escena que aparece ante sus ojos. Para muchos historiadores es una alegoría de la República.

Por último, fijemos nuestros ojos en esa mujer que levanta los brazos al cielo pidiendo clemencia mientras arden las casas. Posiblemente es la única referencia al bombardeo, la mujer tiene un gesto de súplica y la postura recuerda a los Fusilamiento de Mayo de Goya.

Seguro que al finalizar el recorrido tenemos la sensación de que del lienzo surgen gritos, ruidos ensordecedores, bombas, llantos, dolor mucho dolor. Entonces comprenderemos que el cuadro es un rechazo contundente a la violencia. Es un no a la guerra y un no al sufrimiento gratuito. El Guernica hoy tiene un valor universal por lo que expresa y denuncia.

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Reproducción en 3D del Guernica

Vídeo con una explicación más detallada.

Manet. Obras destacadas

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Desayuno en la hierba. 1963. Manet. Preimpresionismo

Identificación

Nombre: Desayuno en la hierba

Género: escena campestre

Técnica Óleo sobre lienzo

Tamaño. Grande, 208 cm × 264,5 cm

Localización Museo de Orsay, París,

Año 1863
Autor Édouard Manet

Estilo Preimpresionismo

Datos para el análisis

Escena campestre que provocó un gran escándalo, a orillas del Sena aparecían una mujer desnuda almorzando despreocupadamente con dos hombres completamente vestidos, lo que ofendía a la moralidad de la época, se acentuaba por el hecho de que las figuras eran reconocibles. La obra es pasto de la burla de los críticos y el público.

La historia de esta obra empieza cuando en 1863, la Academia de Francia no admite que se exponga en el Salón Oficial de París y se expone en el Salón de los Rechazados.

La obra será decisiva para el nacimiento del Impresionismo y para la pintura moderna.

Los jóvenes que iniciarán el movimiento impresionista quedan descolocados y a la vez muy entusiasmados con esta obra revolucionaria: la pincelada suelta que que hace que las figuras parezcan inacabadas pero con más vida, el tratamiento más natural de la luz y una ruptura escandalosa con las enseñanzas de la tradición académica: el artista no pinta “como le enseñan” sino que pinta lo que él experimenta personalmente, lo “vivo”. Es una afirmación a favor de la libertad individual del artista.

Fusilamiento del emperador Maximiliano de Austria, 1964. Manet

Identificación

El fusilamiento de Maximiliano

Género: pintura histórica.
Técnica: Óleo sobre lienzo
Tamaño, grande, 252 cm × 305 cm.
Año 1867
Autor Édouard Manet
Localización National Gallery de Londres.

Estilo: Preimpresionismo

Contexto histórico

Manet pinta la ejecución de Maximiliano de Austria, emperador de México. Elegido por Napoleón III como títere de Francia para favorecer sus intereses colonialistas. La oposición de los mejicanos fue brutal, los franceses se retiraron y Maximiliano fue capturado y condenado a muerte junto a dos de sus generales.

Aquí Manet quiso documentar el momento a modo de crítica a Napoleón III. El monarca censuró la obra y prohibió la exposición y así la obra se hizo famosísima. Llama la atención que el escuadrón de fusilamiento no vista el uniforme mexicano, sino el francés, una forma de culpar a Napoleón III del suceso. En cambio quien sí lleva sombrero mexicano es el propio Maximiliano.

Para esta obra, Manet se basa explícitamente en Los fusilamientos del 3 de mayo de su idolatrado Goya (ambos padres del impresionismo). Composición, colocación, figuras abocetadas…

Un bar aux Folies Bergère
Un bar del Folies-Bergère. Manet. 1882. Impresionismo

Última y para algunos mejor obra de Manet.

Género: escena interior. Espectáculo. La vida nocturna en bares y cabarets del París de finales del siglo XIX. En concreto refleja la barra y a una de las camareras, Suzón, del cabaret Folies- Bergère. El cabaret se situaba en Montmatre, lugar al que acudían trabajadores, prostitutas, burguesía, intelectuales y artistas que se divertían en la noche.

