6. Art Déco. Tamara Lempicka

 

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Muchacha con guantes. T. Lempicka.

Tamara Lempicka, transgresora, independiente y moderna, es la pintora del estilo Art Déco por antonomasia. Nació en el seno de una familia adinerada en Varsovia (Polonia) en 1898.

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Autorretrato en un Bugatti verde. T. Lempicka

A  pesar  de  su  aparente  vida  glamurosa,  sufrió  intensas  depresiones  que  no  le   daban  tregua.   Esta   fascinante   artista,   que   tuvo   una   vida   de   película,   fue   adorada   y   despreciada   a   partes   iguales,   pues   para   algunos  vanguardistas  representaba  el  paradigma  de  lo  kitsch  o  un  personaje  esteticista  de  otra   época.  Ella  y  su  arte  eran  considerados  como  la   esencia  de  la  frivolidad.  Su  pasión  por  la  belleza  y  el  lujo  no  casaban  con  los  artistas  de  vanguardia.   Aunque  no  la  faltó  trabajo  como  retratista  de  las  élites  aristocráticas, no  fue aceptada  en  general,  ni  por  su  colegas  pintores  ni  por  los  críticos  de  arte.

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Saint Moritz. T Lempicka. 11929

Su  objetivo  como  pintora  no  era  copiar  la  realidad  sino  crear  un  nuevo  estilo,  brillante  y  de  colores  luminosos   donde   predomine   la   elegancia   de   las   figuras   representadas.      Lempicka  se  especializó  en   retratos   de   mujeres  déco,  con  fondos  arquitectónicos  de  rascacielos  de  ese  estilo,  muy  abundantes  en  sus  cuadros.  En  sus   obras  retrata  el  nuevo  paradigma  de  la  mujer  de  los  años  20  y  30,  mujeres  que  pretenden  ser  emancipadas,  que   fuman,  conducen  su  propio  coche,  adoptan  una  indumentaria  un  tanto  andrógina,  con  cabello  Bob  o  a  lo  garçon,  Retrató  a  escritores,  actores,  artistas,  científicos,  industriales  y  muchos  nobles  de  Europa  del  Este  exiliados  en  París.  Fue  la  pintora  de  la  alta  sociedad  de   su  tiempo que  hacen  deporte,  viajan  y  disfrutan  de  la  vida…

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Duquesa de la Salle.Lempicka. Art Déco
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Nude. T. Lempicka
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The Musician. T Lempicka
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Doctor Boucard, bacteriólogo. T. Lempicka

Consulta

 

Madonna le dedicó un vídeo. Actualmente es una de las mayores coleccionistas de su obra.

La Escuela de Chicago y su influencia en la arquitectura del siglo XX

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The Chrysler Building

New York, la ciudad Art Déco por excelencia.

La influencia de la  Escuela de Chicago en la Arquitectura Art Deco.

A finales del siglo XIX  surge la Escuela de Chicago. Supone el nacimiento de la arquitectura contemporánea y el primer estilo plenamente norteamericano.

  • Se trata de una arquitectura funcional y utilitaria
  • Construyen bloques de viviendas en altura. Ha nacido la era de los rascacielos.
  • Utilizan nuevos materiales aparecidos con la industrialización: hierro, acero, cemento, hormigón y cristal
  • Las edificios se abaratan y se construye en menos tiempo.

Sullivan. El Pionerro

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Conclusiones                                  La Escuela de Chicago sin duda                                   alguna ha ...

Los principios de la arquitectura de la Escuela de Chicago se utilizarán en la Arquitectura Art Deco,   en  particular  en  la  ciudad  déco  por  antonomasia,  Nueva  York.

Flatiron Buiding. 1902. Uno de los primeros rascacielos de New York

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Estados   Unidos experimentó  un  boom  de  la  construcción  en  los  años  20. La  arquitectura  Art  Déco  triunfó  en  teatros,  cines,  hoteles,  restaurantes,  transatlánticos  y  por  supuesto  en  los   rascacielos.

La  ornamentación  Art  Déco se  concentraba  masivamente  en  la  entrada  del  edificio:  rejas  exteriores,   puertas,  vestíbulos,  ascensores. Proliferaron   los   diseños   geométricos,   florales,   con   recuerdos   cubistas,   adornados  con  arcos,  rayos  de  sol,  muchachas  y  ramilletes  de  flores en los rascacielos.

 Paulatinamente  dejaron   de   lado   los   materiales   tradicionales   de   construcción   a   favor   de   los   nuevos,   sobre   todo   el   metal   y   el   cristal,  más  en  armonía  con los principios de la  nueva  arquitectura.  Se  comenzó,  además  a  utilizar  el  acero,  que  creaba  brillos  y  era   resistente.   La  piedra  y  la  terracota comenzaron a estar desfasadas.

