10. Francis Bacon. Expresionismo Figurativo

El papa Inocencio X según Francis Bacon

Todos los Colores coincidirán en la oscuridad. Francis Bacon.

Francis Bacon by David Bailey
Francis Bacon. Pintor
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Autorretrato. Francis Bacon. 1979

Francis Bacon (Dublín, Irlanda, 28 de octubre de 1909-Madrid, España, 28 de abril de 1992) fue un pintor británico, nacido en Irlanda, de estilo figurativo, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional. Tuvo una infancia difícil, debilitado por continuos ataques de asma, no se sintió querido y su padre le menospreciaba.  En la adolescencia le pilló vestido con la ropa de su madre, declaró su homosexualidad y le echó de casa.  Es autodidacta. Pinta directamente sobre los lienzos, no realiza bocetos. Viajó por Europa y en París descubrió a Picasso, decidió ser pintor. El éxito no le llega hasta la década de los 40 con “Tres estudios sobre la Crucifixión”

Francis Bacon Guggenheim Bilbao 3
Tres estudios sobre la crucifixión. Bacon

No le gustó el encasillamiento. Recurrió al innformalismo, al Expresionismo y al Surrealismo. Sus cuadros son racionalistas. Se trata de una pintura expresionista muy dificil de encasillar, no perteneció a ninguna escuela. Él decía que seguía una corriente pospicassiana, siguiendo la vía abierta sobre la figuración y el cuerpo humano. Bacon, entre la  figuración y la abstracción  plasma en su pintura la terrible angustia que el hombre vive al acabar la 2ª Guerra Mundial.

  • Temática. Siempre versará sobre el hombre, despojado y encerrado, ya sea en arquitecturas lineales que recrean espacios o en grandes fondos casi planos.
    • Bacon expresa el drama del hombre liberándolo de toda anécdota accesoria, pintándole sin sutilezas que lo atenúen y sometiéndole a deformaciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del arte. Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos, los cuerpos aparecen mutilados o atrofiados. Representa a seres en movimiento, preferentemente hombres,  encerrados en espacios angustiosos y en habitaciones oscuras con fuerte carga emocional. Deformados. Gritando.
    • La vida, la sexualidad, la carne putrefacta (como símbolo del ciclo de la vida), el sufrimiento, la muerte (sobre todo a partir del suicidio de su pareja en 1972), son constantes, obsesivas. Las escenas son opresivas, viciosas y a la vez dolorosamente verdaderas.
    • El chillido de un mono, un cuerpo retorcido en el cuarto de baño, un terrorífico hombre encorbatado que sonríe en una penumbra azul… Las feroces imágenes de Bacon contrastan con su aspecto de dandy.
  • El lenguaje estilístico, inicialmente se inicia bajo la influencia del surrealismo, aunque observará distintas tendencias a lo largo de su vida. No formará grupo con nadie y el mismo se definía como “huérfano en el arte”. Sin abandonar la exploración de aspectos irracionales, su expresionismo agresivo golpea en nuestra mente para hablarnos de aspectos escondidos de nosotros mismos. Rostros y cuerpos transformados por tensiones insuperables se agitan en una habitación vacía donde cuelga una bombilla, o, agazapados, indolentes, permanecen tumbados cual carne amorfa. La anatomía, voluble y elástica, toma actitudes confusas y de un torso desnudo brota la sangre. Miembros descuartizados, carnes corrompidas, bocas dislocadas y cuerpos convulsos; seres deformes y atormentados que reflejan su pesimista visión de lo que intuye como implacable futuro que espera al hombre.
  • El formato. Aunque tiene obra en todo tipo de formato, tamaño y materiales, sus grandes obras las prefiere en óleo sobre lienzo y, si es posible, enfrentar a sus figuras en tríos o trípticos. Los grandes trípticos ya había aparecido desde 1944, pero desde los años 60 ganan protagonismo. El tríptico es el formato ideal para conseguir movimiento, pues obliga al espectador a rebotar la vista en cada imagen. Utiliza, además, el tríptico para romper con una composición coherente o unitaria y para que lo primero nos llegue sean imágenes desde distintos puntos de vista que golpeen nuestro subconsciente antes de que podamos racionalizar y entender lo que vemos.
  • El color. Bacon, desde los años 60, se convierte en un maestro del color y experimenta con todas las tonalidades que puede conseguir un artista. No se queda con ningún color en exclusiva: rojos, naranjas, amarillos, verdes, azules, violetas… Los fondos uniformes de un colorido fuerte y unitario sirven para proyectar sus figuras.
  • Utiliza la fotografía como medio. Coge de los periódicos fotografías de catástrofes y para modelos de sus retratos le es suficiente con instantáneas de un fotomatón. Las secuencias fotográficas de Edward Muybridge también le influyen en su deseo de captar movimiento. Los clichés que utiliza se desparraman desordenadamente por el suelo del estudio, se manchan con pinturas, y él interpreta estos casuales restos patéticos y los plasma tal cual en sus cuadros. El parecido con objetos o personas no le preocupa. También le influye el cine como el Acorazado Potenkin
  • La técnica. Contaba lo siguiente Bacon en una entrevista a Marguerite Duras en 1971 a cerca de su técnica pictórica: “No dibujo. Empiezo haciendo todo tipo de manchas. Espero lo que llamo “el accidente”: la mancha desde la cual saldrá el cuadro. La mancha es el accidente. No hace bocetos, se basa en una aparente improvisación.
  • Estructuras y composiciones. En los cuadros Bacon contrapone estructuras opuestas; a lo riguroso contrapone lo deforme. Sus visiones se sitúan en un espacio geométrico y abstracto mediante el que consigue una sensación de dinamismo. El movimiento fluye por entre los planos extrañamente superpuestos, y elipses cuboides, círculos o flechas acentúan un detalle preciso. Los fondos compactos dan coherencia a un conjunto que se convierte en algo unitario. Un color intenso y puro desgarra el lienzo. Sus figuras habitan en unas “jaulas” abstractas en las que palpita un cuerpo abandonado a su propio destino. Son habitaciones impersonales en las que el hombre, desolado, vive una soledad intolerable.
  • Influencias. Bacon admiró a pintores contemporáneos como Picasso, Cezanne, Van Gogh o Soutin, pero también a los grandes maestros como Velázquez, Goya, Rembrandt o Ingres y tenía muy presente la mitología griega. En su estudio se hacía rodear de láminas y fotografías de la historia del arte que más le impresionaban. Por esta actitud hacia la pintura del pasado y el mundo clásico, era un pintor contracorriente en la posguerra, donde la abstracción dominaba el panorama artístico. La forma más profunda en que podía plasmar su admiración hacia ellos era tomar alguna de las obras emblemáticas de estos pintores y reinterpretarlas.
    • Bacon admiraba profundamente los retratos de Diego Velázquez. Le obsesionaba especialmente el Retrato del Papa Inocencio X al que regresará una y otra vez versionándolo (hasta 53 retratos) durante las décadas de los años 50 y 60. Le atraían tanto los aspectos técnicos del color lujoso y el virtuosismo en el tratamiento de la tela y la carne, como la maestría de Velázquez para capturar la personalidad del retratado. Bacon orientó la obra siempre a hacer salir del Papa otras sensaciones que veía palpitar en el cuadro como la agonía, la amenaza y el aislamiento. No se trata de una relación puramente formal sino de un proyecto de descomposición que actúa como si fuese una radiografía del cuadro original.
    • De Rembrandt, otro gran retratista, toma el uso audaz de la luz y de las sombras (claroscuro) sobre fondos vacíos. Debe también al maestro holandés su serialización de autorretratos de sí mismo y de sus seres cercanos.
    • En Bacon hay algo de la violencia y de la angustia que reflejan las figuras de Goya: de los “desastres”, de los cuadros de la Guerra de la Independencia, de las “pinturas negras” y de los retratos.