Este cuadro reúne las características del Impresionismo y modernidad, capta un instante inmediato donde la camarera está ensimismada y agotada, el juego del espejo creando un enfoque novedoso, la luz se recrea en los bodegones, naturalezas muertas, que forman botellas y frutas encima de la barra, el fondo casi difuminado, pintado con pincelada suelta, largas y yuxtapuestas, la utilización de las sombras con color, los tonos claros, la vida urbana.. Es un cuadro para mirar. El local tiene luz eléctrica como se observa en la gran lámpara de la sala.

Composición: clásica, triangular. También se estructura en líneas horizontales rotas por la verticalidad de la camarera. Los reflejos imposibles. Fuerte influencia española.

Repasando preguntas semiabiertas temas 9,10, 11 y 12

¿Qué película de Almodóvar eres?

RESPONDE A LAS PREGUNTAS

Una de estas películas no fue dirigida por Alejandro Amenábar:

a) Tesis (1996).

b) La niña de tus ojos (1996).

c) Los otros (2001).

d) Mar adentro (2004).

Señala la opción correcta. Directores españoles que han recibido un óscar

  1. Trueba, Garci, Amenábar, Miró, Almodóvar,
  2. Trueba, Garci, Amenábar, Almodóvar, Alex de la Iglesia
  3. Garci, Trueba, Almodóvar, Bolaños, Amenábar,
  4. Garci, Trueba, Almodóvar, Amenábar, Buñuel

Nombre de tres películas de Fernando Trueba

Nombre de tres películas de Garci

Nombre de tres películas de Alex de la Iglesia

Nombre del primer director español,  de la democracia, que recibió el óscar a la mejor película de habla no inglesa y título de la película……………………………………….. …………………………………………………

La Sede central del HSBC (Hong Kong) tardó seis años en construirse (1979-1985) y es un ejemplo de arquitectura High-Tech. Fue proyectada por el arquitecto:

a) Frank Ghery

b) Santiago Calatrava.

c) Norman Foster.

Escribe el nombre del arquitecto junto a su obra.

  1. El Heydar Aliyev Center, Baku (Azerbaiyán).
  2. Pez Dorado, paseo marítimo de Barcelona (España)

c) L’Hemisfèric en la Ciudad de las Artes y de las Ciencias, Valencia (España).

d) Torre 30 St Mary Axe (Swiss Re), Londres (Reino Unido)

Madonna es un ícono de la moda a través de las décadas, pero su más memorable (y más copiado) look, fueron esos sostenes, Almodóvar en la película.…….. también recurre a este diseñador de nombre………………………………….

Nombre del diseñador caracterizado por utilizar modelos andróginos, de cuerpos muy delgados. De lanzar una línea de ropa interior y los jeams.

Es uno de los diseñadores de moda más influyentes de los años 80- 90, padre del fenómeno topmodel. Sus señas de identidad son la barroquización, la exuberancia, los vestidos dorados, las grecas grecorromanas, Murió trágicamente.

Nombre del diseñador que continua con la alta costura, sus señas de identidad son riqueza de las telas, el rojo y los acabados ultrafemeninos……….

Nombre del diseñador que reelanzó la casa Chanel…………………… y el de la casa Dior……………………..

……………………….Conocido por trabajar como diseñador jefe en Givenchy, Gucci y por fundar su propio sello. Forma parte de los diseñadores-estrellas. Sus mejores aportaciones quedan recogidas en la exposición…………………………………

Sus prendas son cómodas, líneas rectas y más bien sobrias, confeccionadas en materiales selectos. Sus colecciones de mujer inciden en una estética andrógina, no resaltan las formas y buscan una estilización realzando la verticalidad. No abusa del colorido.  Ha creado un emporio comercial……………………………………………

Revolucionó la moda en Nueva York y París, marcó claramente la década de los 80 y la de los 90 al frente de dos grandes, Gucci e Yves Saint Laurent. Creó su propia marca…………………….

