Pablo Gargallo. Padre de la escultura vanguardista

Acabo de concluir algo que quizá le interese. Es de bastante importancia. Creo haber hallado el camino de mi tranquilidad estética: lo que ya es algo en los tiempos que corren. (carta a Jacques Bernheim hacia 1933). Dijo al concluir su obra cumbre, El Profeta.

Nació el 5 de enero de 1881 en Maella, Zaragoza. En 1888, su familia se traslada a Barcelona, donde inicia su formación artística en el taller del escultor Eusebio Arnau y en la Chimenea de la Fonda de España. Acude a las tertulias del café Els Quatre Gats con Casas y Picasso. En 1903 viaja a París becado por la Escuela de Bellas Artes, allí conoce a Juan Gris, quien le influirá con su estética cubista.

En 1913 conoció en París a Magalí. Se casaron. Durante la 1ª Guerra Mundial regresa a Barcelona. En 1920 fue nombrado profesor de Escultura de la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña. Al proclamarse la Dictadura de Primo de Rivera en 1923 es destituido. Se traslada definitivamente a París con su mujer y su hija, Pierrette.  Pablo Gargallo tuvo una salud frágil, falleció durante un viaje a Reus el 28 de diciembre de 1934, a la edad de 53 años. En el año 1985 se inauguró en Zaragoza, por iniciativa de su hija y del propio ayuntamiento, el Museo Pablo Gargallo.

Es uno de los padres de la vanguardia española. En París descubre el Cubismo y evoluciona desde la figuración hacia la abstracción y el expresionismo. Forma parte de la Edad de Plata de la cultura española.

Innova con el hierro. Trabaja con planchas metálicas que moldea y da forma. Sus obras son ligeras, va vaciando la masa para  esculpir el vacío, los contrastes de luz,…

Divide las superficies en cóncavas, convexas y planas.

Utiliza metal recortado, trabajado a martillo, las piezas las une con soldadura.

No abandona la escultura «más tradicional», las figuras de bulto redondo, pero experimenta una gran evolución e innova con el material.

Su obra se puede definir como la combinación armónica del espacio y del volumen. Esculpe el vacío, el espacio.

Las obras más prestigiosas son: El Profeta (1933), a la que Gargallo definió como su «tranquilidad estética», El Arlequín, La Bañista, David, Mujer del Espejo, Academia y los retratos de Kiki de Montparnasse (al más estilo Art Decó) Greta Garbo, Antinoo, etc.

Obras:

Obras expuestas en el Museo Pablo Gargallo de Zaragoza (enlace)

El Profeta. Una de sus obras más emblemáticas. Muy recomendable escuchar y mirar atentamente el vídeo inicial

Copia la ficha técnica  y análisis en el siguiente enlace

EL Profeta. Pablo Gargallo. Planchas de bronce

Greta Garbo con pestañas. Pablo Gargallo

Cuando Gargallo realiza la primera máscara metálica, en 1907, y sobre todo al desarrollar su primera época del cobre, utiliza finas chapas de cobre o hierro, de las que recorta las distintas piezas que han de componer la escultura. Una vez repujados, modelados, torsionados los elementos del conjunto, la unión de todos ellos se resuelve mediante ligeros remaches e ingeniosos ribeteados y engarzados.

Gran Bailarina. P Gargallo

Kiki de Montpamasse. Gargallo. 1928

El violinista, Gargallo. 1920

Puedes ver más obras en el blog forma es vacío, vacío es forma (enlace)

Jean (Hans) Arp: del Dadaismo al Surrealismo Abstracto. Escultura biomórfica

Aconsejable visitar la fundación Jean Arp

Jean Arp (1886-1966) es una figura fundamental para la historia del Dadaísmo (fue miembro fundador), evoluciona hacia el Surrealismo y con sus esculturas biomórficas, anuncia la Abstracción. Es uno de los mejores representantes de la Escultura Surrealista junto a Giacometti y Henry Moore.

Nace en Estrasburgo (cuando pertenecía a Alemania tras la guerra Francoprusiana), muere en Basilea (Suiza). Estudia Bellas Artes y en París entra en contacto con los ambientes vanguardistas y con artistas de la talla de Picasso, Kandinsky… Le apasiona la poesía, pero termina dedicándose a la pintura, aunque gran parte de su obra son relieves y esculturas. Pronto se define su técnica dadaísta y surrealista en las formas y motivos.
El punto de partida de Arp es el entorno dadaísta de Zúrich donde se exilió durante la Primera Guerra Mundial. Es el momento del Cabaret Voltaire y la protesta contra la guerra, de la provocación como forma de arte, del gusto por el absurdo y el juego… en este grupo, Arp conoce a la artista, que luego sería su esposa, Sophie Taeuber (1889-1943).

La obra de Arp gira en torno a dos temas fundamentales para el arte: el mundo vegetal y orgánico y la figura humana. La transformación que se produce en la obra de Arp va desde una figuración surrealista a otra antropomórfica.

Rectángulos ordenados según las leyes del azar. JEAN ARP, 1916-17. THE MUSEUM OF MODERN ART, NEW YORK

Ideas fundamentales:

Rebeldía, la capacidad de negación, la irracionalidad, el inconformismo y la subversión contra el orden preestablecido.

