10. Las claves de la música POP. Los Beatles

 

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The Beatles fue una banda de pop/rock inglesa activa durante la década de 1960, reconocida como la más exitosa comercialmente y críticamente aclamada en la historia de la música popular.

Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por

  • John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), fue asesinado.
  • Paul McCartney (bajo, vocalista),
  • George Harrison (guitarra solista, vocalista) (ya muerrto) y
  • Ringo Starr (batería, vocalista).

Recursos. Lee el artículo de El País. Los Beatles: Historia y razones que avalan un éxito de 50 años.

Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años 1950, la banda trabajó más tarde con distintos géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico, incorporando a menudo elementos clásicos, entre otros, de forma innovadora en sus canciones. La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con la moda de la «Beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Su estilo inicial fue muy original, con ritmos irresistiblemente pegadizos como el rock and roll y R&B, The Beatles pasaron el resto de la década de 1960 expandiendo las fronteras estilísticas del rock, siempre apostando a nuevos territorios musicales en cada versión. Su más sofisticada experimentación fue utilizada en una gran variedad de géneros, incluyendo el folk rock, country, psicodelia, pop y barroco,

Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.

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El icónico logotipo de The Beatles con la letra «T» alargada hacia abajo hizo su debut en 1963, cuando fue utilizado por primera vez al frente de la batería de Starr,

Su primer sencillo, «Love Me Do» les dio fama internacional,  hicieron un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente a la grabación en el estudio hasta su disolución en 1970

El álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967),  es considerado por muchos como su obra maestra.

En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número uno en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos».1 De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años 1960.

Las 10 innovaciones que aportaron a la música los Beatles (pincha)

  • Una de las bandas más influyentes de todos los tiempos
  • Popularizaron y comercializaron la música.
  • Música de masas
  • El amor fue la temática principal de las canciones
  • Las letras de sus canciones,  influyeron a que el idioma inglés se aprendiera en países no anglosajones, a través de la música grabada.
  • Modelos a imitar por la juventud que vistió y se peinó como ellos. Representaron a una generación con ganas de libertad. Marcaron las tendencias de la moda masculina y fueron ejemplo a seguir por su imagen rebelde que los muestra irrespetuosos ante la autoridad y la política.
  • Es la banda que inicia las giras multitudinarias y dan conciertos en estadios
  • Son los primeros en lanzar los álbunes musicales y con las letras impresas
  • Los primeros en realizar un vídeo musical
  • Provocaron la mejora las técnicas de los estudios de grabación
  • Lanzan la industria musical
  •  Yesterday  es el tema más versionado de todos los tiempos.
  • La primera retransmisión televisiva

Algunas de las canciones más populares

Hey Jude

Yesterday

Don’t Let Me Down

A Day in The Live 

 

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10. Miles Davis y Chet Baker. La aceptación mayoritaria del Jazz

 

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Miles Davis y Chet Baker, dos genios del jazz,  dos de los mejores trompetistas de la historia. 

Breve historia del Jazz.

El jazz es un género musical, nacido a mediados del siglo XIX en los estados del sur Nueva Orleans) de Estados Unidos. Los esclavos de origen africano que trabajaban en las plantaciones tenían por costumbre en sus reuniones divertirse cantando y tocando palmas, batiendo pies  y diferentes tipos de instrumentos de percusión artesanales como tambores.

  • En los años 10 surgen las 1ª agrupaciones compuestas por tres instrumentos básicos: la tuba, la corneta y el saxofón más la batería, el bajo, el clarinete y el trombón que se encargaban de la base rítmica; y más tarde se incorpora un pianista.
  • Años 20. La expansión de los Estados del Sur al Norte: Las bandas en San Luis acompañan los funerales con música triste y alegre al volver. Alcanzan gran popularidad y se contratan para los burdeles. Las autoridades los cierran en Nueva Orleans y las bandas se van al norte, a tocar a los clubs de las mafias de Chicago y NY. Estas bandas constaban de seis miembros: piano, banjo o guitarra, tuba o contrabajo en la sección rítmica; y en la melódica, el trombón, la trompeta y el clarinete. El jazz de esta década se caracteriza por la pulsación rítmica en los tiempos débiles, se desplazan los acentos rítmicos hacia el segundo y cuarto tiempo, sobre todo en la batería.
  • Años 30: La dignificación y profesionalización del Jazz. Los solistas como Louis Amstrong. El swing (Glen Miller) y las Big Bands. Esta época se caracteriza por los ritmos improvisados de bases del blues y en el riff (frase repetitiva) y por el auge de los/las cantantes.
  • Años 40. El Jazz se internacionaliza. Comienza la improvisación (Be Bop). Desaparecen las Big Bands.
  • Años 50. El nacimiento del cool Jazz. música más cerebral, que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera “calma y meditativa”.
  • Años 60. El free jazz o la improvisación
  • Años 70. Jazz fusión (mezcla de jazz-rock, jazz-flamenco, jazz-afrocubano). Miles Davis.
  • Años 80.  El auge del “neo-tradicionalismo”. Sigue la crisis de identidad por el alejamiento de las raíces del jazz.
  • Años 90 hasta la actualidad. A partir de la década de los 90, este género musical convivió con otros como el rock, el pop, blues etc.