La firma se convirtió enseguida en un referente de lujo y exclusividad, símbolo de Nueva York y de la mujer neoyorquina,

12. Santiago Calatrava. Espectacularidad y polémica.

 

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Ciudad de las Artes y las Ciencias, Valencia, S. Calatrava. 1989-2005
« Si se entiende la Arquitectura como un arte, merece la pena dedicarle la vida entera »

 
«Siempre he ido en busca de la esencia poética del lenguaje arquitectónico. »

Santiago Calatrava, nació en 1951 en Valencia. Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Valencia, donde también realizó un curso de post-graduado en urbanismo. En Zurich realizó Ingeniería superior y fue profesor de la Universidad. A partir de 1980 comenzó a realizar grandes proyectos en todo el mundo. Ha recibido grandes premios como el Príncipe de Asturias de las Artes  o el Premio Nacional de Arquitectura o Premio europeo de Arquitectura en 2015.Tiene sus estudios en Zurich y New York.

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Intercambiador de la Zona Cero , Manhattan, New York, Calatrava

Santiago Calatrava concibe cada proyecto como una obra  de arte viva donde todas las partes que la componen están relacionadas. Da gran importancia a al efecto dinámico, al hormigón y al acero como materiales de construcción. Se inspira en la naturaleza y en los esqueletos humanos. Fusiona arquitectura, ingeniería, escultura  y se inspira en las formas de la naturaleza. El blanco es su color símbolo. Los diseños se caracterizan por un aire futurista y la innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras, entre las que destacan sus puentes, muchos de ellos célebres.

Le influyen el arte Romano, el Gótico, Miguel Ángel, Gaudí, Picasso, el racionalismo y el Organicismo.

Obras:

Una de sus grandes especialidades es la construcción de puentes, que concibe como un fenómeno cultural; los ha construido en Basilea, Mérida, Lérida, Barcelona (Bach de Roda, premio FAD de las Artes Plásticas), Valencia (sobre el Turia) y Sevilla (La Cartuja y el Alamillo, con motivo de la Expo-92).

También proyectó el aeropuerto de Sondica (Vizcaya), la torre de comunicaciones del Anillo Olímpico de Montjuïc (Barcelona), las estaciones ferroviarias de Lyon, Zurich, Berlín, Lisboa y Lieja, así como el «Hemisfèric» (planetario) de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia y el Palacio de Congresos de Tenerife.

Sus últimos proyectos han sido el intercambiador de la Zona Cero de Manhattan,  la Torre de Dubai (la más alta del mundo), Proyecto de transformación de  la península de Greenwichen Londres.

Estación de LisboaEstación TGV de Lyon Saint-Exupéry – ArquiTravelEstación de Lyon. Calatrava.

Las formas de su obra se inspiran en formas vegetales y animales, para crear  estructuras con un toque orgánico con la intención de infundirle vida al edificio y convertirlo en algo único.

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Puente de Bac de Roda, Barcelona, Santiago Calatrava

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Puente Alamillo, Sevilla, Expo`92. Calatrava
Puente regio Emilia, Italia, Calatrava
Puente de Samuel Beckett, Dublín
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Puente de la Constitución, Venecia. Calatrava
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Puente Zubizuri, Bilbao, Calatrava
Torre de Telecomunicaciones o Torre Montjuic, Barcelona. Calatrava

La Ciudad de las Artes y las Ciencias de ValenciaOpinión de Ciudad de las Artes y las Ciencias: Futurista y cultural -  juanalfredo | PACommunity

En Valencia encontramos la construcción más conocida y mayor del Autor, La Ciudad de las Artes y de las Ciencias. Complejo de edificaciones con una función cultural, lúdica y científica. Símbolo de la Valencia del sigloXXI

la Ciudad de las Artes está formada por un conjunto de edificaciones colosales y antropomórficas: l’Hemisfèric (1998), el Museo Príncipe Felipe y l’Umbracle (2000), el Palau de las Artes (2005) y l’Àgora (2009).