Trabaja todo tipo de materiales: escayola, granito, bronce y aluminio en esculturas, la mayoría de pequeño formato; relieves en madera; crea obras con recortes de papel. Es un buen dibujante, grabador y litógrafo.

Utilizó, principalmente, una paleta de colores limitada: blanco, gris y negro.

En su estilo predominan: composiciones arbitrarias, ejecutadas al azar (lanzaba recortes de papel y según caían los dejaba / orden del azar), collages tridimensionales, líneas curvas, sinuosas, sin aristas y de formas abstractas. Establece equilibrios entre vacíos y volúmenes.

Las esculturas recuerdan a las formas que se encuentran en la naturaleza, él las denominó  «esculturas biomorficas«, aludiendo a la relación que establecía entre la pura creatividad artística y las formas que surgen en la naturaleza. Son obras en bronce dorado, metal, mármol o piedra.

Hace dos tipos de esculturas, las puramente abstractas y las que nos evocan formas humanas simplificadas.

Primero hace las obras, después las titula para limitar la intervención de la mente consciente en la creación.

OBRAS:

Configuración. 1927. Dadaísmo. J. Arp

Espejo- flor. J Arp

Pechera de la camisa y tenedor. 1922. Relieve de madera pintada. H. Arp

Constelación con cinco formas blancas y dos negras. Jean Arp.

Lágrimas de Enak, J. Arp

A partir de 1930 se centra en la escultura. Mezcla las técnicas surrealistas del automatismo y las imágenes oníricas con el concepto dadaísta de azar, dando lugar a sus características formas orgánicas, conocidas como escultura biomórfica (inspiradas en las formas de la naturaleza y el azar).

En sus esculturas predominan líneas curvas, la ausencia de aristas. Utiliza materiales nobles como el bronce pulido y el mármol. Están cercanas a la abstracción y transmiten humanismo y amor por la naturaleza.

Escultura perdida en el bosque. Jean Arp. Surrealismo abstracto

Pastor de nubes o nube biomórfica.1953 Jean Arp

Pincha para mirar más obras de Arp

Dadaismo. Marcel Duchamp

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  Fuente. 1917. R. Mutt. Dadaismo. Ready- made.

Preámbulo. El manifiesto Dadaista de Tristán Tzara.

Marcel Duchamp fue un artista y ajedrecista francés que se afincó en Estados Unidos. Dadaista, artista controvertido, provocador, su objetivo es desacralizar el arte.

Con el urinario, la fuente o R. Mutt 1919, demostró dos cosas: que cualquier objeto puede ser considerado arte, lo que se llamó readymade, y que el campo artístico necesitaba una revolución y un cambio en la mentalidad conservadora. La fuente es considerada la obra de arte más influyente del siglo XX. 1ª obra del arte conceptual. La estética es lo de menos, lo importante es la reflexión, la crítica al concepto del arte burgués.

Ideó lo que él llamó los ready-mades o esculturas realizadas con objetos existentes y vulgares, que fueron una de las aportaciones más importantes al arte del siglo XX. Descontextualiza lo objetos industriales dotándolos de una nueva significación. Se limitaba a escoger un utensilio corriente que al arrancarlo de su mundo cotidiano, de su ambiente de uso, lo coloca en uno de inutilidad, privándolo por completo de todo valor funcional. Entresaca los objetos de su contexto habitual y los sitúa en otros, es decir, los recontextualiza.

Su atrevimiento más espectacular fue cuando presentó en la primera exposición pública de la Sociedad de Artistas Independientes, el 9 de abril de 1917, un urinario de porcelana blanca colocado al revés con el título de Fuente. Era el máximo ejemplo de aquello que deseaba el artista francés: la desacralización del arte. Incluso renunció a su nombre adoptando el seudónimo de R. Mutt.

Los organizadores decidieron no exponer aquel objeto por considerarlo «indecente», lo cual provocó varias discusiones internas y la dimisión del mismo Marcel Duchamp, que formaba parte del comité directivo. En su alegato de protesta, el controvertido artista formuló al mismo tiempo la definición del ready-made: «Que el Sr. Mutt haya hecho con sus manos La fuente (nombre con que también se conoce El urinario) o no, carece de importancia. Él es quien la ha elegido. Ha tomado un artículo común de la vida de todos los días, lo ha colocado de modo que su significado útil desapareciera, ha creado un nuevo pensamiento para este objeto». El original de la obra se perdió, y a mediados del siglo XX, Duchamp realizó varias versiones más que actualmente se encuentran repartidas en varios museos.

El autor estaba convencido de la inutilidad de la pintura tradicional y de la necesidad de un arte basado en las ideas; por este motivo buscaba la sustitución de la obra de arte tradicional, «hecha a mano», por artículos ordinarios producidos en serie y hechos a máquina. Con sus ready-mades (es decir «lo ya hecho» u «objeto encontrado») niega el concepto tradicional de arte y se propone cuestionar el estatuto artístico, es decir, la belleza, da a entender que el único factor determinante de que un objeto tenga o no valor estético sea la misma percepción.

Desnudo bajando la escalera, número 2 de Marcel Duchamp. 1912, Philadelphia Museum of Art, Filadelfia, Pensilvania. Pintura rechazada por cubista- futurista.