La  construcción  de  algunos  de  los rascacielosmás emblemáticos  de  Nueva  York  se  realizan bajo  los  dictados   estilísticos   del   Art   Déco   como

Crysler Building. 1928, 72 plantas, 319 mts. Arquitecto Willian van Allen

Interesante artículo y  fotografías en  la página wikiarquitectura

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Chrysler Building en Nueva York. Art Deco

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Empire State Building.

1930. 443 mts. 102 plantas. Arquitecto: Wiliam Lamb

Consulta wikiarquitectura

El edificio nace de un pique entre los empresarios Walter Chrysler, propietario de Chrysler y John Jakob Raskob, ejecutivo de la General Motors Company por levantar el edificio más alto del mundo.

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Rockefeller Center (GE)

259 mts. 70 plantas. 1933. . Arquitecto: Raymond  Hood

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La escultura vanguardista del siglo XX

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La escultura contemporánea experimenta una revolución radical en el siglo XX. Las  tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al de la pintura. La ruptura en escultura es más tardía, posiblemente porque los artistas están más atados a la tradición que marcan sus clientes y el coste del material es más elevado que en pintura.

El precursor, a finales del siglo XIX, fue A. Rodin quien aplica los principios impresionistas a la escultura alejándose de las pautas academicistas. Pero la ruptura definitiva la realiza el Cubismo. Los escultores buscarán un nuevo lenguaje expresivo y  libertad creadora. Como sucede en la pintura, es difícil clasificar a los escultores en un movimiento u otro porque están en continua evolución.

Características  de la escultura del siglo XX :

  • Temática. La figura humana pierde su omnipresencia. Ahora los nuevos temas se inspiran en las formas geométricas, en la naturaleza, escultura biomórfica, representan  la abstracción, el movimiento, la antimateria, el espacio, el vacío.
  • El lenguaje escultórico es expresionista, a través de sus obras transmiten  angustia, inquietud, rechazo, desesperación ante los momentos históricos que les toca vivir.
  • Las innovaciones plásticas  están basadas en la masa y su deformación, en el volumen (abierto/cerrado).
  • Representan el movimiento unido a la energía. Esculturas-máquinas o cinéticas (Calder- móviles)
  • Están en permanente experimentación con materiales nuevos como hierro, plásticos, plexiglás, sintéticos, resinas, etc.
  • Los artistas están en continua  evolución. Pasan de un movimiento a otro (González del cubismo al surrealismo/ Calder del surrealismo a la abstracción cinética/etc.)

Principales escultores y obras más representativas

Umberto Boccioni,  Futurismo

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Formas únicas de la continuidad en el espacio, escultura de bronce obra de 1913, Museo de Arte Moderno de Nueva York. Con esta obra Boccioni intentar plasmar la velocidad del movimiento y experimentar los contrastes lumínicos en el bronce.

DEL EXPRESIONISMO A LA ABSTRACCIÓN.

Brancusi (1876-1957).  Consulta el blog forma es vacío, vacío es forma

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El beso. Brancusi
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Pájaro. Brancusi. 1928. MOMA
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Musa dormida. Brancusi
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Columna interminable. Brancusi. Rumanía

Alberto Giacometti (1901- 1966). Expresionismo

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Hombre andando. Giacometti. Bronce
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Esquina de la ciudad II. Giacometti

DADAISMO

Duchamp. Dadaista. Ready-make (leer artículo del blog ENSEÑARTE)

Duchamp convierte objetos cotidianos, que no poseen ningún valor específico y a los que él añade una mínima transformación, en obras de arte, sacándolas de su contexto habitual.

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La fuente. Duchamp. Dadaismo.
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Rueda de bicicleta. Ready-make. Duchamp
El botellero. Duchamp. Objetos encontrados o ready-make

SURREALISMO

Jean Arp (entrada en este blog). Del surrealismo a la abstracción

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 SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX

CONSTRUCTIVISMO ABSTRACTO. LA VANGUARDIA SOVIÉTICA 

Leer artículo de ENSEÑARTE

Naum Gabo

La obra de Gabo es una búsqueda e indagación  constante del espacio realizada de forma científica y la utilización de los nuevos materiales industriales, de manera especial los transparentes

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Cabeza de mujer. Naum Gabo. Constructivismo. Periodo de Entreguerras.
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Bronce esférico. Gabo. Constructivismo y escultura cinética
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Construcción en el espacio. Gabo. Constructivismo

Antoni Pevsner (hermano de Gabo)

Escultor ruso. Junto a su hermano uno de los mejores representantes del constructivismo y de la escultura abstracta.