La Ciudad de las Artes es importante por su  inspiración orgánica (estructuras-esqueleto, pieles-carcasa, naves, espejos de agua,…), su desmesura y su poética repetitiva, su  plasticidad y expresividad.

Destaca  el uso de materiales característicos  del arquitecto como hormigón blanco, acero, trencadís, blanco y azul,…, que definen esa nueva y grandiosa monumentalidad que caracteriza tanto la obra como el depurado vocabulario biomórfico del valenciano, al que tanto rédito icónico ha sacado Valencia.

En el conjunto prima apariencia escenográfica y puramente visual, su papel lúdico, mediático y  lugar para el espectáculo, la publicidad y la promoción, en perjuicio de la solidez temática inicial. Aunque quizá, por ello, ha logrado convertirse en el principal centro de atracción turística de la capital.

La polémica acompaña la obra de Calatrava. El proyecto inicial se transformó, no se construyó la Torre de Comunicaciones,   tiene serias dificultades de climatización, insonorización y control lumínico, carencias medioambientales y en cuanto a la eficiencia energética de un complejo, al que habría que añadir importantes medidas de seguridad (escaleras de evacuación,…).la obra se retrasó y el presupuesto se disparó, pese a la polémica, La Ciudad de las Artes y Las Ciencias es un icono de Valencia como capital mediterránea.

Una vez más, el sobrediseño y el constante desafío dimensional y escultórico convierten sus estructuras-esqueleto llevadas al límite en un fascinante alarde escenográfico, sin el que, quizás, la Ciudad de las Artes ni sería el paradigma y símbolo de la Valencia de los grandes eventos: America’s Cup, Formula 1, Open de Tenis,…, ni gozaría de esa mágica capacidad para sorprender y emocionar.

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Turning Torso

Turning Torso, Malmo, Suecia, Calatrava

 El arquitecto incluso se basa en la forma del cuerpo humano para proyectar sus obras como es el caso del famoso rascacielos sueco conocido como “Turning torso”, un edificio que imita la forma de un torso humano que se gira sobre si mismo.

Torre de 190 metros de altura y 54 plantas situadas en Malmö (Suecia). Es el edificio residencial más alto de Suecia y premiado en 2005 como el mejor edificio residencial del mundo.

El edificio se encuentra en una zona industrial obsoleta que está siendo transformada a una zona residencial, de ocio y negocios junto al Mar Báltico.

 

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Auditorio de Tenerife, Calatrava

 

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Polémica

En los últimos años Calatrava y sus proyectos están salpicados de polémica por:

    • Elevados presupuestos que se disparan durante la construcción
    • Retrasos en la finalización de las obras.
    • La prioridad a la estética les hace a veces poco  funcionales.
    • Altos costes de mantenimiento.
    • Fallos incomprensibles (desprendimientos, grietas, goteras, materiales poco apropiados para la finalidad del edificio, etc.).
    • Problemas de climatización, insonorización y control lumínico.
    • Carencias medioambientales y escasa eficiencia energética.
    • Destacan los casos del  aeropuerto de Bilbao, cuya sala de espera está a la intemperie en una zona con tal cantidad de lluvias, en la misma ciudad el suelo del puente Zubizuri  ha tenido que ser  cubierto de moqueta ya que las pequeñas baldosas de cristal se habían convertido en una trampa mortal. En Oviedo  ha tenido lugar, en el  Palacio de Congresos un derrumbe de un alero que formaba parte del edificio, que provoco tres heridos. La justicia condenó al arquitecto a pagar una multa debido a  la caída de la estructura como consecuencia de un error de cálculo. Los últimos problemas han surgido en la estación de la Zona Cero de Manhattan por el retraso, encarecimiento y goteras.

Pese a estos problemas, Calatrava está considerado uno de los arquitectos contemporáneos más importantes.