El gran vidrio, Duchamp, 1915, Dadaísmo. La novia desnudada por sus solteros», seguir leyendo…

La Novia desnudada por sus solteros” o el ¨Gran Vidrio¨ como es conocida esta magnífica obra, va más allá de ser una escultura o una pintura, para él es simplemente arte, arte que lleva consigo un mensaje especial y un tanto complejo, ya que se puede observar por detrás y por delante, mostrando un fondo distinto y cambiante. El artista realizó el trabajo durante ocho años, dedicando su tiempo y esfuerzo para desarrollar una obra que revolucionara el mundo del arte, categorizada por él como ¨Imagen hilarante¨.

La obra está constituida por dos hojas de vidrio divididas por una lámina de aluminio. Durante el proceso de creación de la obra, Duchampfue agregando elementos tales como láminas de oro, plomo, aceites, barniz, alambre de fusibles y hasta el polvo que se encontraba en su estudio y se adhería por sí solo al cristal.

Su construcción se basa en perspectiva, geometría, matemáticas y un exhaustivo trabajo artesanal, aún así no se consideró como terminada hasta que durante un traslado se rompió. El artista quedó fascinado con las espectaculares grietas a lo largo y ancho de su creación. Posteriormente se dedicó a pegar las piezas y las colocó en un marco de aluminio, conservándose así hasta hoy día.

A través de cada una de las partes de la obra, Marcel Duchamp trata de expresar la tensión sexual, por medio de las interacciones entre la novia que se encuentra en la parte superior sosteniendo a los nueve solteros que habitan en la parte inferior, acompañados de extraños aparatos. Todos los elementos que podemos ver se encuentran conectados entre sí, marcando un fuerte mensaje erótico, uno de los tantos mensajes de interpretación que se aprecian de la obra.

Esta creación tiene enormes significados, ya que retrata a una novia que figura con cuerpo de insecto, con algo de curvas, atrapada en una jaula y teñida por colores grises apagados, mientras que los solteros se posan coloridos, con más líneas rectas y con una especie de mecanismos hidráulicos.

Rueda de bicicleta sobre taburete, M Duchamp, 1913, MOMA, ready-made, Dadaísmo.

Duchamp crea su primer Ready Made, que viene a ser ese objeto sacado de su contexto original, desfuncionalizado y convertido en arte. Es decir en vez de ser un objeto creado por el artista, es el artista «robando» uno ya fabricado. “En 1913 tuve la feliz idea de fijar una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina y de mirar cómo giraba”. Así recordaba Marcel Duchamp, en 1961, el surgimiento del primer ready-made (así puede leerse en el libro Escritos. Duchamp du Signe). El arte se convertía así en algo que reside básicamente en el espectador y que no tiene que poseer necesariamente las cualidades estéticas tradicionales. Es una de las primeras obras del arte cinético.

Para analizar la obra sigue leyendo Historia de una rueda de bicicleta en CONFABULARIO.

L.H.O.O.Q.  en francés de Elle a chaud au cul, y que suele traducirse como «Ella está excitada sexualmente o ella tiene el culo caliente». Es una de las versiones de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci que hizo en 1919, uno de los ready mades que le hicieron famoso. Una nueva provocación al concepto del arte muy del gusto dadaista robar una reproducción la Mona Lisa de Da Vinci, ponerle unos bigotes y colgarla en un museo.

Bottle Rack, 1914, Ready make. M. Duchamp. Dadaísmo

Botellero metálico no transformado que compró Duchamp y lo firmó. No hay explicaciones estilísticas, es una obra provocadora que muchos ven connotaciones sexuales siguiendo las teorías de Freud. El autor considera que el arte es banal, es una crítica, demuestra que todo vale. Anécdota: el original fue tirado por la hermana al basurero, existen unas siete réplicas. Es un canto al absurdo, una crítica a los convencionalismos.

Todas sus obras están llenas de provocación. Son una crítica al Arte y al aburguesamiento de la sociedad contemporánea.. Crea obras fetiche. Transforma objetos cotidianos en obras por el simple hecho de firmarlas. Un canto al absurdo.

Salvador Dalí. Surrealismo. Método crítico-paranoico.

Eugenio Salvador Dalí nació y murió en Figueras, Gerona ( 11 de Mayo de 1904- 23 de Enero de 1989).

Junto a Picasso y Miró son los pintores españoles más universales del Arte Contemporáneo. Estudió en Madrid, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y vivió en la Residencia de Estudiantes, lugar de encuentro intelectual a principios del siglo XX español, allí conoce a Buñuel y Lorca con los que entabla amistad. Viaja a París y se convierte en el miembro más escandaloso y ruidoso del grupo de los surrealistas. Escribe con Buñuel dos guiones de cine: Un perro andaluz y La edad de oro. Conoce a Gala, se convertirá en su musa, asesora y esposa.

Entre 1940 y 1955 triunfa y gana dinero en USA, vendiendo cuadros y adquiriendo relevancia comercial. Descubre la importancia de la publicidad y de la propaganda; Dalí consciente de su potencialidad, la aprovecha para dar rienda suelta a su imaginación y crearse una imagen de personaje extravagante. En EEUU, colabora con el mundo del cine, graba Destino con Walt Disney y Recuerda con Hitchcock.

En 1955 renuncia a su condición de escandalizador y no rechaza los fascismos, hecho que detestan sus seguidores. Regresa a España, y el Franquismo lo recibe con grandes vítores.