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Construcción oval. Pevsner

Destaca por la utilización de nuevos materiales (vidrio, plexiglás, metal, bronce, cemento, plásticos, etc.). De los materiales tradicionales sólo utiliza el bronce pero con un tratamiento nuevo. Introduce el color como en su obra Fuente

Fuente. Plástico coloreado. Pevsner. Escultura abstracta. Constructivismo ruso

Abandona la figuración, representa esculturas abstractas, llenas de dinamismo, donde el vacío ocupa un lugar principal en su investigación.Son esculturas científicas, basadas en estudios  matemáticos y geométricos.

Su finalidad principal es  esculpir el espacio, el vacío, no solo con las formas sino también con materiales translucidos, con la simplicidad de las líneas.

Destacan las formas helicoidales de sus obras.

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El mundo. Pevsner. Constructivismo
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Construcción con superficie desarrollable. Pevsner. Constructivismo

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Columna de la paz. Pevsner. Abstracción

ESCULTURA BIMÓRFICA Y HUMANISTA

Henry Moore (1898- 1986):  Profundo interés por lo humano.  unión de las formas artísticas con la naturaleza.

Recomendable el artículo del Blog de Trianart. Henry Moore: Escultura, Arte en la calle

Escultor al que dieron la fama sus esculturas en bronce y mármol, que fueron creadas para ser exhibidas en espacios abiertos, y que se pueden ver en numerosas ciudades de todo el mundo.  El protagonismo del espacio, del hueco, del vacío tratado de forma amable.

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Óvalo con dos puntas. Henry Moore

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Expresionismo Abstracto. Escultura Cinética

Alexander Calder (1898- 1976). 

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EXPRESIONISMO FIGURATIVO DE FORMAS ORONDAS

Fernando Botero (1932-). Colombiano. Pintor y escultor

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ESCULTURA MINIMALISTA ACTUAL. Grandes estructuras matéricas

Richard Serra (EEUU). Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

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Escultura: La relación artística entre Picasso y Julio González

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(Mujer en el jardín. P Picasso. Reina Sofía

El nacimiento de la escultura de hierro. Dibujar en el vacío.

Pablo Picasso y Julio González se conocen desde la estancia del pintor en Barcelona, frecuentan la Taberna Dels Quatre Gats y desde entonces fraguan una gran amistad. Su colaboración artística es breve pero fecunda.

En 1928, Picasso se plantea realizar una escultura como monumento a su amigo y poeta Guillaume Apollinaire, fallecido a finales de la década anterior. El proyecto nunca vio la luz. Decide recurrir al consejo de Julio González, del que conoce su pleno dominio de la técnica del hierro, aprendida por el escultor catalán desde su infancia, pues su padre tenía un taller de orfebrería y forjado. Comienza así un trueque de conocimientos y sensibilidades que durará hasta 1931 y que dará como resultado la creación de una serie de obras que revolucionaron la escultura del siglo XX.

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Bustos femeninos (cemento/bronce). Picasso

Picasso extrae la habilidad de tratar el hierro y utilizarlo para dibujar en el aire. La obra de González, por su parte, se hace más abstracta, aunque sin perder su vínculo con la figuración, adquiriendo de este modo una mayor expresión y fuerza que habrán de ser determinantes para la evolución de la escultura contemporánea.

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Bailarina pequeña. Julio González

La genialidad de Julio González, que a los 50 años, decide dejar definitivamente la pintura, consistió en combinar  dos técnicas que procedían de ámbitos distintos: la forja del mundo artesanal y la soldadura autógena del mundo de la industria (este último procedimiento lo aprendió trabajando en la fábrica de Renault). La utilización de ambas técnicas permitía una gran libertad formal ya que requería poca superficie de contacto para la unión de las partes y proporcionaba una gran ligereza de volúmenes. Siguiendo este camino se convirtió en pionero del arte de la escultura en hierro aplicando lo que él definía como “dibujar en el espacio”. Esta expresión ha hecho fortuna y ha quedado asociada definitivamente al nombre de Julio González.

Dafne. J González
La bailarina de la margarita. J. González

La amistad con Picasso determinará su evolución hacia la aceptación de innovaciones técnicas y una aproximación al cubismo. De este periodo es la escultura hecha por Picasso en hierro y pintada después de blanco Mujer en el jardín, Cabeza de mujer.
Su experimentación escultórica llegará a la cumbre en la década de los años 20, en concreto con las esculturas de alambre de 1928, concebidas dentro de una estética surrealista y utilizando la técnica del ensamblaje que aprendió de González. En ellas se acerca al collage con la utilización de materiales diversos como arpilleras, arena, hojas de plantas e incluso mariposas.