El óculo, intercambiador o paloma de la Zona Cero de New York

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12. Frank Gehry. Deconstructivismo

El Deconstructivismo o Deconstrucción es un movimiento arquitectónico moderno que surge en la década de los años ochenta del siglo XX y que presenta cierta similitud con el Constructivismo ruso de los años 1920. No obstante, el padre de este estilo es el filósofo francés Jacques Derrida, ya que ha sido el que más ha contribuido a definirlo. Es un estilo que está englobado dentro de la Postmodernidad, y que convive en la actualidad con el estilo Postmoderno, el High-tech o también llamado Tardomoderno, la Nueva Arquitectura Orgánica de Toyo Ito o la Arquitectura Sostenible.

 

Se caracteriza por

  • Romper con todos los principios de la arquitectura. No hay equilibrio en la estructura, ni armonía, ni el concepto del espacio tradicional.
  • Falta de armonía, de continuidad y de simetría, huyendo significativamente de la geometría de ángulo recto
  • Aparente caos controlado
  • Imaginación y creatividad desbordante del arquitecto.
  • Separar la forma de la función.
  • Fragmentar el edificio (deconstruir). Desintegrar el espacio. Formas irregulares
  • Son edificios dinámicos, aparentemente irrealizables.
  • Complejidad constructiva y técnica que obligan a apoyarse en sofisticados medios informáticos en los diseños.
  • Utilización de un lenguaje escultórico
  • Materiales variados y novedosos que alcanzan gran protagonismo.
  • Resultado espectacular y fascinador en el espectador

Los arquitectos adscritos a este movimiento son Peter Eisenman, Frank O. Gehry, Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Daniel Libeskind y Bernard Tschumi. Estos arquitectos contribuyeron con algunas de sus obras más representativas en la Exposición titulada «Arquitectura Deconstructivista» que tuvo lugar en el MOMA Museo de Arte Moderno de Nueva York que se celebró del 23 de Junio al 30 de Agosto de 1988, y que fue conducida por los arquitectos Philip Johnson y Mark Wigley. Informacion de JM Hernández Hernández´s blog

FRANK GEHRY. EL ARQUITECTO DEL MOVIMIENTO, EL TITANIO Y LA BARROQUIZACIÓN

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Los 10 museos más importantes de España - Todo sobre las mujeres

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Museo Guggenheim de Bilbao, 1991-1997. F Gehry

Frank Gehry, arquitecto canadiense que alcanza su plenitud con la construcción del Museo Guggenheim de Bilbao, 1991-1997, ubicado en la ría de Nervión, en un espacio industrial en declive, rehabilitado para uso cultural y de ocio. En 1989 fue galardonado con el Premio Pritzker.

Gehry, en este edificio recoge todos los principios del Deconstructivismo y se convierte en un icono. Es un edificio- escultura de titanio, piedra caliza y cristal,  que aprovecha para jugar con los reflejos de la luz y el color. Parece un barco anclado en la ría. El museo está formado por dos módulos, uno ortogonal de piedra y otro curvado de láminas de titanio, ambos unidos por muros de vidrio. Transmite flexibilidad y movimiento.

Más imágenes del Museo Gughenheim de Bilbao (pincha)

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Bodegas-hotel Marqués de Riscal, El Ciego, La Rioja. Frank Gehry

Otros edificios del arquitecto son: Bodegas Marqués de Riscal, en La Rioja, 2008, Casa Danzante en Praga, el nombre original de esta casa es Fred and Ginger por los bailarines Fred Astaire y Ginger Rogers,  Sala de Conciertos Walt Disney de Los Ángeles. Fundación Louis Vuitton, París, 2014.

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Casa danzante. Praga. Frank Gehry
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Salón de Conciertos de Walt Disney, Los Ángeles. Frank Gehry
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Pez Dorado, paseo marítimo de Barcelona, Frank Gehry
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Schnabel House. California, Frank Gehry
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Biomuseo de Panamá. Frank Gehry
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                                                                                                   Manhattan, Frank Ghery
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Fundación Louis Voitton, París. Fran Ghery

http://timberplan.es/frank-gehry-obras-imprescindibles-del-arquitecto-del-movimiento/

 

12. Norman Foster. De la arquitectura High-Tech a la Eco-Tech

El viaducto de Millau, en Aveyron (Francia), Norma Foster, 2004. El puente más alto de Europa

High Tech, como su nombre indica, es un estilo que mezcla la arquitectura con la alta tecnología. Fue una derivación del movimiento Tardomodernismo.