Características técnicas y estilísticas:

Dalí crea su método pictórico el «crítico-paranoico» frente a la otra corriente surrealista del automatismo (mezclar la realidad con imágenes no pensadas). Es un método inspirado en el psicoanálisis de Freud y el impacto que le produjo su obra, La interpretación de los sueños.

Es un proceso que parte de imágenes reales colocadas arbitrariamente en el lienzo para dejar aflorar las fobias, sueños, alucinaciones, obsesiones del artista, surgiendo composiciones caóticas, delirantes, enigmáticas… que provocan múltiples interpretaciones en el espectador, a través de esas imágenes dobles cada espectador verá unas u otras realidades en un cuadro de Dalí, dado que cada uno de nosotros lo interpretamos desde nuestros subconsciente. “Lo que vemos en las cosas no está en las cosas, sino en el fondo de nuestra alma”, explicaba el pintor. Dalí pretende que al interpretar sus obras liberemos obsesiones, fobias, y todo lo que llevamos guardado en el inconsciente.   Enlace que explica el método 

Dalí define muy pronto su estilo pictórico como se demuestra en alguna de sus grandes obras:, El gran masturbador o La persistencia de la memoria. En ellas aparecen los rasgos que definen su pintura:

• Parecen fotografías hiperrealistas de los sueños siguiendo los principios del psicoanálisis de Freud.
• Utiliza dobles imágenes. Pinta imágenes que según sea la percepción del espectador puedan ser entendidas de múltiples formas
• La unión de objetos incongruentes entre sí.
• Las metamorfosis (transformación o un cambio en la forma). Las Metamorfosis de Narciso (obra más importante de la literatura clásica, poema escrito por Ovidio).

Temas predominantes:

• Lo escatológico. La putrefacción. Los excrementos.
• Las formas derretidas de relojes (estilo camerbert) o comestibles representando el paso del tiempo
• Una visión negativa de la sexualidad: La castración y en general la visión negativa y llena de terrores atávicos sobre la sexualidad, la desarticulación orgánica, el canibalismo (La belleza será comestible o no lo será, Breton), la masturbación (GranMasturbador), la sodomización,
• Provocación.
• Obsesión por representar el subconsciente y lo onírico.

Características técnicas

• Gran dominio del dibujo, preciso y detallista.
• Ejecución academicista. Contenido Surrealista.
• Utilización de una paleta suave, sin estridencias.
• Perspectivas clásicas, inmensas, cónicas que dan enorme profundidad a las obras.
• Composiciones limpias y ordenadas pero inquietantes.
• Obsesión por representar la tridimensionalidad de los objetos. Representa el tiempo.
• Figuras equívocas imposibles, descabezadas y convulsas, para después componerlas a su antojo.
• Academicista y clásico en las formas, barroco y rompedor en la ejecución.
• Utilización de elementos oníricos, sexuales, animales (elefantes, tigres, leones, etc.), frutos.
• Pinta formas blandas derretidas (simbolizan el deterioro de la memoria, el paso del tiempo), sostenidas por bastones.
• Admiración por los artistas clásicos.
• Aparición reiterada de Gala: Leda atómica, Gala desnuda, etc
• Obsesión por lo religioso como: la Madona de Port Lligat, La Última Cena o Santiago el Mayor o el Cristo de San Juan de la Cruz.
• Otras obras: El gran paranoico, La metamorfosis de Narciso y Canibalismo en Otoño, Premoniciones de la Guerra Civil, El sueño de Cristóbal Colón, Cisnes como elefantes,
• Realizó abundantes dibujos a lápiz, se prodigó en la cerámica y la artesanía e hizo pequeñas esculturas (ready-mades), siendo un genio reconocido en vida y valorado en un mercado con cifras astronómicas para sus obras. Desde la muerte de Gala en 1980 hasta su propio fallecimiento, redujo sus apariciones públicas, retirado en Cadaqués. Nos ha legado una ingente obra y su propia genialidad.

Obras

Muchacha en la ventana, 1925

“Figura en una finestra” (1925). Museo Reina Sofía. Dalí. Época de formación.  Museoreinasofia.es

El gran masturbador. 1929, Surrealismo. Museo Reina Sofía

El pintor muestra aquí un catálogo de sus principales obsesiones sexuales, elementos que formarían su universo pictórico como el saltamontes, bicho que lo aterrorizó desde su infancia y que intenta meterse en su boca; las hormigas que el artista asocia siempre a la muerte; el león como símbolo de poderío sexual; o esa figura femenina (probablemente Gala, su nueva musa) que le va a practica una felación a esos genitales ceñidos en unos calzoncillos.

Elementos que van de lo fláccido a lo duro, símbolos que remiten a la sexualidad, a la infancia, a los sueños… a lo más profundo del subconsciente. Sigue leyendo en HA

Comentario del gran masturbador en el blog el Señor del Biombo. Enlace

La persistencia de la memoria, 1931. Enlace a obra comentada

Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) 1936.

Retrato de Mae West o apartamento surrealista (1935). Enlace

El enigma de Hitler (1937)

La tentación de San Antonio, 1946

Retrato de Picasso, 1947

» MI ESPOSA DESNUDA » 1945. Salvador Dalí . Fundación Gala-Dalí . Figueras .
Óleo sobre lienzo 42 x 32 cm .