CONCLUSIÓN

Francis Bacon (Dublín, 1909- Madrid, 1992) es un claro ejemplo de pintor de la segunda mitad del siglo XX atípico, autodidacta y tardío, pero con un lenguaje inimitable, lo que quiere decir que cuando contemplamos uno de sus lienzos inmediatamente comprendemos que sólo puede ser suyo. Es un artista de su tiempo y, por tanto, influido por los hechos históricos y artísticos en los que le tocó vivir, pero a la vez con un lenguaje artístico muy personal que refleja sus angustias y sus sueños. Nos guste o no su “idioma artístico”, su estilo, Bacon nos conmueve, es decir, inquieta nuestro espíritu, no nos deja indiferente.

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El taller de Bacon

“Solo puedo pintar aquí, en mi estudio. He tenido otros muchos, pero llevo aquí casi treinta años y resulta ideal para mí. No puedo trabajar en sitios que estén demasiado ordenados. Me resulta más fácil pintar en un sitio como este, que está hecho un desastre. No sé por qué, pero me ayuda” –Francis Bacon

OBRAS

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George Dyer ante un espejo. Francis Bacon. 1968

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Cabeza rodeada de carne de vaca. 1946. Bacon

La pintura es una muestra de la visión que el pintor tenía de la vida: un accidente, un espasmo de brutalidad y sufrimiento que no puede ser explicada porque no tiene significado. Para algunos representa al Goebbels, ministro de propaganda de Hitler, para otros representa las múltiples personalidades del artista.

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Niño paralítico gateando. Bacon

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Perros que gruñen
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Triptych. 1973. F Bacon

Su pareja, George Dyer, 25 años más jóven que Bacon, se suicidó en 1971 con una sobredosis de barbitúricos. Lo encontraron en el cuarto de baño del hotel de París donde la pareja se hospedaba, dos días antes de que Bacon inaugurara una gran exposición en la capital francesa y a la que aún después de la tragedia asistió con estoicismo. El pintor creó dos años después un tríptico dedicado al momento de la muerte de su amante, tres descarnadas pinturas que muestran la escena del cadáver sentado en el retrete.