Palacio de la Paz y la Reconciliación, Kazajastán, Foster

Los rasgos que la definen son

    • Los componentes tecnológicos,   forman parte del proyecto y de la expresión arquitectónica.
    • TECNOLOGÍA AL SERVICIO DEL HOMBRE. Deben facilitar nuestra vida.
    • Los exteriores tienen apariencia metálica y brillante.
    • Muestran estructuras y conductos: dejando a la vista los diversos elementos constructivos. Así la estructura, las instalaciones, los cerramientos y demás sistemas constructivos, pasan a ser los protagonistas .
    • Aúnan criterio racionalista de aprovechamiento funcional de los espacios con una apariencia exterior desnuda y elegante.
    • Les influye la arquitectura racionalista.
    • Destacan los materiales industrializados, en especial para las cubiertas, los pisos y hasta para los muros.
    • Intenta integrar la arquitectura con la naturaleza respetando el medio ambiente.
    • Los precursores fueron los arquitectos Renzo Piano y Richard Rogers y el Centro Pompidou, precursor de esta tendencia.
    • También destacan como obras High Tech, las construcciones de Jean Nouvel con la Torre Agbar en Barcelona o la ampliación del Museo Reina Sofía.
    • En los 90 se incorpora en los edificios nuevas fuentes de energía. con una visión de ahorro energético y sostenibilidad.
    • Más adelante, la conocida como arquitectura sostenible, da paso al término Eco-tech, en donde finalmente la construcción de edificios, apuesta por la baja emisión de energía, la utilización de materiales tecnológicamente avanzados, pero acordes con materias primas naturales, y el bajo consumo energético, apostando de manera definitiva por las fuentes de energía naturales.
    • El arquitecto que mejor representa este estilo es Norman Foster.

NORMAN FOSTER (1937-)

 Arquitecto británico, uno de los más grande de la historia de la arquitectura, cuenta con  innumerables premios: En 1990 recibe el título de «Sir», en 1999 se convertirse en «Lord». En 1999 recibió el galardón más preciado de la arquitectura, el Premio Pritzker. Fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2009. En 1996, Foster se casó con la psicóloga española Elena Ochoa con la que tiene dos hijos.

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Ha evolucionado suavizando las formas agresivas del High Tech a una estética minimal, a una arquitectura futurista, de aparente sencillez y simplismo que en realidad proviene de la obra de Mies Van Der Rohe, cuya influencia se observa en toda su obra. Sus proyectos llevan un marcado sello, empleando en sus edificios elementos que se repiten multitud de veces. Fusiona el racionalismo y el organicismo. Trabaja con materiales, tecnología e informática de última generación. Lo mismo construye museos, puentes, aeropuertos, estadios de fútbol que proyectos para transformar ciudades. Destaca por las complejas formas, el empleo  de las superficies curvas y de un enorme abanico de materiales constructivos. Desde principios de siglo ha evolucionado hacia una arquitectura más suave de líneas y a construcciones donde aplica los principios Eco-Tech

OBRAS

Norman Foster
                                        Sede del Banco Nacional de Hong Kong, Norman Foster, 1986. Estilo High Tech

Algunos de sus edificios de gran complejidad son la terminal del aeropuerto de Stansted en Essex (Gran Bretaña, 1991) y las oficinas centrales de la Hong Kong and Shanghai Banking Corporation en Hong Kong (1986), considerada por muchos críticos como su obra maestra.