La Madonna de Port Lligat, 1950

Galatea en las esferas, 1952

El Cristo de San Juan de la Cruz, 1951

Dalí y el Cine

Salvador Dalí y Walt Disney- Destino. Corto de animación 

Salvador Dalí firma un contrato con Walt Disney para la realización de un cortometraje de animación titulado Destino.El guión y montaje iban a ser suyos. Para trabajar en el proyecto, el pintor se instala en los Disney Studios de Burbank (California), lugar donde procede al desarrollo del argumento y a la realización de los dibujos y óleos. Los protagonistas, una bailarina y un jugador de béisbol/dios Cronos, desarrollan el concepto original de Dalí, que gira en torno a la importancia del tiempo cuando esperamos que el destino llegue a nuestras vidas. La canción escogida como banda sonora del film, Destino, del mejicano Armando Domínguez, inspira fuertemente al pintor en el desarrollo de su trabajo.

La película debía formar parte de un package film y debía tener una duración de entre 6 y 8 minutos. Sin embargo, sólo se llegaron a realizar 15 segundos y no es hasta el 2003 que Disney retoma y completa el proyecto recuperando las primeras ideas y bocetos de Dalí.

http://www.salvador-dali.org/dali/filmoteca-dali/films-y-videoarte/2/destino

Salvador Dalí y Hitchcock. Recuerda

Enlace a la película

Película de intriga, psicoanálisis, amor y  suspense con protagonistas

Buscando introducir el psicoanálisis en sus películas, Alfred Hitchcock contactó en 1945 a Salvador Dalí para crear la escenografía de la secuencia onírica del protagonista de la película «Spellbound» («Recuerda» en España). Fue así como el español produjo más de 20 minutos de escenas surrealistas, de los cuales sólo unos pocos minutos fueron aprobados para la edición final. Arquitecturas  imposibles y esquizofrénicas escenografías con ojos de gran tamaño se ven finalmente en la película, las que por su estilo se pueden relacionar directamente con sus pinturas.

Hitchcock comenta: «Yo tenía la impresión de que si tenían que presentarse secuencias oníricas, éstas debían ser vívidas… utilicé a Dalí por su gran ejecución gráfica. Deseaba presentar los sueños con una gran nitidez y claridad visuales, más precisos que el propio film: las largas sombras, la infinitud de la distancia y las líneas convergentes de la perspectiva”.

Artículo sobre la película en Blog de Cine

Miró & Dalí. Analiza y compara las obras

 

 

 

Enlace a  comentario: El carnaval del arlequín

 

 

 

 

Enlace. Análisis de El gran masturbador

Mondrian y De Chirico. Analiza y compara el lenguaje técnico y artístico de las dos obras

 

Los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev (1909-1929)

Cuando el Arte baila con la música

Diaghilev fue un acaudalado empresario ruso, culto, polifacético,  mecenas de las artes. Perteneció al grupo “El mundo del arte”. Fundado por un grupo de jóvenes intelectuales burgueses de San Petersburgo. Pretendían conseguir que Rusia conociera el arte que se estaba realizando en el resto de Europa, que despertara y rompiera el aislamiento que había mantenido durante siglos. También pretendían dar a conocer la cultura rusa al resto del continente.

Diaghilev fundó  en 1907, con tan sólo 35 años, los famosos Ballets Rusos. La compañía incluía los mejores bailarines y bailarinas de Rusia, entre los cuales se encontraban la mítica Anna Pavlova y el célebre Vaslav Nijinsky: el Dios de la danza, uno de los bailarines más dotados de todas las épocas.

Ambos revolucionaron la danza, crearon el ballet moderno. Convirtieron a Los Ballets Rusos en la compañía más influyente del mundo.

Creó el estilo Diaghilev caracterizado por

• Incorporar al ballet todas las artes y todas las corrientes vanguardistas. Se reunió de los mejores  músicos como Ravel, Falla, Debussy, Stravinsky, coreógrafos, artistas como Matisse, De Chirico, Picasso (realizó los trajes cubistas en 1917 para Parade), diseñadores (Coco Chanel)

• Concedió la misma importancia a los bailarines que a las bailarinas.
• Introdujo en la representación elementos familiares para establecer una empatía con el público y prepararle para  un cambio más conceptual, provocador y radical como  en la Consagración de la primavera de 1913 donde  los ritmos asimétricos de la partitura de Stravinski y los movimientos insólitos de Vaslav Nijinski, que llegó a simular una masturbación en escena, supusieron un escándalo.

Admiró la cultura,  el folklore, colorido de España. Lugar donde pasó temporadas. Nunca escondió su homosexualidad. Murió pobre, Coco Chanel le pagó su entierro.

Los Ballets Rusos fueron un acontecimiento a nivel mundial, una verdadera vanguardia y un gran cambio comparado con los ballets tradicionales.

Obras destacadas

• Petrouchka fue un éxito absoluto.
•  La siesta del fauno, de Debussy,
•  La consagración de la primavera, sobre la partitura de Stravinsky
• Parade

Para saber más consulta

• Historia de la Danza 5: Serge Diaghilev. Artes  Escénicas. IES  Floridablanca. Murcia
• Artículo. El olvidado de Dios: Nijinsky

Trailer de la película Nijinsky, 1980

5. Las claves del cine surrealista. Luis Buñuel

El surrealismo es un arte de vanguardia multidisciplinar (se manifiesta en literatura, pintura, escultura, cine, etc). En el mundo del séptimo arte uno de los directores más emblemáticos del Surrealismo y de todos los tiempos, fue Luis Buñuel (1900-1983).