“Pocos genios de la música han dejado, además de una gran obra, una vida de película. Siempre al borde del abismo, Miles Davis y Chet Baker – tan distintos musicalmente- llevaron vidas muy parecidas. Intensas, rotas y marcadas por la droga. Dos filmes indagan en la desenfrenada biografía de estos dos colosales trompetistas.”Lee Hollywood se engancha al Jazz

MILES DAVIS. ÉL ES EL JAZZ. Del Cool-jazz al jazz-fusión (años 60-70)

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Miles Davis. Un genio del Jazz y de la trompeta

Datos biográficos. TROMPETISTA. Calidad. Intimismo y suavidad. Experimentación

Nació el 25 de mayo de 1926 en Alton, Illinois (Estados Unidos) en el seno de una familia de clase alta. A los 13 años le regalaron su primera trompeta. Muere en 1991.

Fue uno de los más grandes innovadores y pioneros del jazz. El toque de su trompeta tenía una inconfundible calidad y característico gracias a la sordina (Pieza que sirve para disminuir la intensidad del sonido o para cambiar el timbre de algunos instrumentos musicales, generalmente los de metal) de acero Harmon, que le proporcionaba un toque íntimo y suave.

  • A finales de los años 40, se encontró con el arreglista Gil Evans, con el que abriría el camino al cool jazz y con quien grabó Birth of the Cool, Miles Ahead, Porgy and Bess y Sketches of Spain. Se rodeó de músicos de bebop y funda el hard bop, una forma musical revolucionarla que tuvo importantes consecuencias.
  • A finales de los años 60 empezó a experimentar con el jazfusssion con más ritmos de rock e instrumentos eléctricos y en los 70, se dirigió a los sonidos más frescos del funk. Fue uno de los músicos más innovadores de su generación y contribuyó a formar jóvenes talentos.

Davis, graba a los 33 años  ‘Kind of blue’ (1959) -su disco insignia y una de las obras esenciales del jazz y de la música en general- e incluso así hoy sería considerado una leyenda. Escucha King Of Blue.

Miles Davis era un tipo contradictorio, irascible pero entrañable. Miles era irritable y, en muchas ocasiones, irritante. Paradójicamente, la contención y el silencio fueron los vectores que delimitaron muchos de los pasajes de mayor intensidad emocional de su obra jazzística.

Dejó más de 120 grabaciones, incluyendo varias en vivo de las giras que realizó sobre todo en los últimos años por Europa.

  • Kind of Blue
  • The Birth of the Cool
  • Workin’ With the Miles Davis Quintet
  • L’Ascenseur pour l’Echafaud
  • Porgy and Bess
  • Sketches of Spain
  • Milestones
  • Some Day My Prince Will Come
  • In a Silent Way
  • A Tribute to Jack Johnson

CHET BAKER :  El poeta del jazz. Cantante y trompetista.

Chet Baker. Trompetista y cantante de Jazz

 Escucha. Chet Baker ~ Every Time We Say Goodbye

 Datos biográficos

Interesante artículo en el programa Sofá sonora de la Cadena Ser: Chet Baker, la autodestrucción del genio salvaje del jazz con una selección de piezas

 En 1929, nacía en Yale (Oklahoma) un mito del jazz: Chesney Henry Baker Jr. Conocido por el nombre artístico de Chet Baker. Su formación como músico sencillamente no existió, fueron sus grandes aptitudes para la música junto con la práctica incansable quienes forjaron a este excepcional artista. Un gran oído musical y una gran memoria hicieron el resto.

Cantaba y tocaba la trompeta al estilo del jazz de la Costa Oeste de los años cincuenta y con el tiempo recibiría la influencia de otro trompetista legendario: Miles Davis.