Norman Foster ha convertido la creación de edificios en obras de arte, revolucionado la forma de entender la arquitectura. Es un arquitecto que comprende que los lugares donde vivimos y trabajamos tienen una gran influencia sobre las personas y el medio ambiente, que los espacios urbanos son determinantes en nuestra calidad de vida. Sus diseños destacan por aprovechar al máximo el uso de la tecnología en busca de una mayor eficiencia energética, la extraordinaria integración en el entorno, la creación de un ambiente agradable para el usuario y la usabilidad de sus instalaciones.

Otras obras: Museos, edificios civiles, estadios, aeropuertos, bodegas, edificios de oficinas, como Torre “pepinillo” en la City de Londres, bodegas Portia en Gumiel de Izan, Metro de Bilbao, Renovación del edificio del Reichstag, Berlín, Alemania,  reforma of the British Museum, Londres, terminal del aeropuerto internacional de Honk Kong, de Pekín, de Méjico, segunda ampliación del Museo del Prado, etc.

Imagen relacionada
Edifício Hearst, Manhattan  1º edificio eco. Norman Foster. Eco-Tech

El nuevo edificio fue concebido como un llamativo rascacielos de acero y cristal que consagra una cantidad de hitos relacionados con el medio ambiente y el diseño. La Torre Hearst se convirtió en auténtica pionera en la sustentabilidad medioambiental, después de haber sido declarada el primer edificio de oficinas “ecológico” de la ciudad de Nueva York.

«El Pepinillo», Torre en la City, Londres, Norman Foster

 

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Great Court, The Brithis Museum, reforma de Foster

Diseñado por Foster and Partners, transformó el patio interior del Museo en la plaza pública más grande cubierta de Europa. Es un espacio cerrado por un espectacular techo de cristal con la mundialmente famosa sala de lectura en su centro.

El mapamundi de Sir Norman Foster
Millenium Bridge, Londres, Norman Foster
Arquitectura High-Tech

https://www.verpueblos.com/fotos_originales/5/6/0/00905560.jpgMetro de Bilbao. Los Fostercitos. Foster. Arquitectura. High-Tech
10 datos curiosos sobre el Ayuntamiento de Londres – Bristoleños.comAyuntamiento de Londres. Foster. Arquitectura High-Tech y Eco Tech. Siglo XXI

Ampliación del Reichstag (parlamento alemán) en Berlín

Cúpula del Reichstag, Berlín, Norman Foster
Imagen relacionada
Interior de la cúpula del parlamento de Berlín, detalle constructivo, Norma Foster
Resultado de imagen de biblioteca de nimes n. fosterBiblioteca de Nimes. Francia. Norman Foster. Eco Tech.
Zayed National Museum, Abu Dabi, en construcción. Norman Foster

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Aeropuertos con mayor capacidad para el tránsito a nivel mundialAeropuerto de Pekín, Norman Foster
Intervención en la ampliación del Camp Nou, Norman Foster
Bodega Portia, Norman Foster, Gumiel, Ribera del Duero, Burgos.

Bodegas Portia del grupo Faustino, obra de Norman Foster, inagurada en el año 2010:
«La bodega está estructurada con hormigón, madera, acero y vidrio. En total 12.500 metros organizados en tres plantas en forma de estrella cuyos tres brazos corresponden a las distintas zonas de elaboración, fermentación y crianza del vino. El corazón central, sobre el que se encuentra la tolva receptora de las uvas recolectadas, actúa también como centro de coordinación, incluyendo tienda, sala de cata, auditorio, sala de reuniones y cafetería.»
Esta obra «muy de Foster», sobría y elegante…

 

Recursos:

12. Zaha Hadid. Deconstructivismo

APUNTES - REVISTA DIGITAL DE ARQUITECTURA: CENTRO CULTURAL HEYDAR ALIYEV EN  BAKU, LA CAPITAL DE AZERBAIJAN, ARQUITECTA ZAHA HADID

Zaha Hadid, quién es la primera arquitecta en ganó el Pritzker gracias a  sus obras

“Ser mujer, inmigrante, árabe, autosuficiente y dibujar extraño no me ha facilitado las cosas. Pero me ha permitido ser”. Zaha Hadid.