 Hijo de una familia burguesa, estudia en Residencia Libre de Enseñanza donde conoce a Dalí y Lorca. En los años 20 se traslada a París y allí entra en contacto con las vanguardias y especialmente con el Surrealismo.

Se convierte en el cineasta más representativo del Surrealismo. Su influencia e importancia dentro de la historia del cine está a la altura de los más grandes directores de todos los tiempos, Welles, Hitchcock, Ford, Kurosawa, Fellini o Bergman.

 Los rasgos que definen al cine surrealista y que quedan plasmados en la filmografía de Buñuel son:

• Utilización de temas recurrentes: el erotismo, la sexualidad, lo prohibido, el anti-fascismo, la religión, la moralidad, la burguesía.
• El cine también se  lanza a experimentar con el «automatismo Psíquico», el subconsciente, lo irracional, el psicoanálisis, ataca el orden lógico (critica la racionalidad), el orden estético (se enfrenta al “buen gusto” burgués) y el orden moral (rechaza los valores de la sociedad burguesa).
• Objetivos: Desconcertar, violentar, provocar y criticar una época, ese era el reto. Acabar con la cultura burguesa.
• Guion: rompe con la narración lineal clásica, es decir el relato audiovisual no sigue un orden cronológico ni racional. Se juega con la fantasía onírica, se plantea el libre ejercicio del pensamiento. Aparecen imágenes insólitas, que carecen de principios estéticos y morales, expresan violencia simbólica y/o física y buscan impactar a los espectadores. El argumento es secundario.
• Parte técnica: Registro y montaje de las obras.
  • Las cámaras son lentas y siguen al personaje durante las acciones que realiza (travelling/paneo de seguimiento).
  • Abundan los planos cortos.
  • Las uniones entre secuencias y planos suelen ser absurdas, los tiempos y espacios son confusos sin tener una explicación lógica (de la puerta de la habitación se sale a una playa por ejemplo), para determinar la temporalidad se utilizan placas ( ejemplo en un Perro Andaluz “en primavera…”)
  • Las transiciones entre escenas lo hacen superponiendo imágenes y la fundido en negro o transparente. Se dividen en actos.
  • Recurren a la comparación, a lo simbólico y a lo conceptual (como por ejemplo la idea del corte).
  • La parte más iluminada es el centro de la escena mientras que los bordes del plano están oscurecidos.
• Personajes: Los curas y los vagabundos, los perros y los burros, los pechos y las piernas femeninas, los zapatos de tacón y lo clerical, el barro y la mierda, la muerte y el sexo reprimido, el deseo y el humor.

La filmografía de Buñuel se divide en tres etapas: sus inicios en España y Francia, su estancia en México y su regreso a Europa. A la primera etapa corresponde su cine surrealista, aunque características de este movimiento no le abandonan nunca

.  Las películas más representativas son:

Un perro andaluz (1929)

 El manifiesto surrealista del cine. Una colección de sueños y locuras salidas de las inquietas mentes de Dalí y Buñuel. El título, una posible referencia negativa al tercer vértice del triángulo de genios, Federico García Lorca.

Es un cortometraje (17 minutos) mudo, en blanco y negro. La banda sonora se añadió en 1960 (melodías de Wagner y tangos argentinos). El director, montador y productor fue Buñuel.  La película está realizada a partir de un guion de Buñuel y Dalí desarrollado mediante una regla de esencia surrealista: “No aceptar explicación racional, psicológica o cultural. Abrir todas las puertas a lo irracional.” Es insólita, provocativa y en contra de toda lógica, se estructura en cinco actos. El objetivo de esta película era » asesinar la cultura burguesa», desconcertar, violentar, provocar y criticar una época.

El rodaje duró quince días. El estreno fue en París, y las reacciones no se hicieron esperar, la gente salió espantada, impresionada.

La escena  más famosa,  impresionante, polémica  y símbolo del cine surrealista es en la que Buñuel corta el ojo de una mujer con una navaja.  Los críticos lo llaman “Castración simbólica”. Nos dice que para mirar el film y la vida en general hay que cegarse primero de todo aquello que le da una perspectiva burguesa a la visión, tanto las costumbres, las inhibiciones, los valores morales y religiosos aprendidos.

Ficha técnica

• Título original: Un chien andalou
• Formato: cortometraje mudo en blanco y negro
• Director: Luis Buñuel
• Guión: Luis Buñuel y Salvador Dalí
• Director de fotografía: Albert Duverger
• Montaje: Luis Buñuel
• Decorados: Pierre Schilzneck
• Música: Fragmentos de “Tristán e Isolda”, (Richard Wagner), de Beethoven y canciones polulares (tangos)
• Productor: Luis Buñuel, París, Francia
• Año: 1929. En 1960 se incorporó la banda sonora.
• Duración: 17 min.

 La Edad de Oro (1930), es una sátira surrealista y poética, pero sobre todo un ataque metafórico a los pilares burgueses, la moral cristiana y el orden.

Enlace a la película completa

Las Hurdes (Tierra sin pan) (1933).