Pronto empezaron sus problemas con la droga, por los que ingresó varias veces a prisión en algunos países europeos y también sufrió una agresión brutal.

Chet Baker hipnotizó a sus audiencias con su manera de tocar y cantar, única e irrepetible, lánguida, como abstraida, angel y demonio al mismo tiempo, que funcionaba especialmente bien cuando interpretaba baladas en las que era un auténtico maestro ya fuera soplando la trompeta o cantando con esa peculiar manera que, apenas musitando las palabras, parecía que la melodía se perdiera entre el humo de la audiencia que escuchaba extasiada.

La madrugada del 13 de mayo de 1988, Chet Baker moría al precipitarse desde la ventana del tercer piso de un hotel holandés. Tenía 59 años

 

Gracias a http://www.poplacara.es y en especial a Amador

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Antonio López. El padre del Hiperrealismo español

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Gran Vía. Óleo sobre tabla, Antonio López. Hiperrealismo

Es rara la poca atención con que la mayor parte de los artistas han mirado la realidad a lo largo de los siglos“,   “Hay  pocas excepciones, los artistas asirios, Velázquez y  Vermeer de Delft” Antonio López.

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En España, la corriente hiperrealista fue seguida por Antonio López pero a diferencia de los artistas norteamericanos no utiliza la cámara, se aproxima a la realidad lentamente, por lo que sus obras no son tan frías.

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Rosas de invierno. Antonio López. Últimos años

Recursos didácticos

Retrospectiva. Museo Thyssem.


Antonio López. Pintor del realismo español de Alfredo García

Datos biográficos y Artísticos

Nació en Tomelloso (Ciudad Real), en 1936. Se forma en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, entre 1950 y 1955 donde coincidió con diversos artistas como Enrique Gran, Amalia Avia, y Lucio Muñoz, Francisco López, Julio López con los que conformó lo que se ha venido a llamar Escuela madrileña. Estuvo becado en Italia donde conoció a los artistas Renacentistas. Admira a Velázquez. En 1957 celebró su primera exposición en el Ateneo de Madrid.  Se casa con la artista María Moreno, un pilar fundamental  en su vida. Fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de SAn Fernando.

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En 1990 el director de cine Víctor Erice filmó El sol del membrillo, filme en el que se recoge el proceso creativo del artista mientras pinta un membrillero del patio de su casa.

En 1993 fue elegido académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ha recibido varios premios como Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1985), Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2000), Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2006).

Rasgos técnicos y estilísticos

  • En los años 50 su obra da un vuelco radical orientándose hacia la precisión realista. Se distancia del hiperrealismo  norteamericano mediante la utilización de técnicas y métodos tradicionales y un lirismo intimista.
  • Temática. Abarca desde vistas madrileñas, retratos de la familia, objetos de uso cotidiano o elementos de la naturaleza.
  • Utiliza una técnica basada en un proceso largo y minuciosamente elaborado. No hay rastro de pincelada.
  • La temporalidad y el deterioro de lo material (vestimenta, objetos domésticos, fotos…) son notas que definen su estilo.
  • Son cuadros de grandes dimensiones.
  • La luz poética,el realismo mágico, intimista,  etc. son rasgos distintivos de Antonio López y de la Escuela de Madrid.
  • “Desde el 60, pinto directamente del natural, y tengo la sensación de que nunca acabo los cuadros. Trabajo a partir del tema, añadiendo cosas, tratando de profundizar en él, pero el motivo tiene tal grandeza, es tan amplio y cambiante que nunca tengo la sensación de haber llegado hasta el final.” La explicación está en la emoción desde la que nace la obra, y en su relación con el motivo, que explica como un “diálogo con el natural”.
  • La realidad  vista desde un lado cálido, emotivo, no como una imagen fría que se debe reproducir.
  • Lleva a cabo un minucioso estudio de la forma, de los detalles y una clara intención de plasmar la realidad de la manera más fiel posible.
  • Temática: panorámicas de Madrid, interiores, objetos domésticos, naturalezas muertas, la figura humana (la familia), flores en la etapa más reciente.

Obras imprescindibles

EL SOL DEL MEMBRILLO. También la película de Víctor Erice (Película documental que recoge el proceso de creación de una obra de arte. El resultado podría ser una metáfora sobre el paso del tiempo y la dificultad de captar un instante para siempre).

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Madrid. La Gran Vía 

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Gran Vía.  óleo sobre tabla, 90,5 x 93,5 cm Antonio López

Está considerado como el pintor que mejor ha reflejado la imagen de la ciudad de Madrid y su periferia, sirviéndonos como un inusitado documento histórico de la transformación de la ciudad.