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Estación de bomberos, Vitra, Alemania, Zaha Hadid

Es la primera mujer arquitecta superestrella, con una amplia producción arquitectónica en diferentes lugares del mundo. Ha sido premiada con numerosos galardones como el premio Mies van der Rohe (2003), el premio Pritzker (2004), el Praemium Imperiale (2009) y ha sido nombrada Dame of the British Empire (2012). Falleció en Miami a causa de un infarto el 31 de marzo de 2016.

Imagen relacionada
Centro Cultural Heydar Aliyev ,Bakú,  Azerbaiyán, Zaha Hadid

Destaca por su fusión con el paisaje y el espacio circundante. Apuesta por la plasticidad, la arquitectura orgánica, el movimiento, las líneas curvas, las terminaciones angulosas, la luz lograda a través de grandes fachadas acristaladas, materiales modernos como fibra de vidrio, poliéster y el color  blanco. Reta a la gravedad.

Es una de las mejores representantes de la Arquitectura Deconstructivista, corriente caracterizada por

  • Romper con todos los principios de la arquitectura. No hay equilibrio en la estructura, ni armonía, ni el concepto del espacio tradicional
  • Imaginación y creatividad desbordante del arquitecto.
  • Separar la forma de la función.
  • Fragmentar el edificio (deconstruir). Desintegrar el espacio. Formas irregulares.
  • Son edificios dinámicos, aparentemente irrealizables.
  • Complejidad constructiva y técnica que obligan a apoyarse en sofisticados medios informáticos en los diseños.
  • Utilización de un lenguaje escultórico.
  • Materiales variados y novedosos que alcanzan gran protagonismo.
  • Resultado espectacular y fascinador en el espectador.

OBRAS

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Son numerosísimas:  museo MAXXI en Roma (1998-2010), Palacio de la Ópera de Cantón en China (2005-2012), El Centro de Heydar Aliyev en Bakú, Arzebaiyán, 2007-2012; el London Aquatics Center (2008-2011) en el Parque Olímpico de Londres 2012 y un largo etcétera de edificios ya construidos al que hay que sumar los que ahora están en proceso de construcción o diseño.

Además, en el 2000 inauguró la serie de pabellones temporales de la Serpentine Gallery en Hyde Park, en Londres, que desde entonces se ha convertido en un hito arquitectónico mundial. A lo largo del tiempo, ha insistido en el diseño de interiores, eventos, mobiliario, zapatos y joyas.

En España tiene 3 obras construidas: el pabellón puente de Zaragoza, el edificio anexo a las bodegas Viña Tondonia en Haro (La Rioja) y la estación de Euskotren en Durango (Vizcaya)

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Estación de Congresos, Viena, Zaha Hadid
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Centro acuático de Londres. Zaha Hadid.
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Palacio de la ópera de Canton, China, Zaha Hadid. Deconstructivismo

Imagen relacionada

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Museo de Montaña, Dolomitas, Italia, Zaha Hadid

Pabellón- puente, Zaragoza, Zaha Hadid

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Galaxy Soho en Beijing, China. Zaha Hadid.
Opus / Zaha Hadid Architects | ArchDaily MéxicoPrimer hotel de la cadena Melia Hotels Internationa. Dubai. EAU. Zaha Hadid
trabajo del ícono de la arquitectura Zaha Hadid 8
Dongdaemun Design Plaza & Park, Seúl, Corea del Sur                             

OBRAS EN ESPAÑA                                                                                            
trabajo del ícono de la arquitectura Zaha Hadid 5
Pabellón Puente, Zaragoza, Zaha Hadid

Imagen relacionada
Bodega Viña Tondonia, Haro, La Rioja, Zaha Hadid
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Estación de Durango, Zaha Hadid

Proyecto de la isla de Zorrozaurre en Bilbao

Trabajo para presentaciones en las pasarelas para Chanel, Zaha Hadid

Recursos