Se trata de un documental de autor, en el que Buñuel mostraba con especial crudeza el panorama terrible de la comarca más aislada de España y sus gentes. Con un claro mensaje de denuncia que pretende  remover unas cuantas conciencias. Enlace al resumen de las mejores fotogramas. Las Hurdes/ Tierra sin pan

Los olvidados (1950)

 La obra maestra de la etapa mexicana, Buñuel vuelve a conjugar magistralmente surrealismo y realidad social, logrando un retrato devastador de los bajos fondos mexicanos que hizo que los sectores más ‘biempensantes’ de la sociedad mexicana pidieran su expulsión del país. Pertenece al patrimonio audiovisual de la UNESCO.

VIRIDIANA . Una obra de arte

Viridiana (1961): La vuelta a España supuso una nueva obra maestra y la única Palma de Oro del Festival de Cannes que ha ganado nuestro país. No se pudo ver en nuestras salas hasta después de la muerte de Franco. ‘Viridiana’ es un película libre que supone una de las cimas de la trayectoria de Buñuel. En una demostración más de la ceguera de la censura, el único cambio que le obligaron a realizar en la película fue el final, en el que el personaje de Viridiana llamaba y entraba en la habitación de su primo. Buñuel, socarrón, lo cambió por la partida de tute más escandalosa de la historia.

Buen comentario en el Blog de Cine

Otras obras maestras de épocas posteriores son El ángel exterminador,  Belle de Jour, El discreto encanto de la burguesía, etc.

Televisión Española ofrece recursos y una buenísima documentación sobre Luis Buñuel y su  filmografía:

• Luis Buñuel del surrealismo a la crítica social
• Días de Cine. Buñuel: más allá de los sueños y la razón.

Giorgio De Chirico. Pintura Metafísica

Misterio y melancolía de una calle. De Chirico

La pintura Metafísica nace en Italia, el mejor representante es Giorgio De Chirico. Hombre culto, conoce  el mundo clásico y en su obra se refleja el arte griego,  la arquitectura Renacentista, la filosofía de Nietzsche, Sopenhauer (» todo objeto puede tener un significa lírico, poético”), el psicoanálisis de Freud y la interpretación de los sueños.

Se conoce como pintura Metafísica (más allá de la realidad) por los interrogantes que nos plantea su observación, son pinturas enigmáticas que invitan a la contemplación calmada.

Su obra se caracteriza por:

A comienzos de su carrera artística en sus pinturas predominan paisajes urbanos inquietantes donde aparecen edificios clásicos, renacentistas junto a elementos surgidos con la Revolución Industrial.

• Perfecto dibujo. Recupera las formas.
• Profundas perspectivas lineales.
• Utiliza luces de atardecer y sombras alargadas;
• Crea un mundo misterioso e inquietante con
• Espacios donde sólo hay maniquís  desnudos en grandes plazas, calles solitarias, casas vacías enfatiza la soledad y la búsqueda de la tranquilidad perdida.
• El hombre, si aparece, es minúsculo.
• Representa elementos contradictorios como edificios griegos y ferrocarriles.
• Está obsesionado con el tiempo como Dalí (reloj).
• Pintura onírica.
•  Influirá en los surrealistas.

Con el tiempo comenzará a pintar espacios llenos de maniquíes y artilugios diversos

Obras representativas son:  La Plaza de Roma, Plaza metafísica, Héctor y Andromaca (maniquís abrazados), Melancolía, El enigma de la hora, etc.

Ampliación. Breves comentarios de obras

                                                                                 Héctor y Andrómaca

El enigma de la hora

Pablo Picasso (1881-1973). Etapas y obras.

Picasso: “Me tomó cuatro años pintar como Rafael, pero me llevó toda una vida aprender a dibujar como un niño”.

Pablo Ruiz Picasso es un de los artistas más importantes de la Hª del Arte. El padre de la pintura contemporánea, un revolucionario visual y conceptual que abarcó la pintura, escultura, el grabado, la cerámica y hasta escenografías para ballets. Tuvo un gran talento para el dibujo y  una capacidad infatigable para el trabajo. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó con el amor, la política (se afilió al partido comunista), la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida. Fue muy admirado y reconocido en vida.

Nace en Málaga, hijo de profesor de dibujo, enseguida muestra sus dotes. Pasa su infancia y juventud entre Málaga, A Coruña, Madrid y Barcelona donde se forma, en la ciudad condal entra en contacto con los intelectuales modernistas y realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats.

Experimentó con técnicas y pasó por varios estilos. Una serie de hechos marcaron su vida personal y artística: la Primera y la Segunda Guerra Mundial, La Guerra Civil y la situación de España, el nacimiento de sus hijos, el ser nombrado director del Museo del Prado durante la Guerra Civil, el vivir al lado de un circo en una de sus estancias en París.   Estos hechos fueron trasladados a su obra convirtiéndose en temas recurrentes a lo largo de su carrera artística: el circo, los arlequines, los deportes, la tauromaquia, las modelos y los desnudos femeninos, los horrores de la guerra, el dolor y el desgarro, interpretaciones personales de obras de los grandes maestros de la pintura, la paloma de la paz, búhos, maternidades, niños.