La Gran Vía ha sido quizás el lugar que más le ha fascinado de la ciudad. Se pueden encontrar los lugares exactos desde donde ha pintado esas vistas que han cambiado nuestra propia percepción de esa calle que rompe el centro histórico de la capital para adentrarla en el siglo XX. Artículo. En Madrid con Antonio López

 

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Gran Vía, 1 de agosto, 7:30 horas, 2009-2011. Óleo sobre lienzo. 130 x 130 cm.

 A diferencia de su clásica precursora, las nuevas granvías están pintadas desde un punto de vista elevado. La serie de las granvías actuales, todavía en proceso, pretende plasmar, en horas sucesivas desde el amanecer al atardecer, el vuelo de una criatura (insecto o pájaro, ángel o demonio) que se va posando en distintos edificios de la avenida, desde su nacimiento hasta su final en la Plaza de España.

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Madrid desde Torres Blancas.
Madrid desde la terraza Lucio. Antonio López

MADRID DESDE LA TORRE DE BOMBEROS DE VALLECAS

Madrid desde la torre de bomberos de Vallecas, 1990-2006. Óleo sobre lienzo. 250 x 406 cm. La más reciente de las vistas urbanas que Antonio López ha pintado desde 1960 es también, según confiesa el artista, su versión más crítica de la ciudad. Concebida como una inmensa maqueta bajo un sol despiadado, su visión está cargada de irrealidad y de angustia, acentuada por el vértigo de esa enorme proa que penetra en el espacio y que nos fuerza a entrar en la escena (enlace)

ESCENAS INTIMISTAS. LA FIGURA HUMANA

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Retrato de María. Lápiz. 1972. Antonio López
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Carmencita. Antonio López

 

LA CENA

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La cena. 1971-1980. Antonio López.

MUJER EN LA BAÑERA

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Mujer en la bañera. Antonio López
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Lavabo y espejo. Antonio López
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Frigorífico. Antonio López
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Figuras en una casa. Antonio López

Últimos Años. Las flores y los cuerpos

Lee el artículo de El País: Las obsesiones de Antonio López

Reflejan una de sus obsesiones. Símbolo del paso del tiempo

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ESCULTURA

Antonio y Mari

Antonio y Mari, 1967-1968. Madera policromada. (Städtische Kunstsammlung Darmstadt. Es uno de los escasísimos autorretratos de Antonio López, representado aquí con su esposa. Relacionados con los retratos de parejas que el artista pintó en los años cincuenta, estos dos bustos tallados en madera y pintados (con los ojos de cristal) nos remiten a la tradición del doble retrato escultórico de carácter funerario de la antigüedad.

Carmen dormida. Bronce. Antonio López

Carmen dormida (La Noche), 2007. Bronce ed. 2 de 3. 243 x 200 x 228 cm.   Toda la escultura reciente de Antonio López parece irradiar un aura espiritual. Al agigantar una de las cabezas de sus nietos (en este caso, de su nieta Carmen), esta se convierte en una divinidad misteriosa, comparada a veces con un Buda en reposo o con un dios olmeca.

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Hombre y mujer,

Recursos:

10. Hiperrealismo. Años 60-70

Cabinas telefónicas, 1967. Richard Estes. Hiperrealismo. EEUU

El Hiperrealismo es un movimiento artístico que surge en EEUU, en 1968 como respuesta a la frialdad del minimalismo y del arte conceptual. Alcanza la plenitud en los años 70 pero este estilo pictórico sigue vigente en la actualidad.

A finales de los sesenta, en  Estados Unidos un grupo de artistas  pintaban con gran realismo objetos y escenas de la vida cotidiana utilizando la fotografía como base para la realización de sus obras. La consagración del movimiento, que hoy conocemos con el nombre de hiperrealismo, tuvo lugar en 1972 en la exposición titulada”Fotorrealismo, cuestionando la realidad”, celebrada en la V Documenta de Kassel.

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Paisaje urbano. Richard Estes, Hiperrealismo

Los grandes maestros norteamericanos de la primera generación fueron Chuck Close,   Richard Estes, Robert Cottingham,  John Baeder, Robert Bechtle, Tom Blackwell, etc.

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Don Eddy. 1971. Acrílico sobre lienzo. Hiperrealismo

En la actualidad  nuevos artistas utilizan la técnica fotorrealista en sus creaciones. Las herramientas y los motivos han podido evolucionar o cambiar con el tiempo pero las obras continúan fascinando al público por su increíble definición, nitidez y detallismo.