 Julio González formula un lenguaje escultórico que supone la mayor revolución formal llevada a cabo hasta ese momento en el campo de la escultura. Esa revolución consistía en sustituir las masas y volúmenes de la escultura tradicional, por un nuevo lenguaje hecho de planos, líneas y vacíos. La utilización activa del vacío y del espacio. Como se ve en sus obras Montserrat, arlequín, mujer ante  el espejo, etc.

 

 

 

 

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Cabeza ante espejo de Julio González
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Mujer ante el espejo

Mujer ante el espejo. Es una síntesis de temas figurativos que Julio González ya había tratado repetidamente: mujeres de pie, peinándose o moviéndose, cabezas descompuestas,máscaras, cabelleras y espejos. El artista combina estos temas por medio del nuevo lenguaje escultórico que ha venido creando, un lenguaje de varillas y planchas repujadas, forjadas o soldadas, aristas, líneas, planos, huecos, perfiles, etc. Mujer ante el espejo es un compendio de la nueva etapa de González: tendencia hacia la abstracción, influencia del cobusimo en la descomposición de los planos figurativos, dibujar en el espacio, dar protagonismo al vacío.

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ESCULTURAS FIGURATIVAS EXPRESIONISTAS Y SIMBOLISTAS. EXPOSICIÓN UNIVERSAL DE PARÍS DE 1937. LAS MONTSERRAT

 

Resultado de imagen de obras de julio gonzalez la montserratCabeza de Montserrat ( Blog de Señor del Biombo) El escultor nos presenta un personaje anónimo, más como un símbolo que como un verdadero retrato en el que se busca, fundamentalmente, la expresión de una idea: el sufrimiento, el dolor de toda una guerra incivil (como diría Unamuno)
El material utilizado es el bronce, en ciertas zonas pulido.
Se trata de una escultura exenta y fragmentaria, que rehuye presentar todo el cuerpo a favor de la cabeza, para así concentrar el mensaje (Esta práctica se había vuelto habitual en el Renacimiento y Barroco, aunque Rodin es el que más había insistido en ella a finales del XIX)
La composición insiste en las líneas diagonales (perfil, paños del pañuelo) que le den una mayor expresividad, prefiriendo las líneas rectas y cortantes que le den un sentido más universal, sin profundizar en detalles que personalizaran más la imagen.
El modelado juega con planos bien diferenciados, sin dar importancia a las transiciones entre unos y otros. De la misma manera mientras algunas zonas se pulen otras se dejan sin terminar por completo, dejando una serie de huellas del proceso que lo emparentaría con algunas formas ya iniciadas por Miguel Ángel y luego muy trabajadas por Rodin. Por último, los profundos huecos oculares o la boca abierta juegan con el claroscuro para potenciar (una vez más) la expresión.
La figura, expresiva y un tanto esquemática, renuncia al naturalismo total a favor de lo emotivo, del gesto casi universal del Grito (aunque de una forma mucho menor que la pintúra homóloga de Munch)

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La Montserrat. González llega a su plenitud creativa con esta obra que se va a convertir en un símbolo. El tema es el de una campesina que lleva a un niño en los brazos y sostiene una hoz en la mano derecha. Julio González supera la anécdota y la convierte en un símbolo de representación universal para ello recurre a una escultura figurativa expresionista y simbolista. El uso de chapas de hierro irregulares y fragmentadas, como si de pura chatarra se tratasen ayuda a aumentar el carácter trágico de la figura. La mujer que defiende con la dignidad y el orgullo de un guerrero su mundo, su familia y su tierra. Ante la tragedia de la Guerra Civil, González la convierte en un símbolo que traspasa su propia individualidad. El tema de la mujer campesina no es una novedad en su obra,  desde sus comienzos, junto con el de la maternidad, es un tema recurrente.

 

 

 

 

Cuando murió Julio González en 1943 era un artista reconocido por la vanguardia artística en el extranjero pero un completo desconocido en España. Entre los pocos amigos que asistieronal entierro se encontraba Picasso. Ni siquiera su hija Roberta pudo asistir pues estabaretenida lejos de París. Hay que tener en cuenta que eran los años de la ocupaciónalemana. Unos días después Picasso pintó unos óleos donde aparece un cráneo de torobravo sobre una mesa pintada de verde y azul y junto a ella, una cortina con los colores violeta y negro. Se trataba de los colores que tenían las vidrieras de la iglesia deArcueil, el pueblo cercano a Paris donde vivió y murió Julio González. Era su particular manera de rendir homenaje a su admirado amigo

Exposición de las esculturas de Picasso en el MOMA (pincha)

 

Escultura Vaso de Ajenjo
Escultura vaso de ajenjo. Picasso