ESTUDIA LAS ETAPAS, OBRAS Y CARACTERÍSTICAS DE PICASSO CON LOS APUNTES Y LAS OBRAS QUE APARECEN EN LAS SIGUIENTES PRESENTACIONES.

• Para conocer su vida. 
•  Época de formación
• Época azul y rosa
• La gestación del Cubismo
• Cubismo
• La convivencia entre el Cubismo, Clasicismo y Surrealismo expresionista 
• Los años del compromiso político. 1935-45 de Alfredo García
• Últimos años

ETAPAS

ETAPA DE FORMACIÓN

Aprende en las academias y de los grandes artistas

Ciencia y caridad. Picasso. Etapa de formación

ETAPA AZUL

Etapa azul (1901- 1904) llamada así por el color monócromo predominante de sus obras. Son cuadros figurativos de gran carga emotiva, trasmiten tristeza y representa a ciegos, mendigos, enfermos y personajes poco afortunados. Representados aisladamente. Utiliza un canon alargado, Influencia del gótico y el Greco. Ej: las Dos hermanas, La Celestina, el guitarrista, etc.

ETAPA ROSA

Etapa Rosa (1905-1906) etapa figurativa más intimista, más sosegada, los tonos se vuelven más pastel, las líneas más suaves y las composiciones más clásicas. En esta época representa el mundo del circo, acróbatas, saltimbanquis, etc.

Etapa Cubista (1907- 1914).

Aquí explicaríais el cubismo y los tipos
El descubrimiento, en una exposición del Louvre, del arte Íbero y del arte africano junto al geometrismo de Cezanne serán sus fuentes de inspiración. Comienza a simplificar los rasgos y volúmenes. En 1907 termina las Señoritas de Avignon que recogen estas influencias y representa el manifiesto cubista. Estilo que desarrolla junto a Braque y que rompe con el concepto tradicional occidental del arte en cuanto a perspectiva, punto de vista único, claroscuro, escorzos, etc. Sienta las bases de un nuevo lenguaje de la pintura contemporánea. Practicó tanto el cubismo analítico (El guitarrista/ retrato de Vollard) como el sintético (realiza los primeros collages). Los tres músicos.

EL MANIFIESTO CUBISTA

Autorretrato, 1907.

Las señoritas de Avignon. 1907

CUBISMO ANALÍTICO

Horta del Ebro

Retrato de Vollard. 1910. Picasso

El hombre del violín.

CUBISMO SINTÉTICO

Guitarra. 1909. Picasso.

Los tres músicos, 1921. Picasso

Mandolina y Guitarra, 1924. Picasso

A partir de ahora simultanea el estilo cubista con otras corrientes. 

CLASICISMO GIGANTISTA

Durante la 1ª Guerra Mundial se marcha a Italia. Allí descubre a los clásicos. Abandona el cubismo e inicia una etapa clasicista de figuras grandilocuentes, de dibujo firme y preciso. También realiza los decorados para el ballet ruso de Diaghilev.  Obras: Dos Mujeres corriendo por la playa.

Escribir una leyenda

ETAPA SURREALISTA

La etapa surrealista aparece tras los desastres de la 1ª Guerra Mundial, la situación en España (Guerra Civil) y el ascenso de los fascismos. En esta época  es nombrado director del Museo del Prado por la II República pero nunca ocupa el cargo. El pesimismo y el rechazo a la guerra se plasman en lAs obras, recurre a elementos oníricos, surrealistas, aparecen monstruos, alarga y deforma las figuras, rasgos que expresan sufrimiento y temor. Ej: Figuras a la orilla del mar, la crucifixión, bañistas, el sueño.

El culmen llega con el Guernica en 1937, lienzo expresionista donde renuncia al color para plasmar el sufrimiento, dolor e ira. Transmite todo el dramatismo del momento y se convierte en un símbolo con tres colores (negro, gris y blanco) y con austeridad compositiva.
Durante la 2ª Guerra Mundial la pintura sigue siendo expresionista y pasa un periodo de pesimismo acrecentado por la muerte de su amigo, el escultor Julio González.

El sueño

Figuras a la orilla del mar

EXPRESIONISMO

Mujer llorando

PERIODO VALLAURIS. CERÁMICA

El Periodo Vallauris, Picasso se instala en la costa Azul (1947-1954): tras la contienda inicia un periodo de calma que se transmite a través de las palomas y la luz mediterránea. Después abandona temporalmente la pintura para dedicarse a tiempo completo a la cerámica y a la escultura. En muy poco tiempo realizó más de 600 piezas.

ÚLTIMA ETAPA

Se instala en  la Costa Azul en Cannes y Mougins (1954-1973). Aunque siguió pintando cuadros cubistas, se dedicó a estudiar a los pintores clásicos como Velázquez (las Meninas), Rafael, Delacroix, Goya, Monet… y realizó versiones de sus grandes obras.

Versión de las Meninas

Matanza en Corea. 1951. Picasso

Obra que denuncia los horrores de la Guerra Fría. Se inspira en El Juramento de Los Horacios de Davis, 1784. En los Fusilamiento del 3 de Mayo de Goya, 1814 y en el Fusilamiento de Maximiliano de Manet, 1867.

Juramento de los Horacios, David

Fusilamientos 3 de Mayo, Goya.

Fusilamiento de Maximiliano. Manet. 1867

Distintas versiones de Desayuno en la Hierba de Manet.