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Serina. 1972. John Kacere. Hiperrealismo

Audrey Flack (Nueva York, 1931) es una famosa artista, pintura y escultora. Forma parte de los pioneros del fotorrealismo, la única mujer de la primera generación del movimiento. Aquellos creadores que en los años 60, cada uno por su lado y sin conocerse, se dedicaron a fotografiar y retratar el mundo que los rodeaba. Los primeros indicios del hiperrealismo se dieron en Nueva York y California.

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Hiperrealismo años 70. Audrey Flack (Nueva York, 1931)

En España esta tendencia fue seguida por Antonio López pero a diferencia de los artistas norteamericanos no utiliza la cámara, se aproxima a la realidad lentamente, por lo que sus obras no son tan frías.

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Antonio López. Madrid

Recursos.

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Publicidad. Robert Cottingham. Hiperrealismo

1. Temática.  Los espacios y objetos de la vida cotidiana. Instantes de realidad congelados en el tiempo.  Paisajes urbanos, escenas banales y artículos de consumo, fragmentos de la vida cotidiana en los Estados Unidos: Acristalados escaparates, restaurantes de comida rápida, relucientes motocicletas y coches,  juguetes de hojalata, pinballs o frascos de especias, caramelos y salsas se convierten en tema pictórico. . Iconos especialmente significativos del hiperrealismo son los vehículos de todo tipo: automóviles, motocicletas, camiones, auto‐caravanas, trenes e incluso avionetas. Los vehículos significan movilidad, libertad y, por tanto, son una parte muy representativa de la sociedad estadounidense y de cómo se ve a sí misma. Además, los materiales utilizados en carrocerías, llantas o parachoques y los reflejos que se producen al recibir la luz les resultan fascinantes.

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Motos, David Parrish
  • Estos motivos se captan primero a través de la fotografía y después se trasladan al lienzo mediante un laborioso proceso, utilizando recursos como la proyección de diapositivas o el sistema de trama.
  • Son obras generalmente de gran formato,
  • Pintadas con tal precisión, detallismo y exactitud que los lienzos parecen superar la realidad fotográfica.
  • Usaron la fotografía sin reparos, convirtiéndola así en un instrumento “legítimo”. Considerada como una forma objetiva de documentar el mundo,   Partían a veces de fotos de revistas o periódicos pero pronto empezaron a captar ellos mismos las imágenes, una o varias que luego fusionaban en el cuadro. Hoy en día, son los programas informáticos y de arreglo fotográfico lo que les permite llegar hasta la minuciosidad propia de los maestros flamencos.
  • Los pintores hiperrealistas realizan un trabajo limpio, ya que no dejan marcas de pinceladas sobre el lienzo
  • Aplican color por medio de veladuras y empastes con una destreza en el atrapamiento de la luz en el lienzo que permiten apreciar una imagen poética.
  • Les fascinan  las superficies metálicas de cristales y espejos que le permite recrearse en las imágenes deformadas de sus reflejos.
  • La figura humana es  escasa.
  • Manipulan el encuadre, los colores, luces y reflejos para lograr una nueva realidad pictórica, que el artista la transforma en algo suyo.
  • Utilizan el óleo, pero también la pintura acrílica por su secado rápido y su limpieza.

Significado. Recrea la realidad apelando al sentimiento y la sensibilidad de las personas que ven la obra. El pintor hiperrealista no aspira a competir con la fotografía, sino que se vale de ella para representar una nueva realidad. Ausencia de denuncia y crítica

 

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Arizona, John Baeder. Hiperrealismo

Significado. Recrea la realidad apelando al sentimiento y la sensibilidad de las personas que ven la obra. El pintor hiperrealista no aspira a competir con la fotografía, sino que se vale de ella para representar una nueva realidad. Ausencia de denuncia y crítica

Precedentes. El hiperrealismo se desarrolló a partir de dos tradiciones artísticas: la pintura trompe l’oeil o Trampatojo (técnica de engañar al ojo) y la técnica meticulosa de superficies delicadamente acabadas de la pintura flamenca y holandesa desde los siglos XV al XVII. Pintores como Van Eyck o Vermeer han ejercido gran influencia sobre todos ellos, con su observación detallada de la realidad y y en los pintores americanos de los años 1930.

Principales artistas. 1ª generación norteamericana (sigue leyendo en Algargos, Arte. Hiperrealismo)

http://s1232.photobucket.com/user/algargos/embed/slideshow/Hiperrrealismo%201967-2012