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Sugerencias:

Francis bacon from Gilma Betancourt Maradiaga

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10. Jackson Pollock. Expresionismo Abstracto. Accion Painting

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Jackson Pollock es, junto a Andy Warhol, el “art-star” de los Estados Unidos

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La obra Nº 5,  es quizás la más icónica de Pollock. Realizada con la técnica dipping painting, Se vendió por 140 millones de dólares.

El arte abstracto, de la segunda mitad del siglo XX, transforma el lienzo en grito, en algo aparentemente inarticulado e incomprensible.

Jackson Pollock (1912-1956)  fue catalogado como: “El mejor pintor que Estados Unidos de América había tenido jamás“. Crea el expresionismo abstracto. 1ºestilo artístico genuinamente norteamericano.

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Un personaje que alcanzó la fama y el éxito, sin embargo, su vida también estuvo marcada por “tintes negros” debido a su creciente alcoholismo y sus cambios drásticos de humor. Su hada madrina fue  Peggy Guggenheim, le dio un sueldo mensual, le consiguió la casa de Long Island y lo lanzó a la fama.

Entre sus influencias, está el automatismo surrealista, el cual buscaba crear a partir de actos “no coherentes”, el muralismo mexicano (recibió clases experimentales de pintura con el famoso muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, quien le enseñaría a utilizar diversos tipos de pintura acrílicas que le facilitarían su obra futura). El Greco, Picasso, Miró.

El ascenso a la fama de Pollock se detonó gracias a cuatro personajes clave en su vida: el artista Marcel Duchamp, la art dealer Peggy Guggenheim, el crítico Clement Greenberg y su esposa Lee Krasner. Murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico debido a que conducía en estado de ebriedad.

La técnica Pollock

  • Rompió las convenciones pictóricas al pintar  sus grandes lienzos (2, 3 ó 4 metros) en el suelo para que su pintura gestual fuera más sencilla y le permitiera moverse libremente, trasladando lo vertical del cuadro a lo horizontal del suelo.
  • El dripping painting o chorreado era la técnica que este artista empleaba para pintar.  En ella, el tipo ponía el lienzo sobre el que iba a pintar sobre el piso; y después iba caminando y saltando a su alrededor, tirando pintura como quien tira chorreaduras o manguerazos, usando para eso pinceles (utilizaba palos o pinceles endurecidos para hacer que la pintura chorreara sobre ellos) y latas agujereadas. Con esto el artista se preocupaba no por representar objetos o ideas, sino por el movimiento que el creaba sobre el lienzo, lo que le daba un elemento de gestualidad y de corporeidad a su pintura.
  • Este involucrar el cuerpo dentro de la pintura se le llamó action painting o pintura de acción, un tipo de pintura que se realiza en el momento y que se funde con el performance al utilizar el cuerpo y al lienzo como soporte, y sobre todo por la inmediatez de la acción.
  • Utilizó  el esmalte sintético.
  • Aunque pareciera que Pollock hacía todo al azar, realmente era muy consciente de los balances de color, las cantidades de chorreado en cada sección del cuadro y la composiciones de este, por lo que este artista sí cuidaba los detalles de sus pinturas. Incluso llegaba a utilizar jeringas para dar otros efectos a sus composiciones.
  • Nada de perspectiva, de figuración académica ni de escalas cromáticas. Todo parece dejarlo a un aparente caos.
  • Pintaba con gran tensión para que fluyera el inconsciente
Jackson Pollock en su estudio,  por Joe Fig
Mural,1943. Expresionismo Abstracto, Pollock

Mural fue un encargo personal de la coleccionista y mecenas de arte Peggy Guggenheim, que había fichado a Pollock. Corre la leyenda que lo pintó en una noche. Aquí comenzó el expresionismo abstracto y accion painting.

Mural resume las influencias artísticas que habían empapado a Pollock desde sus inicios: el interés por los grandes muralistas mexicanos, como David A. Siqueiros, José C. Orozco y Diego Rivera, al que tuvo la oportunidad de ver pintar el mural para el Rockefeller Center de Nueva York; y también la honda impresión que le causó el Guernica, que pudo contemplar en 1939, primero en la galería Valentine y luego en la retrospectiva del MOMA sobre Picasso, también admiraba a Miró y El Greco.

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Número 8,  Pollock
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Número 18, Expresionismo Abstracto, action painting, Pollock
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Blue poles 11, J Pollock

Blue poles, o la número 11, tuvo una polémica de compra en 1972 donde la Australian National Gallery adquirió la imagen por 1.3 millones de dólares. La sociedad australiana se escandalizó por el alto precio por una pintura abstracta. Hoy en día es una de las imágenes más visitadas y consideradas

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Autum, 30, Pollock

Otoño es una de las más icónicas pinturas de la etapa dripping painting de Pollock. La predominancia de tintes negros y blancos sobre fondo café inspiran precisamente el paso estacional del otoño en occidente. La pintura se exhibe actualmente en el MoMa de Nueva York.

Lo profundo, 1953, J. Pollock, Expresionismo Abstracto

Los contrastes negros sobre blanco dan precisamente una sensación de profundidad.